Agenda de Eventos

Caería una tormenta que arrastraría  rencores, limpiaría  calles, barrería medias sonrisas y hablaría de tú a las fachadas de una ciudad que sufría los efectos de demasiados días sin lluvia.
Con la garganta seca, necesitada de aquello que lubrica deseos contradictorios…
El agua amorosa que ya llovía por todas partes, limpiando, arrastrando papeles en su pasar.  Practicaba un sexo sucio con las tapas de las cloacas, haciendo sonrojarse a una niña a la cual la cascada de gotas  de fiesta, como  confetti loco y líquido, había sorprendido en medio de la calle.
 
                                                                                   Fragmento del texto “Caería una tormenta”
                                                                     
  Anna Tamayo

La exposición, bajo el título Tàpies (colección del grabador Barbarà), está formada por 31 obras, en su mayoría grabados Bon à Tirer del pintor catalán Antoni Tàpies pertenecientes a la colección del grabador Joan Barbarà, quien trabajó con Tàpies y también fue el grabador de Miró y Picasso, entre otros nombres destacados. Los Bon à Tirer son las piezas que el artista considera perfectas y se usan como modelo para las tiradas de grabados, que deben acercarse al máximo a su calidad. Son el número 0, que con frecuencia se queda el grabador y tienen anotaciones a lápiz del propio artista.
 
Las obras que componen la exposición abarcan un amplio repertorio estilístico del autor, pudiéndose apreciar las diversas fases creativas de Antoni Tàpies, aunque predominan obras de la década de los años 80, en la que Tàpies recibió homenajes como el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), o la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983).
 
En la exposición encontramos un grabado  de gran tamaño, que ya fue expuesto en la ciudad de León como parte de la muestra ‘Maestros Modernos’.(2009)
 
La exposición “Tàpies (colección del grabador Barbarà)” ha sido adquirida en su totalidad a los herederos del grabador Joán Barbará y constituye un homenaje y un reconocimiento a la figura de este destacado grabador quien afirmaba disfrutar con la colaboración con Tápies por su enorme exigencia y su espíritu de vanguardia.
 
Federico Fernandez.
Director cultural de FUNIBER.
 

 
II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO

 
INFORMACIÓN en:
https://www.unileon.es/noticias/la-ule-entrega-los-premios-del-concurso-de-fotografia-contra-la-violencia-de-genero

Entradas 6 €: a partir de media hora antes del concierto en taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI
 
Dave Rileynació en Hattiesburg, Mississippi, el 18 de marzo de 1949. Sus padres se trasladaron a Chicago cuando él era un niño pequeño, dejando Riley y cuatro hermanos en el cuidado de sus abuelos. Los abuelos de Riley poseían campos de algodón y trabajaba en ellos. Riley comenzó a tocar la guitarra a los nueve años, pero no se tomó en serio la guitarra hasta que se reunió con sus padres en Chicago en 1961. El padre de Riley era un predicador en la Iglesia de Dios en Cristo. Cuando el resto de la familia se mudó a Chicago, comenzaron una banda familiar llamada "The Riley Singers", dice Riley, "Mi padre empezó a entrenarnos, él y mi tío Sam, para cantar música gospel. Y solían gritarte en ese entonces y hacerte cantar -dijo Riley-.
 
Poco después de la llegada de Riley a Chicago, su familia se trasladó desde el lado norte a un proyecto de vivienda en el West Side, cerca del mercado de Maxwell Street, donde escuchó por primera vez blues en vivo. Riley también recuerda ver Howlin 'Wolf actuar a través de las puertas abiertas de un club local, y aunque sus padres trataron de mantenerlo dentro de la esfera de la iglesia, logró escabullirse y tocar canciones de  Motown Songs con otros niños.
 
Después de graduarse de la escuela secundaria, Riley fue reclutado para el servicio en Vietnam. Después de la formación básica, estuvo brevemente en el estado de Washington, donde asistió a un espectáculo de Jimi Hendrix, un nativo de Seattle, que se convirtió en una gran influencia en el joven guitarrista.
 
Después de su liberación Riley se casó con su actual esposa, Tanja, y después de que ella quedó embarazada de su hijo, Riley dejó la música del alma para tocar el evangelio con el grupo de Tanya, el Mighty Gospel Wonders. Poco después, compró una casa en los suburbios y comenzó a trabajar como guardia de prisión en la Penitenciaría Estatal de Joiliet, trabajo que desempeñó durante unos 25 años. Riley confiesa libremente que la mayor parte del tiempo fue alcohólico y  drogadicto, hábitos que cogió en Vietnam. Pasó la última parte de los años 80 tratando de sacudir sus adicciones y ha estado sobrio desde 1989.
 
Dave Riley se encontró en la década de los 70 tocando bajo, y de vez en cuando tocando con Muddy Waters, Junior Wells, Buddy Guy y Howlin Wolf. En 1973, renunció a su carrera musical en el camino para ayudar a criar a su único hijo, Dave L. Riley, Jr. Ahora que su hijo ha crecido, Riley continúa con su carrera musical. Riley formó su propia banda en 1996 y pronto reclutó a su hijo, Dave "Yahni" Riley, Jr., para tocar el bajo.
 
En 1998 el cuello de Riley se rompió en un accidente de coche con un conductor ebrio, terminando su carrera en la prisión y dejándolo incapaz de tocar la guitarra durante nueve meses. Ahora ha recuperado la mayor parte de su capacidad de juego. Su primer CD, Living on Borrowed Time, es la historia de sus propias tragedias personales. Su segundo CD, Blues Across America ha sido un gran éxito. En este momento está ocupado recorriendo todo el país con su banda. Además de su hijo, su banda está formada por el baterista Sam Carr y del armonicista de  Arkansas, John Weston.
 
http://www.bel7infos.eu/dave-riley-infos/

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyecció en taquilla
 
EL DOCUMENTAL DEL MES
MACHINES
Ficha técnica
Dirección:Rahul Jain
Producción: Rahul Jain, Iikka Vehkalahti, Thanassis Karathanos
Fotografía: Rodrigo Trejo Villanueva
Sonido: Susmit "Bob" Nath
Edición: Rahul Jain, Yaël Bitton
Premio del público 2018
 
Sinopsis
Hipnótica, laberíntica y desoladora. Miles de trabajadores exhaustos, interminables jornadas laborales de 12 horas y una inmensa fábrica textil en Surat, una ciudad industrial en el noroeste de la India. La cámara viaja ligera entre los pasillos de este inframundo invisible, donde humanos y máquinas son la misma cosa.
El cineasta Rahul Jain debuta con una obra valiente y personal. Las cortas conversaciones que mantiene con los trabajadores nos descolocan y añade una nueva capa de lectura a un film que va más allá de la denuncia de la explotación laboral. Observamos incrédulos una realidad dramática que nos atrapa por su esplendor sonoro y visual.
Una mirada dura, y a la vez de una sensibilidad extraordinaria, a la explotación de los trabajadores de las fábricas de los países en vías de desarrollo que nos obliga a replantearnos si las dinámicas productivas del mundo en el que vivimos son las más idóneas.
Sobre la dirección (Rahul Jain)
Rahul Jain es un director de documental nacido en Nueva Delhi, criado en el Himalaya y educado en los Estados Unidos. Recientemente se graduó con una licenciatura en Bellas Artes de Cine y Vídeo en el Instituto de Artes de California y actualmente está estudiando un máster de escritura sobre Estética y Política. Se interesa por la distancia, la alteridad y la cotidianidad. Machines es su primer largometraje documental.
 
Premios y Festivales

    IDFA - Países Bajos, 2016
    Docpoint Talinn - Estonia, 2016
    CPH:DOX Copenhagen International Documentary Film Festival - Dinamarca, 2016
    Vilnius International Film Festival KINO PAVASARIS - Lituania, 2016
    Ljubljana Documentary Film Festival - Eslovenia, 2016
    Sofia IFF - Bulgaria, 2016
    DocuDays Ukraine - Ucrania, 2016
    Docpoint Helsinki - Finlandia, 2016
    Frames of Representation @ ICA London - Reino Unido, 2016
    Doc Fortnight, MoMA’s International Festival of Nonfiction Film and Media - Estados Unidos, 2017
    it's all true IDF - Brasil, 2016
    ONE WORLD FESTIVAL / People in Need Czech Republic / Get your Audience program - República Checa, 2017
    “Human Values Award” of the hellenic parliament @ Thessaloniki DFF - Grecia, 2016
    Fipresci Award @ Thessaloniki DFF - Grecia, 2016
    International Jury Award @ Thessaloniki DFF - Grecia, 2016
    World Cinema Documentary Special Jury Award for Excellence in Cinematography, Sundance - Estados Unidos, 2017

 

Entradas 8 €: a partir de media hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI
 
http://www.cambaleo.com/cambaleo/adultos/memoriaenblanco.html#
 
El espectáculo parte de una premisa “todo es recordar” y bajo esta premisa (falsa o no) se articula toda la acción y la dramaturgia.
En el imaginario colectivo se considera a la memoria como una facultad que tenemos. Una especie de “sentido” como el tacto, el olfato, etc. Y es posible que así sea, pero la memoria no es algo que se tiene y ya está, se recurre a ella y ahí está: te da la información que necesitas.
La memoria es una acción, que se realiza hoy y que se alimenta del pasado.
El espectáculo es una aproximación física a la idea de memoria o a una idea de memoria, es una acción que parte de una hipótesis (falsa o no) y que recorre nuestra memoria (la de los miembros de Cambaleo) y que concluye en la Memoria colectiva (exista esta o no).
Intérpretes: Antonio Sarrió, Begoña Crespo, Carlos Sarrió, Eva Blanco, Julio C. García.
Técnico: Víctor Rodrigo
Fotografía y Vídeo: David Ruiz
Dramaturgia y Dirección: Carlos Sarrió
Colaboran: Oscar Rodríguez, voluntario fotógrafo con la Sociedad de Ciencias Aranzadi y con la ARMH. José Ignacio Casado, miembro de la Asociación para la recuperación de la Memoria Histórica.

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada sesión en taquilla
50% de descuento: Miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carnet universitario y DNI
 
Recuerdos desde Fukushima
Título original: Grüße aus Fukushima aka
Año: 2016
Duración: 104 min.
País:  Alemania
Dirección: Doris Dörrie
Guion: Doris Dörrie
Música: Ulrike Haage
Fotografía: Hanno Lentz (B&W)
Reparto: Rosalie Thomass, Kaori Momoi, Moshe Cohen, Nami Kamata, Aya Irizuki, Thomas Lettow
Productora: Olga Film GmbH
Género: Drama
 
Sinopsis: Una joven alemana entabla amistad con una mujer mayor japonesa durante un tour por la región de Fukushima, una zona afectada por el terremoto en del 2011 en Japón. Marie (Rosalie Thomas) ha decidido viajar de Alemania a Fukushima para cambiar su vida. Con su trabajo en la organización Clowns4Help espera llevar un poco de esperanza a los supervivientes del desastre nuclear. Pronto se da cuenta que no está capacitada para hacer más llevadera la tragedia de los afectados. Pero en lugar de huir decide quedarse con la arisca anciana Satomi (Kaori Momoi), la última geisha de Fukushima que decidió volver a su casa en ruinas en la antigua zona de exclusión. Dos mujeres totalmente diferentes pero que, cada una a su modo, están atrapadas en el pasado y deben aprender a liberarse de la culpa y de la carga de los recuerdos. (FILMAFFINITY)
 
Premios
2015: Premios del cine Alemán: Nominada a mejor película y actriz (Thomass)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla
 
EN LAS NUBES
(Wolke Neun)
Director artístico: Andreas Dresen, color, 100 min., 2007/08
Inge conoce a Karl, se enamora de él apasionadamente y deja a su marido Werner tras 30 años de matrimonio para ir a vivir con Karl. Esta podría ser una historia de amor como cualquier otra, si no fuese porque sus protagonistas superan los 60, o incluso los 70 años de edad.

Esencia Barroca
David Palanca Gómez
 
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Suite Inglesa no.2 en La m BWV 807
●       Prélude
●       Allemande
●       Courante
●       Sarabande
●       Bourrée I
●       Bourrée II
●       Gigue
 
Antonio de Cabezón (1510 - 1566)
Diferencias sobre el canto del caballero
 
Jean Henri D'Anglebert (1635-1691)
Preludio en Re menor
 
Antoine Forqueray (1671-1745)
Suite nº 1 en Re menor
●       Allemande La La Borde (Noblemt et avec Sentiment)
●       La Forqueray (Vivement et d'aplomb)
●       La Cottin (Galamment sans lenteur)
●       La Bellemont (Avec gout et sans lenteur)
●       La Portugaise (Marqué et d'aplomb)
●       La Couperin (Noblement et Marqué)
 
 
 
 
DAVID PALANCA
León (1992); David comienza a estudiar clave en su ciudad y completa sus estudios de grado en Zaragoza con la calificación de matrícula de honor, bajo la tutela de Silvia Márquez. En los últimos años ha asistido a clases con profesores como Bertrand Cuiller, Kenneth Weiss, Christophe Rousset, Anna Fontana, Olivier Baumont, Alfonso Sebastián, Aarón Zapico o  Saskia Roures, entre otros.
 
En 2014 fue galardonado con el Primer Premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España en la especialidad de clave (segunda vez en la historia del concurso que se otorga un primer premio de clave, tras Silvia Márquez 1996). También en el mismo año, fue premiado con una mención de honor por parte del jurado y el premio honorífico del público en el concurso internacional “Young Bach Award”. En 2011 obtuvo el Primer premio en el concurso de interpretación Claudio Prieto. Recientemente ha sido seleccionado por AIE para su temporada 2018.
 
Como solista al clave, ha ofrecido recitales por toda España en lugares como el Palau de la Música Catalana de Barcelona, Fundación Juan March en Madrid, Festival de Órgano de Torreciudad, Sala Mozart del auditorio de Zaragoza, sala de cámara Miguel Delibes en Valladolid o Andorra (festival de órgano). Solista con la orquesta sinfónica del CSMA, con la orquesta de cámara de la JOL (Fundación Eutherpe) y con la orquesta de cámara de los cursos de verano de la universidad de Zaragoza y Eduardo López Banzo - Al Ayre Español.
 
Ha participado en el festival Musika-Música como clavecinista con la prestigiosa formación “Forma Antiqva”, dirigida por Aarón Zapico. Entre sus últimas colaboraciones destacan la participación en proyectos como “dúos de amor de Monteverdi” con “Los Mvsicos de sv Alteza”, otros con la “orquesta de cámara del Penedés” bajo la dirección de Enrico Onofri, y su colaboración a dúo con el reputado violinista Manfredo Kraemer. Desde 2017, es asistente de Eduardo López Banzo en sus cursos de canto histórico organizados por el CNDM.
 
En los últimos tres años ha compaginado su actividad concertística y su formación con clavecinistas de prestigio internacional, con  la docencia. Es profesor de clave, música de cámara y bajo continuo en el Conservatorio Profesional de  Música de Valladolid.
 

ENTRADAS (5): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro
VENTA ANTICIPADA. Desde el lunes 15 de enero en: Ateneo Varillas, Varillas 3, 2º Dcha. (de 18 a 22 h.) y Taberna el Cuervo, Calle La Sal, 6 a partir de las 20 h.
50% de descuento (*exclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
 
La "Changai  Blues Band" hace su presentación en el Albéitar
 
Los músicos:
Beatriz Laróm, voz. Luis Miguel Puche, guitarra. Alfredo R. Vidal, guitarra. J. Eduardo López, batería. Carlos Rabanal "Cachapizo", bajo.
La historia:
El grupo nace gracias al feliz reencuentro de tres veteranos de la música en nuestra ciudad, Luis Miguel Puche, Pepe López y Alfredo Vidal han participado desde los felices setenta hasta ahora mismo en muchas  de las más interesantes propuestas de la música en León. Grupos como Asfalto -efectivamente, hubo un grupo de ese nombre en León, anterior al conocido-, Generación 2000, Colectivo 1, Gracoma, el magnífico grupo de blues Mama Chokota, Majataba Hermanos,  Los Gatos Swing, Los Cardiacos y otros muchos han conocido el quehacer de estos músicos.
Con la incorporacion de Beatriz Laróm a la voz y Carlos "Cachapizo" al bajo, el grupo acaba de tomar forma, se consolida.
Beatriz Laróm es una cantante de voz profunda y apasionada. Capaz de moverse con igual autenticidad en los registros de Ella Fitgerald, Etta James o Aretha Franklin, es sin duda una de la voces más interesantes en el panorama del jazz y el blues en nuestro país. Profesora de Sensibilización Musical y canto moderno tiene, a pesar de su juventud, una amplia experiencia en el mundo de la música. En la actualidad es la voz de La Changai Blues Band y colabora en la banda leonesa de funk Red Monkeys.
Carlos "Cachapizo" Rabanal, músico de Villablino -Laciana ha sido desde siempre cantera de muchos y buenos músicos-  ha sido en la última década el bajista de relevantes bandas leonesas del rock al swing: The Funk on Me, La senda D'jango y La Última Legión, entre otras. Habitual en las sesiones nocturnas de jazz del Canal 7 de Castilla y León, es también un reconocido músico de estudio.
El blues es la música que les une, el lugar donde compartir emociones, un particular  "back to the roots" a la leonesa.
El repertorio del grupo tiene como base el blues con toques de R&B y referencias al rock de los 70. Temas de los grandes del género: B.B. King, Etta James, Albert King, Robert  Cray  junto a creaciones de Aretha Franklin, Janis Joplin  y Joe Coker. Música para sentir y compartir con el público de forma directa.
El nombre
La banda toma el nombre del  popular "Changai" el tren que unía Barcelona con las ciudades de Vigo y La Coruña, en un viaje interminable de 36 horas. El sobrenombre se lo había puesto un ferroviario en homenaje al Sanghay Express una conocida película de 1950 protagonizada por la famosa Marlene Dietrich. La retranca ferroviaria españolizó el nombre que ha llegado hasta nuestros días.
El tren ha estado siempre presente en el mundo del blues; en los oscuros días de la esclavitud en EE.UU.,  los trenes fueron el instrumento de huída hacia la libertad. La relación directa de los miembros veteranos de la banda con el mundo del ferrocarril  -hijos y nietos de ferroviarios, Luis Miguel Puche sigue siendo un ferroviario en activo- hizo que la elección del nombre fuera una labor sencilla y gozosa.
La Changai Blues Band inicia ahora su personal rail-moovie. Entre sus proyectos inmediatos está una gira de conciertos por las estaciones abandonadas en nuestra provincia y la grabación de un cd con versiones y temas propios.
La presentación de la banda ante sus paisanos de la mano de El  Albéitar constituye para sus miembros un motivo mas de satisfacción y agradecimiento.
En definitiva, pudiendo compartir el blues, ¿a quién le interesa ser profeta en su tierra?

Entradas (8€): a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
 
Danza    .  PAULA QUINTANA, presenta: AMARGA-DULCE
 
TODA la  INFORMACIÓN AMARGA-DULCE aquí:
 
http://www.paulaquintana.com/amarga-dulce/
 
 
PAULA QUINTANA
www.paulaquintana.com
 
Actriz, bailarina, creadora.
Alterna el trabajo con compañías con su carrera como creadora basada en una
comunicación visceral, de persona que siente a persona que siente. Fondo y
forma constituyen un único elemento al servicio del cual se genera un lenguaje
propio.
Recibe el premio Especial a la Mejor Artista/Creadora Emergente “por la
madurez mostrada para integrar danza y teatro, con espectáculos depurados y
con grandes posibilidades de proyección”, Feria Umore Azoka 2015, Leioa,
Vizcaya.
Nacida en Tenerife, se forma desde la infancia en danza clásica,
contemporánea y flamenco. Tras licenciarse en Arte Dramático se traslada a
Madrid continuando con su formación como actriz y bailarina, estudiando y
colaborando con importantes directores, bailarines y coreógrafos: Yayo
Cáceres (cía. Ron Lalá), Fernando Soto, Gabriela Carrizo (cía. Peeping Tom),
Andrés Lima. En el ámbito de la danza contemporánea Daniel Abreu, Chevi
Muraday y Carmen Werner. En lo referente al Flamenco con maestros de la
emblemática escuela “Amor de Dios”
Todo ello la lleva a trabajar en diferentes montajes de teatro y danza, dentro y
fuera de España: Papel protagonista del largometraje “Cádiz,Cádiz” de Pedro
Loeb, 2017. Actualmente, segunda Coreógrafa e intérprete solista de la obra
“WE EARTH”, de la fundación Internacional Dancing for the Milllennium Goals,
en colaboración con la UNESCO y fundación SCHOLAS. Elenco actual de la
compañía de teatro “Pour Ainsi Dire” de París; “Delirare” y “La virtud de la
Torpeza” dir. Fernando Soto. Asesora de movimiento escénico de
“Trainspotting”, dir. Fernando Soto, de La Competencia TV, 2017. Destacan
también espectáculos en el Grand Palais de Paris; Royal Albert Hall de Londres
o Dubai y festivales como Fringe Madrid o Fira Tárrega, asi como en
numerosas salas del circuíto nacional.
En su carrera como creadora destaca la pieza corta “Sueño3”, gira nacional
Red A Cielo Abierto´15. Además, las obras PIELES, fest.MEYABE, Congo,
17; CEE MAIMI ´2016; fest.Spain Dance in Montevideo´15, Flamenco London
festival, Between the Seas festival, Nueva York, espacios no convencionales
como La CASA de la PORTERA en Madrid, entre otros. LATENTE, Candidata
Premio Max “Mejor Espectáculo Revelación” “Mejor autoría revelación” ´16,
catálogo AECID, DanzaEscena, Platea, premio Umore Azoka ´15; AMARGA
DULCE, dFeria 2016, Festival Internacional de Teatro Clásico Almagro Off,
Teatros del Canal, sala Negra, Madrid; Sociedad Cervantina 2015; Feria
Internacional de Teatro y Danza de Huesca 2016; SIEMPRE, EN ALGÚN
LUGAR (coproducción Auditorio Tenerife y com. Madrid); fest. Dansa Valencia
´17

ENTRADAS (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en taquilla
50% de descuento Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
 
Entre ellas
 
Título original: Faut pas lui dire
Año: 2016
Duración: 96 min.
País:  Bélgica
Dirección: Solange Cicurel
Guion: Jacques Akchoti, Solange Cicurel
Música: Emilie Gassin, Benjamin Violet
Fotografía: Hichame Alaouie
Reparto: Jenifer Bartoli, Camille Chamoux, Tania Garbarski, Stéphanie Crayencour, Arié Elmaleh, Laurent Capelluto, Fabrizio Rongione, Charlie Dupont, Clément Manuel
Productora: Entre Chien et Loup / Other Angle Pictures
Género: Comedia| Bodas
Web oficial: https://www.facebook.com/FautpasluidireLeFilm/?brand_redir=358338937679772
 
Sinopsis:
Laura, Eva, Anouch y Yael son cuatro primas, muy diferentes y entrañables, que tienen algo en común: mienten pero siempre por amor. Cuando las tres primeras descubren, unas semanas antes de la boda de su prima que su perfecto prometido la engaña, ellas deciden al unísono que no hay que decírselo. (FILMAFFINITY)
 

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla
 
PARÓN EN EL CAMINO
(Halt auf freier Strecke)
Director artístico: Andreas Dresen, color, 110 min., 2010-11
“Parón en el camino” es una historia de lo extremo, que nace de lo cotidiano. Una historia que celebra la vida en medio de la muerte.
Frank y Simone han cumplido su sueño y viven con sus dos hijos en un chalé adosado en las afueras de la ciudad. Son una pareja feliz hasta el día en que a Frank le diagnostican un tumor cerebral inoperable. De pronto, la familia debe enfrentarse con la muerte.

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla
 
CUANDO SOÑÁBAMOS
(Als wir träumten)
Director artístico: Andreas Dresen, color, 117 min., 2013-2015
Hasta hace pocos años, Dani, Rico, Paul y Mark asistían a la escuela en la RDA. Aunque eran sometidos a presiones ideológicas, también vivían amparados en la seguridad de una rutina conocida. Tras la reunificación de las Alemanias, las reglas parecen esfumarse. Los amigos disfrutan de su anarquía privada: durante la noche, borrachos, corren carreras por las calles de Leipzig, se drogan, alborotan y disfrutan de su vandalismo. Abren una discoteca y, un año más tarde, el proyecto fracasa a causa de la violencia de los neonazis. Rico abandona su carrera para ser boxeador, Paul comercia con pornografía, Mark pierde la vida y Dani a su gran amor. ALS WIR TRÄUMTEN cuenta la historia de una generación perdida, que sin saberlo fue víctima de la reunificación alemana.

CONCIERTOS A.I.E.
 
Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla
 
Cante: Lela Soto “Sordera”
Guitarra: Nono Jero
Percusión: Luis de Perikín
 
LELA SOTO SORDERA (Cante)
 
Lela Soto es una de las voces jóvenes con más proyección del panorama flamenco actual. Nació en 1992 en Madrid, y es la heredera más joven del legado de La Casa de Los Sordera. Su padre, Vicente Soto “Sordera”, y su madre, Luisa Heredia, bailaora, le han transmitido desde pequeña la esencia y el amor por el Flamenco. Lela es además sobrina de artistas de la talla de José Mercé, José Soto “Sorderita” o Enrique Soto, por parte de su padre, y de Ray Heredia o Enrique de Melchor, por parte de su madre.
Desde su infancia comienza a cantar en reuniones familiares y eventos, donde deja constancia de su hermosa voz y natural afinación. Además de sus raíces flamencas ortodoxas, Lela Soto impregna en su música un flamenco más vanguardista, y en su voz también se aprecian influencias del Jazz, Blues, Salsa o R&B, a través de artistas como Whitney Houston o Beyoncé.
Desde hace unos años, Lela Soto ha sido reclamada por algunos de los artistas españoles más importantes para colaborar en sus grabaciones o giras, destacando: Alejandro Sanz (grabación y gira de “No es lo mismo”), Pitingo (gira de “Soulería”), Niña Pastori (grabación y gira de “Ámame como soy”), Navajita Plateá, Los Cherokee, Diego del Morao, Jesús Méndez o en varios espectáculos y grabaciones de su padre, Vicente Soto “Sordera”, y de La Casa de Los Sordera.
En solitario, Lela Soto ha grabados varios temas que han sido difundidos con éxito a través de plataformas digitales. Ha puesto música a la marca “Ron Dos Maderas” de Bodegas Williams & Humbert y ha participado en el CD Homenaje a Lola Flores editado en 2017 por el Ayuntamiento de Jerez, interpretando “Torbellino de colores”. En concierto, ha recorrido escenarios y peñas flamencas en distintos lugares de España y el extranjero. En febrero de 2016 inicia una gira junto a Vicente Soto “Sordera” promovida por la Diputación de Almería. En el verano de 2016 actúa en los Viernes Flamencos de Jerez y en la Bienal de Flamenco de Sevilla. En noviembre de 2016 se presenta en solitario en Madrid, actuando en la Sala García Lorca. En febrero de 2017 realiza una gira en California, promovida por la Flamenco Society de Estados Unidos. En septiembre de 2017 actúa en el prestigioso World Music Festival de Copenhague (Dinamarca). Lela Soto ha participado en distintos programas de Radio y Televisión, destacando los 3 temas que grabó, acompañada de guitarra y percusión, en el Foro Flamenco de Canal Sur TV, donde interpretó Malagueñas, Bamberas y Tientos Tangos.
En 2017 obtiene el Primer Premio en el Concurso Talento Flamenco 2017 que organiza la Fundación Cristina Heeren.
El cante de Lela Soto lleva la tradición flamenca inyectada en la sangre, aportando al género su dimensión artística y contemporánea de la vida, pues también es una joven de su tiempo, a la que por supuesto no le es indiferente lo que sucede a su alrededor. Sin duda, una voz que nos anticipa el flamenco del mañana, pero que afortunadamente disfrutamos hoy.

Sesiones: 17:30 h. y 20.10 h.
ENTRADAS (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en taquilla
50% de descuento Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
Demasiado cerca
Título original: Tesnotaaka
Año: 2017
Duración: 118 min.
País:  Rusia
Dirección: Kantemir Balagov
Guion: Kantemir Balagov, Anton Yarush
Fotografía: Artem Emelianov
Reparto: Darya Zhovner, Olga Dragunova, Veniamin Kac, Atrem Cipin, Nazir Zhukov
Productora: Lenfilm Studios / Alexander Sokurov's Fund / Example of Intonation
Género: Drama | Secuestros / Desapariciones
Sinopsis: 1998, Nalchik. Una familia judía recibe un día una noticia terrible. El hijo más pequeño y su esposa no vuelven a casa, y a la mañana siguiente reciben una nota de secuestro. El rescate que piden es tan alto que la familia se ve obligada a vender su pequeño negocio y a buscar ayuda a su alrededor. (FILMAFFINITY)
Premios
2017: Festival de Cannes: Un Certain Regard (Sección oficial)
 

Entradas (3 €): a partir de media hora antes en la taquilla del teatro
50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DANZA MANIPURI: BINA DEVI LAISHRAM
Manipuri es la danza clásica de la Indiaperteneciente a la región de Manipur en el noreste de este país. Es una danza en la que se pueden encontrar diferentes estilos que pueden ir desde lo suave y femenino hasta lo vigoroso y masculino.
Como en la mayoría de estas danzas, existe un fuerte contenido religioso y de adoración, en este caso asociado al culto Vaishnav del hinduismo donde se narran muchas partes de la vida del Señor Vishnu. Las versiones sobre su origen son variadas, algunas incluso tienen algún componente de leyenda como que los habitantes de Manipur se consideran a sí mismos Gandharvas, que eran músicos y bailarines de las cortes de la antigua India.
A diferencia de otras danzas de la India, en el manipuri no se usan pulseras con cascabeles en los tobillos para marcar el ritmo sino que este se da por el instrumento que tradicionalmente se usa, el pung.
Grupo de  10 músicos y bailarines liderados por Bina Devi Laishram.

Entradas (8 €): a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro.
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné universitario y  DNI
 
 
Teatro-debate
Laboratorio generación ARTes Artes Escénicas, presenta:
“En Alta Mar”
Autor: Slawomir Mrozek
Dirección: Rodrigo Puertas

La obra
‘En alta mar’ (titulada originalmente como ‘Na pelnym morzu’ y conocida en inglés como ‘At sea’) pertenece al estilo del teatro del absurdo, es decir con tramas que parecen no tener sentido e incluso secuencia dramática. Mrozek se caracterizaba por su humor surrealista para cuestionar a la sociedad.
La antropofagia es el tema central. La obra, escrita en los 60, parte de éste feroz conflicto para navegar por temas tan actuales como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.
A partir del irreverente humor de Slawomir Mrozek, la pieza plantea una visión crítica del mundo contemporáneo a través de unos personajes que, enfrentados a determinadas situaciones sociales, llevan hasta el límite la lógica de los estereotipos que simbolizan.
La obra, caracterizada por una singular carga irónica, explora el comportamiento humano, la alienación y el abuso de poder. “En alta mar”, en una atmósfera absurda y mediante un corrosivo humor está protagonizada por tres náufragos, extrañamente vestidos de manera elegante, que se ven obligados a tomar peculiares decisiones para sobrevivir. Partiendo de un feroz conflicto, la obra aborda asuntos de vigencia permanente como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.
Ironía, juegos, alianzas, estrategias, histrionismo, burlas y humor… son ingredientes de este espectáculo que permite dar rienda suelta a la imaginación y penetrar en un mundo que refleja la esencia primaria del ser humano. En definitiva, la obra, en una original puesta en escena, muestra un retrato de la naturaleza humana.
 
Sinopsis
Tres náufragos que se ven obligados a tomar decisiones “políticas” para sobrevivir y soportar las condiciones de vida correspondientes a su soledad y falta de medios, incomunicación, etc. Partiendo de un feroz conflicto derivado de la antropofagia, la obra aborda asuntos de vigencia permanente como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.
 
Ficha artística
Autor: Slawomir Mrozek
Dirección: Rodrigo Puertas
Música: Varios autores.
Diseño iluminación: Rodrigo Puertas
Diseño escenográfico y de vestuario: Laboratorio generaciónARTes
Construcción escenográfica: Laboratorio generaciónARTes
Vestuario: Laboratorio generaciónARTes
Reparto:
Vero Ramírez
Laia Costajussà
Ricardo Galán
 
EL AUTOR
Slawomir Mrozek (Borzecin, 1930), escritor polaco de culto. Su visión crítica del mundo contemporáneo se expresa en obras de teatro cuyos personajes, enfrentados a determinadas situaciones sociales, llevan hasta el límite la lógica de los estereotipos que simbolizan y caen en el absurdo.
Algunas de sus piezas más representativas son Striptease (1961), Tango (1964), Los Emigrados (1974), El Embajador (1981) y El Residente (1986). Ha publicado también varios volúmenes de
narraciones cortas, entre las que figuran: El Elefante (1957), El Progresista (1960) y Un Ratón en el Armario (1970).
 
 
Laboratorio generaciónARTes Artes Escénicas
 
El laboratorio de creación escénica generaciónARTes es un proyecto de experimentación e investigación teatral, dirigido por Rodrigo Puertas, creado a partir del entrenamiento actoral de varios intérpretes, en su búsqueda de nuevos lenguajes de expresión escénica.
El texto de Slawomir Mrozek fue el punto de partida de un trabajo en torno al teatro del absurdo. Se analizó la interpretación textual y gestual de los personajes a nivel espacial. Uno de los objetivos fundamentales fue descubrir nuevas formas de comunicación verbal y no verbal, en espacios muy reducidos, ya que toda la pieza transcurre en una balsa de cuatro metros cuadrados. Se realizó un trabajo corporal profundo, de contención, control, expresión a través del movimiento acompañado de piezas musicales. En éstas, concebidas como transiciones a las diferentes acciones que plantea la obra, se ve cómo los personajes se vas descomponiendo o desarmando a medida que avanza la obra.
 

ENTRADAS (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en taquilla
50% de descuento Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
 
Título original:Le jeune Karl Marx
Año:2017
Duración:112 min.
País:Francia
Dirección:Raoul Peck
Guion:Pascal Bonitzer, Pierre Hodgson, Raoul Peck
Música: Aleksey Aygi
Fotografía:Kolja Brandt
Reparto: August Diehl, Stefan Konarske, Vicky Krieps, Olivier Gourmet, Hannah Steele, Eric Godon, Rolf Kanies, Stephen Hogan, Niels-Bruno Schmidt, Ulrich Brandhoff, Denis Lyons, Damien Marchal, Aran Bertetto, Wiebke Adam, Annabelle Lewiston
Productora:Agat Films / Velvet Films / Rohfilm
Género:Drama| Biográfico. Siglo XIX
 
Sinopsis:
En el París de 1844, tras exiliarse, Karl Marx conoce a Friedrich Engels, quien investigaba el nacimiento de la clase obrera británica. Engels proporcionó la última pieza del puzle a la visión del mundo del joven Marx. Juntos, entre censuras, represión policial, revueltas y conflictos políticos, lideraron el movimiento obrero durante su desarrollo hacia la era moderna.

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro
50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

SID GRIFFIN

Sid Griffin es uno de los maximos exponentes de lo que se ha dado en llamar Americana . En los 80´s su banda The Long Ryders encabezaron el movimiento conocido como "Nuevo Rock
Americano" , editando cuatro magnificos LPs con los que cautivaron a todos los aficionados al genero . Tenian su mirada puesta en lo mejor del rock y el pop de los 60´s y la musica de raices , dando incluso pinceladas de country
y punk . Y sobre todo grandes canciones con las que recorrieron medio mundo.

Tras la aventura de los Long Ryders Sid Griffin se mudo a Londres y alli
puso en marcha a los Coal Porters , banda con la que ha facturado un buen puñado de discos de Bluegrass . Y también ha tenido tiempo para editar cuatro fantasticos discos en solitario , en los que desarrolla su faceta más acustica .
Ecos de Dylan , los Byrds o los mismisimos Flamin Groovies, armado con su acustica de 12 cuerdas o con su mandolina.

Además Sid es un reputado critico de rock , trabaja en la BBC , y ha editado varios libros de Dylan y  Gram Parsons entre otros.

Por si fuera poco tambien tiene su propio sello discografico Prima Records
 

Cooking America!, un recorrido por el continente americano, desde las profundidades pampeanas argentinas con sus ritmos y melodías folclóricas, paseándonos por Cuba a través del compositor catalán Xavier Montsalvatge, que nos imprime con maestría los ritmos latinos de esta región, para terminar con un repertorio contrastante de uno de los maestros de los Estados Unidos más reconocidos, donde los niños y la cocina serán los protagonistas.
 
 
 
MERCEDES GANCEDO,  SOPRANO
La soprano argentina Mercedes Gancedo ofrece este original programa en el que hace diversos viajes de ida y vuelta entre España y Latinoamérica. Obras de autores de Argentina, Cuba, Brasil, Colombia y España para descubrir todo un mundo de influencias y préstamos a una orilla y otra del Atlántico.
 
1er PREMIO I CONCURS DE CANT JOSEP PALET (MARTORELL, 2017)
 
Mercedes Gancedo realizó estudios superiores de canto en el ISA Teatro Colón y fue becada por la Fundación de Música de Cámara. Recibió la beca en la ESMUC para el Máster de Lied Victoria de los Ángeles y continuó su participación durante dos años consecutivos en el festival LIFE Victoria. Continúa su formación en Europa con J. Aragall, E. Giménez, T. Berganza, M. Freni, M. Caballé, R. Pierotti, C. Bartoli, entre otros. Debuta a los dieciocho años con Despina (Così fan tutte), Mistery (The Fairy Queen), Susanna (Le Nozze di Figaro) y Zerlina (Don Giovanni). En España, cantó Gianetta (L’Elisir d’Amore) en el Festival de verano de Calella, Mariana (Das Liebesverbot) en el Festival Castell de Peralada, Berta (Il Barbiere di Siviglia) en Teatro Campoamor, Alisa (Lucia di Lammermoor) en AAOS (Barcelona), Marianna (Il Signor Bruschino) para Òpera de Cambra de Barcelona, Micaela (Carmen) en el Palau de la Música Catalana y Contessa di Ceprano (Rigoletto) en el Gran Teatre del Liceu. Recibe una bolsa de estudios en Competizione dell’Opera (Dresden) y Francisco Viñas, 1er premio en el CIM, premio La Voz de más Porvenir en el C. de Canto de Logroño, 1er premio en el XXI Pòdiums de Musica de Cámara (Cataluña), 1er premio XII Luis Mariano, 1er premio en el Concurso Josep Palet, 3er premio en el C. Pla Balaguer.
 
 
BEATRIZ G. MIRALLES PIANISTA
Comienza sus estudios de piano a los 7 años en la Escuela de Música Boccherini de Boadilla del Monte (Madrid) con la profesora Daisy Pérez Serrano.
Cursa estudios de Grado Medio con las máximas calificaciones, tras los cuales supera las pruebas de selección en diversos conservatorios superiores (Murcia, Salamanca, Zaragoza, Madrid), para ingresar finalmente en la especialidad de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Durante su estancia en este Conservatorio dirige sus estudios la catedrática Pilar Bilbao, cursando además la especialidad de Acompañamiento Vocal a lo largo de dos años bajo la tutela del profesor Juan Antonio Álvarez Parejo. Finaliza el Grado Superior en 2012 con nota media de sobresaliente.
Paralelamente a la formación oficial asiste, durante 4 años, a las clases de piano impartidas por el maestro Iván Cítera. Así mismo, durante dos años recibe clases de la profesora Ofelia Montalbán.
Desde el año 2012 es alumna del prestigioso concertista internacional Leonel Morales Alonso.
Por otra parte, en el año 2013 asiste como alumna invitada al Conservatorio Superior de Música de Friburgo (Alemania), donde, principalmente es instruida en la especialidad de Liedgestaltung (acompañamiento vocal) por el destacado Repertorista Matthias Alteheld.
En 2016 finaliza el Máster de Lied en ESMUC bajo la tutela del maestro Francisco Poyato. Por otra parte, ha recibido Masterclass de profesores como Vladimir Ovchinikov (Rusia), Imre Rohman (Hungría), Vinzenzo Balzani (Italia), Andreas Fröhlich (Alemania), Jan Kadlubisky (Polonia), etc.
En 2016 obtiene el primer premio del Concurso XXII “Pòdiums de música de cambra” de Barcelona, junto a la soprano Mercedes Gancedo.
 
 
 
 
 
PROGRAMA
CARLOS GUASTAVINO
1.     Encantamiento
2.     Jardín Antiguo
3.     Pueblito, mi pueblo
4.     Pampamapa
5.     Cuatro canciones argentinas
·        Desde que te conocí
·        Viniendo de Chilecito
·        En los surcos del amor
·        Mi garganta
 
ALBERTO GINASTERA
1.     Cinco canciones populares argentinas
·        Chacarera
·        Triste
·        Zamba
·        Arrorró
·        Gato
 
XAVIER  MONTSALVATGE
1.     Cinco canciones negras
·        Cuba dentro de un piano
·        Punto de Habanera
·        Chévere
·        Canción de cuna para dormir a un negrito
·        Canto negro
 
PAUSA…
 
 
LEONARD BERNSTEIN
1.     I hate music!
·        My name is Barbara
·        Jupiter has seven moons
·        I hate music!
·        A big indian and a little indian
·        I´m a person too
2.     Four recipes
·        Plum pudding
·        Ox-tails stew
·        Tavouk gueunksis
·        Rabbit at Top Speed
 

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Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro
50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
Brigan nace en el 2009 del encuentro de tres músicos de la región sur italiana de Campania, unidos por el interés y la pasión por la música tradicional de los pueblos del área céltica.
Su disco debut Irish Roots (2010) estaba dedicado íntegramente a la música de la arpista irlandesa T. O’Carolan. En 2011, con la publicación del segundo disco Ti sfondo i bodrhàn – tradizione e contaminazione, nace y se desarrolla la idea de emprender un nuevo proyecto: fusionar la sonoridad y las rítmicas de la música celta y de la música tradicional del sur de Italia.
El trabajo de investigación y estudio de los repertorios tradicionales de gran parte del área celta (Bretaña, Irlanda, Galicia y Asturias) se consolida con la publicación en 2014 de su tercer álbum Transumanza Sonora.
Los numerosos conciertos y estancias en España y Portugal están llevando a Brigan a dedicarse enteramente al aprendizaje y revisión de los repertorios tradicionales del área íberocelta, a través de la investigación de campo, intercambios y colaboraciones con músicos locales. También están estudiando los múltiples instrumentos y lenguajes tradicionales con varios expertos en folklore, en especial con el etnomusicólogo, investigador y constructor de instrumentos antiguos Pablo Carpintero desde Galicia y Alberto Jambrina desde Zamora.
Brigan colabora actualmente con diversos músicos italianos y extranjeros entre los que se encuentran Xurxo Fernándes y Pandeireteiras sen fronteiros, Harry. C (Milladoiro), Ramón Rodríguez Gómez (ex-Coetus), Massimo Ferrante, Giovanni Saviello, Aldo Grillo (Progetto cala la sera), Xulio Lorenzo, Efrén López Sanz, Davide Salvado.
Han tocado en numerosos conciertos y festivales: Forum universale delle culture (Napoli), Festival dell’arpa Viggianese, Festival della Zampogna di Scapoli, Paleariza 2015 (Calabria) Ferrara Buskers Festival 2011, Mercantia (2011-2012), Teatro del Sale (Firenze), Teatro Aperto (Verona), Ernica Etnica 2017, Teatro San Genesio (Roma), Teatro Civico (Caserta), Rassegna Teatrale “Pulcinellamente” 2012 – 2015, Festival “Esoterika” (Roma), Breental Celtic Festival, Fairylands Celtic Festival (Roma), support band di Eugenio Bennato (Teatro Lendi, Caserta), support band del grupo bretone Gwendal e differenti collaborazioni con la scuola di danze irlandesi “Gens d’Ys” di Roma.
In Europa al GallusFest (Svizzera), Festival “TradinEtno” Pazin (Croazia), “Mèra World Music Festival” Romania, Jamboree Club (Londra), “AspenizasFolk” Tui (Spagna), Multiusos de Mos (Galicia), “Celtic Transilvania” Romania, semifinale al “Festival do mundo celta de Ortigueira” (Spagna), e Slovenia, Croazia, Francia, Romania, Portogallo e Spagna.
Ganaron la primera edición del “Universo Folk – Concurso Internacional de Folk Ciudad de Oviedo” (Asturias) en 2013.
 
FORMACIÓN
FRANCESCO DI CRISTOFARO: voz, acordeón, gaitas alistana, sanabresa y gallega, zampogna, pito pastoril, tin y low whistle, sisco de Giugliano, mandolina, bouzouki
IVAN DEL VECCHIO: guitarra clásica, guitarra acústica, guitarra de 12 cuerdas, mandoloncello
GABRIELE TINTO: coros, arpa de boca, panderetas, pandero cuadrado, pandero de Peñaparda, tamburelli, tammorra, castañuelas, vieiras, almirez, bombo, platillos, caja  redoblante, zambomba
SIMONE LOMBARDI: coros, botella de anís, tambor, pezuñas de cabra, bombo

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Facultad de Filosofía y Letras

REFUGIADOS BIENVENIDOS (documental)
Facultad de Educación

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Hall de la Casa del Estudiante “Albéitar”

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro.
 
La Hora de los deberes-V.O. EN FRANCÉS, SUBTITULADA EN CASTELLANO
SINOPSIS
Un padre filma el esfuerzo y el sufrimiento diario de su hijo a la hora de hacer los deberes. Acabar los ejercicios que le ponen en la escuela es un calvario que oprime la pasión creativa de un niño inquieto e imaginativo. Su padre se implica a fondo para entender el problema y dedica una hora cada día a ayudarle a hacer los deberes. Pasan los días, las semanas y los años, y observamos cómo las ganas de aprender chocan contra el fantasma del fracaso escolar. La entrañable relación padre-hijo, toda una montaña rusa de emociones, nos revela con humor las contradicciones del sistema educativo francés.
¿La inteligencia de un niño se mide a partir de su habilidad para hacer los deberes que le imponen desde la escuela? ¿Cómo puede afectar esto a su autoestima y a su futuro desarrollo emocional? Una pequeña perla cinematográfica que nos muestra cómo se pueden fortalecer o debilitar los vínculos entre un padre y un hijo con el simple hecho de dedicarle un rato para hacer los deberes con él.
 
SOBRE LA DIRECCIÓN (LUDOVIC VIEUILLE)
Ludovic Vieuille es un director de cine francés que también ha trabajado como cámara, editor y escritor. Ha firmado una docena de documentales y cortos de ficción, seleccionados en diversos festivales. Es cofundador de la empresa Girelle Production. En 2014 escribió y dirigió el cortometraje Pointe-Noire. Actualmente está escribiendo un largometraje y una nueva serie, Les Green Bonnet.
 
 
PREMIOS Y FESTIVALES
·         Sección Oficial Panorama, DocsBarcelona - España, 2017.
·         Selección Oficial, Festival des Étoiles / Scam – Francia, 2017.
·         Selección Oficial, Festival Ciclic – Francia, 2017.
 
 
FICHA
·         Título original: Deux cancres
·         Año: 2016
·         Duración: 59 min
·         País: Francia
·         Guion: Ludovic Vieuille
·         Música: Philippe Leguy
·         Reparto: Documentary
·         Productora: Girelle Production / BIP TV Género: Documental-Mediometraje. Enseñanza
 
 
FICHA TÉCNICA
·         Dirección: Ludovic Vieuille
·         Producción: Christophe Camoirano
·         Producción ejecutiva: Marion Lacôte
·         Sonido: Xavier Dreyfuss
·         Animación: Denis Boisset
·         Música: Philippe Leguy

Entradas (8 €): a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
EL PÁJARO AZUL
El pájaro azul es un cuento para adultos, que promete crear conciencia sobre la búsqueda de la felicidad. El pájaro azul es un estado de ánimo. Duración: 70 minutos. Recomendado: A partir de 12 años.
 
 
Rodrigo Puertas (Dirección Artística/ Soñador)
Actor, formado en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid de la mano de Nina Reglero y Ricardo Vicente. Diplomado en pedagogía creativa y dirección. Ha impartido clases en importantes espacios como la Escuela de Artistas del productor musical Jesús Yanes o la Escuela de Arte Dramático de Guadalajara. Entre sus trabajos de dirección destaca la ópera Il Fantástico Cavaliere Don Chischiotte della Mancia, del compositor Matteo Fania. Es responsable del departamento de teatro de la Caja del Arte de Torrejón y dirige el Centro de Artes Escénicas generaciónARTes, junto a compañía generaciónTeatro, su proyecto más personal.
 
Carlos Garbajosa (Ayudante Dirección y Dramaturgia)
Cursando estudios de Dramaturgia en la RESAD de Madrid. 2011. Es profesor de preparación para el acceso a la RESAD. Como dramaturgo destacan sus últimos trabajos “LOLA”. 2014.(Ed. Fundamentos). *“LAS AMISTADES PELIGROSAS”. 2014. Adaptación. Sala Gº Lorca. “BILL PASTRYCOOK”. 2013. Teatro Mínimo (Ed. RESAD); Salón del Libro Teatral 2014 (Matadero de Madrid).
 
 
GENERACIÓN TEATRO
Compañía
El proyecto nace en el año 2015 en el seno del Centro de Artes Escénicas La Caja del Arte de Torrejón de Ardoz como parte del programa de residencias de creación. Es una producción de generaciónARTes, Tritoma S.L, el Centro Cultural Sanchinarro y La Caja del Arte.
Todos los componentes, antiguos compañeros de la Escuela de Arte Dramático de Valladolid, en su mayoría, se han ido encontrando, con el paso del tiempo, y tras muchos proyectos, hasta el día de hoy, han decidido compartir su larga trayectoria en un proyecto común, fruto de un camino profesional y vital que busca profundizar en el lenguaje teatral, el autoconocimiento y la búsqueda de la felicidad a través de un viaje interior.
Ana Isabel Rodríguez - La Luz - Niño por nacer
Actriz formada en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid en interpretación textual. Titulada en Dramática creativa y Dramática plástica. Ha formado parte de importantes compañías como Corsario. Complementa su trabajo como actriz de doblaje, la locución publicitaria y la docencia, habiendo formado parte del equipo de profesores de la Escuela Artistas de Jesús Yanés.
 
 
Carlos Cañas - El Mal - Niño por nacer
Titulado en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid. Con amplia formación en el medio teatral y el audiovisual. Ha compaginado en estos 22 años como actor profesional su trabajo en el medio teatral con compañías como Rayuela, Yllana, CDN, Fauno… Ha participado en numerosas series de televisión y varios largometrajes.
 
 
Consuelo Garbajosa / Vero Ramírez-La Noche - Niño no nacido
Formada en teatro con Mar Navarro y en danza junto a Elena Córdoba, entre otros.
Actualmente cursa Interpretación en la Resad. Gran parte de su trayectoria está ligada
a la ciudad de Alcalá de Henares, en donde ha participado en numerosos eventos como
el Festival de la Palabra.seno del Centro de Artes Escénicas La Caja del Arte
de Torrejón de Ardoz. Situado al este de Madrid es un centro de 5.000 m2 dedicado a
la cultura, y fundamentalmente a las artes escénicas.
Isabel Garzo- Soñadora
Comenzó sus estudios de interpretación en la Escuela del Teatro Guindalera, para después completar su formación en Londres. Con una dilatada trayectoria en teatro, ha trabajado para diferentes compañías como Curtidores de Teatro o Cermar. Sus últimos trabajos están relacionados estrechamente con el microteatro, bajo la dirección de Diego Sanchidrián o Antonio Ponce.
 
 
Naty Martín - La Luna - Niño por nacer
Cubana de nacimiento. Estudios de Piano y Canto. Se forma en Teatro musical, clown, Comedia del Arte y en la Escuela de Mar Navarro y Andrés Hernández (Lecoq) escuela de improvisación y estilos teatrales (gestual, clown, máscaras...). Máster en improvisación y creación de personajes. Es la compositora de la música original del Pájaro Azul, junto al tema de la película En la ciudad sin límites de Víctor Reyes.
 
 
Ricardo Galán El Tiempo - Muerto
Actor de larga trayectoria. Su trabajo actoral ha estado especialmente vinculado a la vida cultural de Alcalá de Henares, formando parte de algunas de las compañías más importantes de la ciudad, y participando así misma en Festivales como El Don Juan de Alcalá o Festival de la Palabra. Su trabajo más reciente es Yerma, con la compañía Apuro Teatro, con la que continua de gira promocional.
 
 
 
Daniel Juste Producción, distribución y diseño
Tras licenciarse en Historia del Arte y realizar un Máster en gestión cultural en la Universidad de Alcaláde Henares comienza a trabajar como gestor cultural en diferentes proyectos musicales y escénicos paraFundación Magistralia y Tritoma
S.L. Actualmente es responsable de la programación cultural de éstaúltima empresa y coordinador de actividades culturales del Centro de Artes Escénicas La Caja del Arte yel Centro Cultural Sanchinarro.
 
 
Sol Curiel Vestuario
Formada en la Escuela de Diseño Goymar, ha trabajado para importantes directores de escena y compañías como Yllana, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Teatro Clásico o La RESAD. Ha sido nominada y premiada en numerosos festivales. Actualmente es gerente de Visteteatro, su taller de costura.
 
 
 
 
 
Autor belga, principal exponente del teatro simbolista y creador de El pájaro azul y Peleas y Melisanda. Maeterlinck nació en Gante, el 29 de agosto de 1862, y estudió leyes en la universidad de esta ciudad. Abandonó la profesión cuando se trasladó a París, en 1886, y conoció a los poetas simbolistas. Como reacción ante el naturalismo predominante en la literatura francesa, Maeterlinck escribió poesía simbolista, entre la que cabe destacar Invernaderos cálidos (1889). Se le conoce principalmente por sus obras de teatro, por las que recibió el Premio Nobel en 1911. Las obras de Maeterlinck se caracterizan por su estilo claro y sencillo para expresar ideas y emociones. Sus primeros escritos están marcados por una actitud profundamente melancólica y pesimista ante el mal y la muerte. Más adelante, esta actitud inicial da paso a la creencia en el poder redentor del amor y en la realidad de la felicidad humana que se refleja en La princesa Malena (1889) la fantasía melancólica Peleas y Melisanda (1892), transformada en ópera (1902) por el compositor francés Claude Debussy; y El pájaro azul (1909), que se ha convertido en un clásico infantil. Regresó a Europa después de la II Guerra Mundial y murió el 6 de mayo de 1949, en la localidad francesa de Niza.
 
 
El proyecto
Su producción nace de la necesidad de buscar y poner en práctica herramientas escénicas queayuden al espectador, de cualquier edad, a expresar y liberar emociones, positivas o negativas, en torno a laidea predominante de la obra: la búsqueda de la felicidad.
Desde el principio tuvimos muy clara la elección de un texto como el de Maurice Maeterlinck, complejo en cuanto a su estructura literaria, multitud de personajes y gran carga simbólica, pero claro y directo en cuanto al trasfondo de lo que se quiere transmitir.
Por otra parte, El Pájaro Azul de Maeterlinck se ha adaptado al cine y a la poesía, y se ha convertido en un clásico, en la línea de textos de gran profundidad filosófica, como el de su contemporáneo Antoine de Saint-Exupéry, El Principito, al que influyó considerablemente y que, como éste, han sido injustamente encasillados dentro del mundo de los niños/as. Por este motivo se ha querido crear un montaje que llegue a todo tipo de público, tanto al adulto como joven, con un lenguaje común, con los mismos códigos escénicos, pero con múltiples puntos de vista y significados.
El proyecto pretende conducir al espectador más adulto a una “catarsis” emotiva completamente liberadora, dentro de un entorno simbólico, y al público más pequeño hacia un mundo, con referencias a la naturaleza, lleno de música, sonidos, objetos, colores y personajes imaginarios que, a través de las palabras, y fundamentalmente, de la poesía, capten la atención del más joven.
El principio organizador, tanto del texto de Maeterlinck como de la adaptación de la obra, es hacer visible lo invisible, volver perceptible lo oculto, dejar que se vea el alma del mundo, aquello que no vemos, pero que intuimos que existe. En este contexto, Rodrigo Puertas, siguiendo las ideas del autor, apela a referencias plásticas y literarias provenientes de los libros para niños. Permanecen, por ejemplo, siguiendo las alusiones a su obra, las nieblas y las brumas, las luces frías y difusas que sugieren el misterio de los espacios metafísicos.
Rodrigo Puertas remite a lo arcaico, a la simplicidad plástica, a la abstracción geométrica de Mondrian en una gran tela, a modo de patchwork, que sugiere una organización sagrada del mundo. Así mismo la técnica del patchwork es una alusión al trabajo tradicional, a aquel humilde hogar que los niños abandonan en busca de un mundo más justo. Así es que como se configura un mundo imaginario, cargado de símbolos, de miedos, de emociones, sentimientos que fluyen a través de un viaje y que apuntan a la figura del pájaro.
 
 
Sinopsis
Dos personajes, Los Soñadores, cansados de jugar se van a dormir exhaustos. De repente, atrapados por el sueño, son despertados por La Luna para encomendarles una extraña misión: buscar El Pájaro Azul. En su viaje onírico, Los Soñadores serán guiados por La Luz que los llevará por extraños y fantásticos lugares, y donde encontrarán seres mágicos, como la Noche o el Mal, que tratarán de evitar que conozcan sus secretos, Los Muertos o el Padre del Tiempo. Así llegarán al Jardín de los Sueños, atravesando un misterioso y malicioso Bosque, y al Reino del Porvenir, donde encontrarán a Los Niños que aún no han nacido. En el camino entenderán que El Pájaro Azul se halla más cerca de lo que creían, pues descubrirán que la Felicidad, no hay que empeñarse en buscarla muy lejos, en lugares remotos, sino que está más cerca de lo que creen y en las cosas más cotidianas.”.
 
 
El Pájaro Azul es un estado de ánimo.
El Pájaro Azul en el cine
La fama del Pájaro Azul ha hecho que esta obra también se haya llevado a la gran pantalla. Existen muchas películas que pueden programarse como actividad en el aula con la asistencia a la obra del teatro.
- The Blue Bird, Dir. George Cukor. 1976.
- El Pájaro Azul, Dir. Walter Lang. 1940.
- The Blue Bird, Dir. Maurice Tourneur, 1918. Película muda. B/N
 
 
 
El Pájaro Azul en la literatura
Desde su publicación, El Pájaro Azul se ha adaptado a la literatura infantil y juvenil en numerosas ocasiones. Poetas como Rubén Darío o Bukovski han escrito en torno a la figura simbólica del pájaro azul, pues aparece representado en muchas ocasiones como un símbolo de la creatividad, del genio y el tormento que lo acompaña. Aparece varias veces como metáfora en poesías y obras literarias que sirvieron a sus autores para espantar a sus fantasmas.
 
Sí, seré siempre un gandul,
lo cual aplaudo y celebro,
mientras sea mi cerebro
jaula del pájaro azul!.

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
Título original: Bamui Haebyunaeseo Honjaaka
Año: 2017
Duración: 101 min.
País:  Corea del Sur
Dirección: Hong Sang-soo
Guion: Hong Sang-soo
Fotografía: Kim Hyeong-gyu, Park Hongyeol
Reparto: Kim Min-hee, Seo Young-Hwa, Jae-yeong Jeong, Seong-kun Mun, Kwon Hae-hyo, Song Seon-mi, Ahn Jae-Hong, Park Yea-Ju
Productora: Jeonwonsa Film
Género: Romance. Drama | Drama romántico
 
Sinopsis: Tras mantener una aventura con un hombre casado, la actriz Younghee decide tomarse un tiempo. Para ello viaja a la ciudad extranjera de Hamburgo, pero eso no impedirá que siga pensando en lo que dejó atrás. (FILMAFFINITY)
 
Premios
2017: Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor actriz (Kim Min-hee)
2017: Festival de Gijón: Mejor actriz (Kim Min-hee)
 

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del Teatro.

AUJOURD'HUI
Título original: Aujourd'hui
Año: 2012
Duración: 86 min.
País:  Senegal
Dirección: Alain Gomis
Guion: Alain Gomis
Música: Djolof Mbengue, Assisco Bana, Niairi Tally
Fotografía: Crystel Fournier
Reparto: Saul Williams, Djolof Mbengue, Anisia Uzeyman, Aïssa Maïga, Mariko Arame, Thierno Ndiaye Doss, Alexandre Gomis, Anette Derneville Ka, Hélène Gomis, Charlotte Mendy, Tony Mendy, Jean Mendy, Marlène Niang, Sané Diankha, Bass Diakhaté
Productora: Coproducción Senegal-Francia; Granit Films / Maïa Cinéma / Cinekap / Agora Films / TV5 Monde
Género: Drama

Sinopsis: Hoy es el último día de su vida y lo sabe a pesar de encontrarse más fuerte y saludable que nunca. Aún y así, Satché acepta su prematura muerte caminando a través de las calles de su Senegal y encontrándose con su pasado como si fuera la última vez que se reencontrará con él: la casa de sus padres, su primer amor, sus amigos de la juventud o su mujer e hijos, escuchando de todos ellos una y otra vez el mismo reproche: ¿por qué no te quedaste en América donde seguro, tendrías un futuro por delante? Pregunta a la que nunca tendremos respuesta mientras Satché se enfrenta a los últimos momentos de su vida envuelto en el más absoluto temor pero también invadido por un curioso sentido de la diversión.

Premios:
2012: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes
2012: Festival de Monterrey: Mejor película

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del Teatro.
 
 
 
LE CHALLAT DE TUNIS

Título original: Le Challat de Tunis
Año: 2014
Duración: 90 min.
País:  Túnez
Dirección: Kaouther Ben Hania
Guion: Kaouther Ben Hania
Música: Benjamin Violet, Si Lemhaf
Fotografía: Sofiane En Fani
Reparto: Jallel Dridi, Moufida Dridi, Mohamed Slim Bouchiha, Narimène Saidane
Productora: Coproducción Tunez-Francia; Cinétéléfilms / Sister Productions / Dubai Media and Entertainment Organisation in association with Dubai Film Market (Enjaaz)
Género: Drama. Documental| Crimen

Sinopsis: Túnez, verano de 2003. Challat, un hombre en motocicleta con una navaja de afeitar en la mano, merodea por las calles. Diez años más tarde, después de la revolución, cuando la verdad parece al alcance de la mano, una obstinada directora de cine quiere seguir la pista de Challat, decidida a descubrir el misterio a toda costa.
 

TEATRO. CREACIÓN INJUVE
Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla
 

ENCUENTRO CON EL PÚBLICO: DESPUÉS DE LA FUNCIÓN SE REALIZARÁ UN DEBATE SOBRE EL TRABAJO TEATRAL REPRESENTADO, CON LOS ESPECTADORES QUE QUIERAN PARTICIPAR EN EL MISMO.

LA TARARA, presenta: "LA DESCOMPOSICIÓN DEE COURTNEY"
 
TEXTO Y DIRECCIÓN - Marie Delgado
AYUDANTE DE DIRECCIÓN - Jose W Paredes
ELENCO
Carlos Agudo - Courtney
Alex Cortés - Kurt
Marie Delgado - Frances
ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN - Jose W Paredes y Alejandro Carrillo
ASISTENTE DE ESCENOGRAFÍA, CARACTERIZACIÓN Y VESTUARIO - Ana Rocío Dávila
DURACIÓN - 60 minutos
 
SINOPSIS
La descomposición de Courtney retrata la historia de una pareja de jóvenes roqueros; Kurt Cobain, Courtney Love, quienes deciden mudarse a un pequeño estudio donde ser felices y criar a su bebé Frances. No obstante, su deseo se truncará con la llegada repentina de un enorme éxito profesional y artístico, adentrándoles en el mundo de las drogas y sumergiéndose en todo tipo de excentricidades.
La tragedia se cierne sobre la familia Cobain cuando Courtney, poseída por los celos, decide asesinar a Kurt. A partir de este instante su hija Frances comienza a tramar una venganza contra su madre debido al trauma ocasionado. Courtney no parará de obsesionarse por la cirugía estética y ofrecer numerosos escándalos ante la prensa. Mientras, Frances, ya adolescente, vive sin piedad la maldad de su madre, cada vez de manera más malvada y grotesca con todos los que la rodean. Finalmente, la cara de Courtney llega a convertirse en una máscara de látex.
Frances termina abandonando a su madre y su hogar, desechando toda posibilidad de venganza, esperando un futuro más racional en soledad.
 
LA COMPAÑÍA
“Nos sentimos identificados con muchas cosas,
sobretodo, con todo lo peor”.
La Tarara se crea en 2011 de la mano de tres actores y un escenógrafo procedentes de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla, con el deseo de explorar nuevas fórmulas en las artes escénicas. Así como realizar espectáculos que engloben la danza, el canto y la interpretación desde una mirada fresca e inusual.
Han sido reconocidos por sus espectáculos en festivales nacionales e internacionales, obteniendo el premio a mejor espectáculo en el FITU de la Ciudad de México y el ITSELF Festival de Varsovia en 2015, donde además se les premió como mejores actores y mejor diseño de iluminación.
Recibieron la nominación a “Mejor compañía” por "El niño Adefesio" en los IV Premios Lorca del Teatro Andaluz en 2016 y se alzaron con el “Premio Revelación” en el Sevilla Fest 2017.

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
 
GRANDEZA Y DECADENCIA DE UN PEQUEÑO COMERCIO DE CINE
 
Título original: Série noire: Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma (TV)
Año: 1986
Duración: 92 min.
País:  Francia
Dirección: Jean-Luc Godard
Guion: Jean-Luc Godard (Novela: James Hadley Chase)
Fotografía: Caroline Champetier, Serge Le François
Reparto: Jean-Pierre Mocky, Marie Valera, Jean-Pierre Léaud
Productora: Coproducción Francia-Suiza; Emitida por TF1; JLG Films / TF1 / Hamster Productions / Télévision Suisse-Romande (TSR) / RTL
Género: Drama | Telefilm. Cine dentro del cine. Neo-noir
 
Sinopsis:
El director Gaspard Bazin está preparando un nuevo largometraje y organiza castings para elegir a los figurantes. Por ahora se encuentra en proceso de financiación. Hizo un llamamiento a Jean Almereyda, un antiguo productor de moda venido a menos al que le cuesta cada vez más conseguir financiación para arrancar sus proyectos. Por su parte su esposa, Eurídice, sueña con ser una estrella de cine. Mientras Almereyda arriesga su vida para financiar la película, Gaspard elige a Eurydice como protagonista... Adaptación de la novela policíaca "The Soft Centre" de James Hadley Chase.

Entradas (6 €): a partir de media hora antes de la actuación en taquilla

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carné Universitario y DNI

Página web oficial

http://parvathybaul.srijan.asia/

Parvathy Baul (nacida en 1976) es una cantante de música folk Baul y narradora india, además es una de las artistas más reconocidas de la música Baul de la India. Se formó bajo la tutela de los gurús como Baul gurus, Sanatan Das Baul, Shashanko Goshai Baul en Bengala. Además ha estado llevando a cabo sus giras de conciertos, tanto en la India como en otros países desde 1995.

Está casada con Ravi Gopalan Nair y basa su residencia en Thiruvananthapuram en Kerala, desde 1997, donde también trabaja como profesora de música en el "Ektara Baul Sangeetha Kalari" una escuela superior de la música Baul.

Baul nació bajo su nombre verdadero de Mousumi parial, en el seno de una familia tradicional bengalí brahmán de Bengala Occidental. Su familia era originaria de Bengala Oriental y luego emigró a Bengala Occidental, después de la partición de la India. Su padre, un ingeniero que trabajó con los Ferrocarriles de la India, estaba interesado por la música clásica de la India. A menudo llevó a su hija diferentes conciertos. Su madre, una ama de casa, era devota del santo místico de Ramakrishna. Debido a la publicación de su padre en diversos lugares de la región, ella creció en Assam, Cooch Behar. Además dio un examen que le permitió pasar de la escuela secundaria a una escuela superior llamado Sunity Academy, en Cooch Behar.

Aunque ella comenzó por actuar en 1995, en 1997 llegó a Thiruvananthapuram en Kerala, para aprender acerca de las tradiciones espirituales y las actuaciones en teatros locales. Ella conoció a Ravi Gopalan Nair, que era un titiritero profesional de Kerala. Aprendió la técnica de los títeres, utilizado el teatro para las actuaciones de Ravi y en el 2000 viajó con él, para presentarse en el Bread and Puppet Theater en Vermont, Estados Unidos. Luego estudio con el creador de Peter Schumann, conocido por sus actuaciones de títeres, en una de las obras de arte en vivo que era adaptada también en los teatros. Antes de esto, ella trabajó también con otra compañía de teatro durante cinco meses, sus actuaciones se llevaron a cabo en la Expo 2000 en Hannover, Alemania. En Thiruvananthapuram, ella se reunió con Abdul Salam, un fakir Kalandar musulmana, que se convirtió en su gurú. Con él encontró su vocación musical y que le enseñó sobre el significado de lo espiritual en la música tradicional.

Baul, Parvathy (2005). Song of the Great Soul: An Introduction to the Baul Path. Ekatara Baul Sangeetha Kalari.

INFORMACIÓN Y MATRÍCULA en:

http://extensionuniversitaria.unileon.es/euniversitaria/curso.aspx?id=1345

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del Teatro.

ZULU LOVE LETTER (LETTRE D'AMOUR ZOULOU)

Título original: Zulu Love Letter (Lettre d'amour zoulou)
Año: 2004
Duración: 105 min.
País:  Sudáfrica
Dirección: Ramadan Suleman
Guion: Bhekizizwe Peterson, Ramadan Suleman
Música: Zim Ngqawana
Fotografía: Manuel Teran
Reparto: Pamela Nomvete, Mpumi Malatsi, Sophie Mgcina, Kurt Egelhof, Connie Mfuku
Productora: Coproducción Sudáfrica-Francia-Alemania; Hollybell / FMB2 Films / ZDF/Arte / JBA Production / Natives at Large
Género: Drama
Sinopsis: Thandeka siente aún el dolor y la ira causados por el horror del apartheid. A pesar del nuevo optimismo de Johanesburgo, esta mujer de treinta años, madre soltera y periodista, no puede ahuyentar a sus propios demonios. Su trabajo se resiente y está perdiendo la relación con su familia. Thandeka tiene que volver a enfrentarse a su pasado al ser contactada por Me'Tau, la madre anciana de una activista estudiante, Dineo, que fue asesinada por matones del apartheid. Ahora Me'Tau le implora que testifique delante de la nueva Comisión por la Reconciliación y la Verdad (TRC), para poder recuperar los restos de su hija y enterrarla según el rito.

SALAS DE EXPOSICIONES ATENEO  CULTURAL EL ALBÉITAR ULE
POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS (de ORIENTE a OCCIDENTE)
Pintura, fotografía y obra gráfica.

SHOJI HARIKAE

SOUSAI INADA
MAIKO MAEDA
VICENTE MOLINA
NORBERTO NOSTI
22 febrero – 22 marzo 2018

POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS (de ORIENTE a OCCIDENTE)
Pintura, fotografía y obra gráfica.

Consulta la INFORMACIÓN DE CADA UNO DE LOS ARTISTAS  en los siguientes archivos adjuntos:

• 5a8d34ec197cd707407283.pdf
• 5a8d34ec1a522594866303.pdf
• 5a8d34ec1b293642869966.pdf
• 5a8d34ec1bb91571238577.pdf
• 5a8d356a844e6427127589.pdf

El Grupo 0´19, formado por tres artistas leoneses, Luis Carlón López, Iñaki Zabala Herrero y Carlos G. Aláiz, que ya cuentan, de manera individual o agrupados, con un bagaje expositivo, Presentan la exposición  “¿Dónde está León en tu obra?”, en la que muestran obras de diferentes influencias artísticas, figurativas y abstractas, que abarcan el minimalismo, el expresionismo, el arte conceptual, la ilustración infantil y el surrealismo, con técnicas como el grabado, el óleo y la mezcla de acrílico con cemento. Gran número de dichas obras son inéditas. Estos artistas pretenden trasladar al espectador el interrogante que plantean en el título, pues a veces el lugar donde se ha nacido o se vive aparece en las obras de un autor sin que este sea realmente consciente de ello.

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del Teatro.

L'OEIL DU CYCLONE
Título original: L'oeil du cyclone
Año: 2015
Duración: 97 min.
País:  Burkina Faso
Dirección: Sékou Traoré
Guion: Christophe Lemoine, Luis Marquès
Música: Thierry Malet
Fotografía: Pascal Baillargeau
Reparto: Fragass Assandé, Maimouna Ndiaye, Abidine Dioari, Issaka Sawouadogo, Jacob Sou, Serge Henry, Fatou Traoré
Productora: Coproducción Burkina Faso-Francia-Camerún; Les Films d'Avalon / Abissia Productions / VYNAVY Productions
Género: Drama | África. Infancia. Drama psicológico

Sinopsis: Niños. Soldados. Algunas palabras no pegan. En un país africano devastado por la guerra civil, un joven e idealista abogado debe defender a una rebelde acusada de crímenes de guerra. A través de los desencuentros entre el abogado y la niña soldado, se confrontan las dos caras del África actual.

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

Encuentro con el público: después de la función se realizará un debate sobre el trabajo teatral representado,  con los espectadores que quieran participar en el mismo

Compañía artística… Colectivo VISCEPATIK

Nacimiento…………. 2012, Brujas. Bélgica

Proyecto…………….. BITS & BEATS



. “Bits & Beats” es la última pieza artística interactiva del grupo VISCEPATIK, galardonada con los premios nacionales de creación INJUVE. Un trabajo multidisciplinar basado en la combinación de las nuevas tecnologías digitales con el teatro tradicional, creando una pieza escénica repleta de recursos audiovisuales que van cambiando y evolucionando durante toda la obra.

Sobre la escena, la pieza recrea un taller de construcción de autómatas, uno muy especial, lleno de variopintos sensores digitales que foman parte del efectivo pero invisible equipo de trabajo.
Los protagonistas interactúan en directo con estas singulares máquinas a través de sus movimientos, creando a su vez la escena, sumergiendo a actores y espectadores en un espacio onírico que sobrepasa la imaginación. Audiovisuales, proyecciones, realidad virtual, elementos reactivos, … todos los contenidos digitales se crean en directo, complementando la escena real. Cada gesto humano de la obra tiene un eco único sobre la escénica audiovisual, creando con cada representación teatral una irrepetible pieza artística.

Los tres artistas residentes en Barcelona profundizan con este trabajo sus exploraciones en el campo de las nuevas tecnologías, iniciada en Bélgica, y que les han llevado por España, Francia o República Checa en diferentes eventos artísticos y colectivos creativos.

Contacto……    www.viscepatik.es /viscepatik@gmail.com

        @VISCEPATIK @ Facebook/Vimeo/Blogspot/SoundCloud
        @NOTMEVJ @ Facebook/Vimeo/Instagram/

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Zama
Año: 2017
Duración: 115 min.
País:  Argentina
Dirección: Lucrecia Martel
Guion: Lucrecia Martel (Novela: Antonio Di Benedetto)
Fotografía: Rui Poças
Reparto: Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas, Rafael Spregelburd, Daniel Veronese, Vando Villamil
Productora: Coproducción Argentina-España-Francia-México-Brasil-Estados Unidos-Países Bajos (Holanda); Rei Cine / El Deseo S.A / Canana Films / KNM / Bananeira Filmes / Louverture Films / Netherland Filmfund / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)
Género: Drama | Siglo XVIII

Sinopsis: Narra la historia de Don Diego de Zama, un oficial español del siglo XVII asentado en Asunción que espera su transferencia a Buenos Aires. Es un hombre que espera ser reconocido por sus méritos. Pero en los años de espera pierde todo. Decide atrapar un peligroso bandido y recuperar su nombre... Basada en la novela existencial de Antonio Di Benedetto escrita en 1956. (FILMAFFINITY)

Premios
2017: Premios Goya: Nominada a mejor película hispanoamericana
2017: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado (Mención especial)
2017: Premios Sur: 11 nominaciones incluyendo mejor película y director
2017: Festival de La Habana: Mejor dirección, dirección artística, sonido y FIPRESC

Concierto Juventudes Musicales

P R O G R A M A


N. Myaskovsky. Cello Sonata No. 2, Op. 81

E. Granados/ G. Cassadó. Intermezzo from Goyescas.

J. Brahms. Scherzo en Do menor (adaptación para Cello y piano)

S. Prokofiev. Adagio from the Ballet Cirendella, Op. 97bis

P. I. Tchaikovsky. Pezzo Capriccioso, Op. 62

G. Cassado. Requiebros




Montserrat Egea - Violoncello
Amaia Zipitria - Piano

Montserrat Egea nace en Toledo en 1997. Comienza sus estudios musicales a la edad de cinco años continuando su formación con los profesores María Casado, Asier Polo y más tarde Michal Dmochowski. Ha sido alumna del Centro Superior del País Vasco, Musikene (2015-2017). Desde el curso académico 2017-2018 es alumna de la Escuela de Música Reina Sofía en la cátedra de Iván Monighetti. Durante su trayectoria formativa ha recibido consejos de los maestros María de Macedo, Stephan Forck, Emil Rovner, Enrico Dindo, Peter Bruns, Philippe Müller, Jens Peter Maintz, Wolfgang Emmanuel Schmidt, Ensemble Modern, entre otros.
En 2016, fue galardonada con el Primer Premio en la modalidad de cuerda del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y el premio EMCY.
Como solista, ha actuado con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Musikene y con la Orquesta Sinfónica de RTVE.
En el ámbito de la música de cámara es miembro del Trío Amets con el que próximamente actuará en la Quincena Musical de San Sebastián y en la Fundación Juan March de Madrid. Es miembro de West-Eastern Divan Orchestra desde 2016. También ha colaborado con la Orquesta Schleswig-Holstein.
Ha obtenido premios en numerosos concursos tanto en el ámbito nacional como internacional. Entre ellos destacan Primer Premio en el Concurso Jóvenes Promesas de Violoncello 'Jaime Dobato Benavente' (2012 y 2014), Tercer Premio en el Concurso Internacional Dotzauer Dresden (2009 y 2013). En 2012, Tercer Premio y Premio al Mejor Intérprete de Cuerda en el Concurso Nacional “Intercentros Melómano”.

Amaia Zipitria Zugasti. Nace en Andoain (Gipuzkoa) . Cursa sus estudios en Andoain con Luis Fraca y Myriam Ulanga, en San Sebastián con Gonzalo Trevijano, en Baiona con Mme. Doué y en el Conservatorio Superior de Rotterdam con Barbara Grajewska. Título superior de piano y música de cámara con las más altas calificaciones.
Como integrante de la J.O.N.D.E (Joven Orquesta Nacional de España) desde 1993 a 1998 y colaboradora de orquestas como R.T.V.E, O.N.E, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, etc. ha sido dirigida por grandes maestros.
Pianista acompañante en la cátedra de violín de Zakhar Bron en la escuela Reina Sofía de Madrid, Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares y otros tantos cursos magistrales. Actualmente es profesora de Repertorio en el Conservatorio Superior del País Vasco Musikene y pianista del Orfeón Donostiarra.
Su labor concertística le lleva a auditorios como el Nacional de Madrid  y Barcelona, Zaragoza, Sevilla, Málaga, Oviedo, Euskalduna de Bilbao, Kursaal, etc.,  y fuera de España en Croacia, Italia, Francia e Inglaterra.
Entre sus grabaciones destaca la Sonata nº2 de Jesús Villa-Rojo junto con el violoncellista Asier Polo (NAXOS) y la versión de grupo de cámara de Babar, Poulenc  con componentes de la Orquesta de Cadaqués (TRITO).

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

FERNANDO BARROSO (Galicia)

Fernando Barroso es un músico, compositor y productor gallego, nacido en Ferrol en 1979. Doctorado en Química-Física por la Universidad de Vigo en 2010, desde 2011 se dedica exclusívamente a la producción musical y a la participación en diferentes proyectos musicales en Galicia. Ha formado parte de TRIM y de las bandas Riobó y Budiño, y ha colaborado con artistas de la talla de Anxo Lorenzo, Xabier Díaz o Julio Pereira. También formó parte de la mítica banda paratradicional ferrolana Os Cempés durante su última etapa, también co-fundador del trío internacional Assembly Point con Eoghan Neff y Luís Peixoto. Con este último ha co-producido otros trabajos como POP (2013) o TRIM (2014), además de producir discos para otros artistas (Andrés Penabad, RIU, Wanderer...). En 2016 también formó parte del laboratorio creativo NEXO, dirigido por Donald Shaw, junto con músicos de distintos países de América y Europa. Su bagaje internacional a lo largo de estos años le ha llevado a tocar en importantes palcos de todo el mundo, con diversas bandas y proyectos personales, y que desemboca en el inicio de su carrera en solitario, presentando su primer disco Intropía en 2016 y este nuevo trabajo Silence lovers club – Mandolin pieces, con
lanzamiento en enero de 2018. Entre otros galardones ha recibido recientemente el “Premio Opinión ao Mellor Artista Galego 2016”.

Entradas 8 €: a partir de media hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

UNO DOS, ESTRELLA   cabaré poético   de Menuda Compañía:
Marcos García Barrero, textos;
Chefa Alonso, música.
Duración del espectáculo: 70´ aprox.

Sinopsis
Uno dos, Estrella es un diálogo entre un músico (Chefa Alonso), un actor (Marcos García Barrero) y el público. Chefa Alonso improvisa, lanza, redobla y responde a las palabras que Marcos García Barrero profiere, escupe, canta y evoca para el público, una realidad fantasmal o su propia memoria.
En Uno dos, Estrella hay cuarenta universos organizados en cinco movimientos. Cada uno de ellos tiene una atmósfera musical e interpretativa; cada uno de ellos contiene un conjunto de seres o presencias que acompañan a los intérpretes durante los setenta minutos que dura la función.
El espectáculo es un muestrario de fragmentos que poco a poco van cobrando sentido. Alonso y García Barrero edifican con ellos un paisaje urbano en el que vive una mujer llamada Yo, hay zombis que bailan con chicas guapas, un barco no sabe si querer a un padre o a su hija, los monstruos se desorientan, las discotecas recuerdan ciertos pasos de baile y un príncipe danés procura librarse de su padre. De la música sale el aroma del jazz, la música popular y los chirridos de un frenazo en seco.

MENUDA COMPAÑÍA está formado por:
Marcos García Barrero, actor y escritor y Chefa Alonso, compositora, músico e improvisadora.
Menuda Compañía nace con el propósito de aunar música y teatro mediante creaciones originales abordadas desde una mirada conpemporánea e interdisciplinar.
Los referentes musicales, además de la improvisación libre y el free jazz, son la música de raíz popular y la música de baile.
Los textos tienen como punto de partida el monólogo dramático, el stand-up comedy, la narración y la sátira.

FICHA ARTÍSTICA
MARCOS GARCÍA BARRERO (https://marcosgarciabarrero.wordpress.com)
Marcos García Barrero trabaja como actor profesional de forma ininterrumpida desde el año 2000. Como actor ha colaborado con los directores Juan Diego Botto (Hamlet, Teatro María Guerrero), Ana Kuntzelman (compañía Snomians), Darío Facal, Ana Contreras (King Lear) y Juanfra Rodríguez, entre otros; y, también, con el Premio Nacional de Danza Chevi Muraday (Morfología de la soledad), la cantante-performer Fátima Miranda (Per-versiones), el video-artista Miguel Espada (www.espadaysantacruzestudio.com) y el poeta Gonzalo Escarpa.
Como escritor se dedica a la creación de textos de ficción y a la escritura de investigación (teoría literaria y escena contemporánea) en la UNIR, el Instituto del Teatro de Madrid, la Universidad Complutense y la revista internacional The Theatre Times. Es Doctor en Literatura Comparada por la UAM y licenciado en interpretación textual por la RESAD. Tras terminar su formación teatral se especializa en la palabra hablada y cantada gracias a su trabajo con Concha Doñaque, Vicente León, Esperanza Abad, Vicente Fuentes, Ani Sun, Gyllyanne Kayes (Londres. http://vocalprocess.co.uk/), Tage Larsen (Teatro Odín) y Greg Hicks (Royal Shakespeare Company).
En el año 2001 funda –junto a Darío Facal– la compañía Metatarso Producciones, donde trabaja hasta el año 2009. Tras este periodo se inicia su etapa inglesa en Londres donde trabaja como actor e imparte clases de interpretación, improvisación y devised theatre (escritura colaborativa) en la RADA de Londres junto a la compañía anglo-francesa Echange Theatre.
A su regreso a Madrid estrena –como actor, dramaturgo y director– la obra teatral Que al fin respire (2011), una fabulación libre sobre el mito de Orfeo en el siglo XXI. El montaje se estrena en el Festival La Alternativa de la antigua Sala Triángulo. Ha participado en el festival Surge Madrid (la edición de 2015 en Espacio Labruc y la de 2014 en El sol de York –el actual teatro de la UNIR– con Javier Ortiz). Del año 2002 al 2006 es un habitual del Ciclo Autor de Escena Contemporánea donde estrena a Heiner Müller, Botho-Strauss, Jean-Luc Lagarce y Caryl Churchill, entre otros. Actúa en la Wolksbühne de Berlin (Madrid Laberinto XXI, 2008), en el Studiobühne del Festival de Colonia (2004), en el festival CIFET de El Cairo (2005) y en el Henley Festival de Londres (Men on the verge of an hispanic breakdown, 2010).

CHEFA ALONSO
Es doctora en Performing Arts por la Universidad de Brunel (Londres, 2007). Ha publicado los libros: Enseñanza y aprendizaje de la improvisación libre. Propuestas y reflexiones (Madrid, 2014, Editorial Alpuerto) e Improvisación libre. La composición en movimiento (2008. Editorial Dos Acordes).
Saxofonista y percusionista de free jazz e improvisación libre, compone música para espectáculos teatrales, de danza, poesía, circo y espectáculos audiovisuales. Además, como docente, imparte talleres interdisciplinares de improvisación a músicos, actores, bailarines, poetas y otros artistas de la escena. Dirige, también, orquestas de improvisadores como OMEGA (Orquesta de Música Espontánea de Galicia), Foco (Orquesta de improvisadores de Musicalibre) y Entenguerengue (Orquesta de improvisadores de Andalucía). Es cofundadora de Musicalibre y ha organizado durante varios años el Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel, en Madrid.
Realiza la dirección musical de CIRCO INTERIOR BRUTO, un espectáculo de circo contemporáneo español, estrenado en Amiens, Francia, en abril del 2015 y de AL FILO 2011 y AL FILO 2012, maratón de circo contemporáneo, producido por Escena Contemporánea y el Circo Price.
Crea y dirige la Orquesta Carníval, proyecto que mezcla la improvisación libre (con y sin conducción) y la composición previa, para integrar, con un espíritu libre, la música de circo, el free jazz, la poesía, la música electrónica y experimental y la danza.
https://vimeo.com/171215309 (2015. Festival Internacional Hurta Cordel. 3´:30´´).
Ha tocado en diferentes festivales europeos (Alemania, Inglaterra, Francia, Suiza, Bélgica, Rumania, España), en EEUU (Nueva York, Chicago) – y Canadá (Toronto); y ha dado cursos y talleres de improvisación en distintos países de Latinoamérica como Brasil (2026, 2014, 2012, 2011, 2010), Argentina (2010), Uruguay (2010), México (2015, 2013) y también en Indonesia (2000).
Sus últimos proyectos interdisciplinares son Bailar el agua –un proyecto para público con discapacidad intelectual, con Raquel Sánchez y Ana Erdozain (https://vimeo.com/194295447) 2016, Festival de Artes Escénicas e inclusión social–, Matar a Platón en concierto, con Chantal Maillard en la interpretación y Jorge Frías al contrabajo, la formación Tangram, un trío con Adrián Abril (visuales) y Jorge Frías (Si fuera un sueño, espectáculo audiovisual) y Menuda Compañía, con el actor y escritor Marcos García Barrero (Uno dos, Estrella).
Se puede consultar más información sobre sus proyectos, talleres, grupos, orquestas y publicaciones, en: http://chefaalonso.wordpress.com

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Nebesnyy verblyud (Celestial Camel)
Año: 2015
Duración: 90 min.
País:  Rusia
Dirección: Yuriy Feting
Guion: Yuriy Feting, Elzyata Mandzhieva
Música: Maksim Koshevarov
Fotografía: Anton Zhabin
Reparto: Mikhail Gasanov, Viktor Sukhorukov, Petr Novikov, Irina Hurgunova, Danzan Badrashkiev, Batr Mandzhiev, Vitaly Makhov, Vitaly Nadbitov, Baira Mandzhieva
Productora: Production Center "Vse horosho"
Género: Aventuras

Sinopsis
En las estepas de Volga Bajo, en Rusia, los Kamulkos creen que el nacimiento de un camello albino es signo de buena suerte. Altynka es una cría de camello albino que es vendida por el patriarca de una familia para poder afrontar económicamente el nacimiento de su nuevo hijo. Tras la venta de Altynka, su madre, Mara, se escapa para encontrar a su cría. Su desaparición es un desastre para la familia, por lo que el hijo mayor, Bayir, con solo doce años emprende un viaje por la estepa, subido en una vieja moto, para encontrar a Mara, que es la base del sustento familiar.

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la entrada.

TRÍO ARNICHES
Paula Romero Rodrigo, viola
Jorge Ripoll Ivorra, clarinete
Carlos Sanchis Aguirre, piano

Participantes en los últimos ciclos dedicados a las jóvenes promesas de la música de cámara el Trío Arniches debuta en el Auditorio Nacional y el Palau de la Música, estrenando en este último una obra del compositor A.G. Planells, encargada expresamente para la ocasión.

Reciben su formación como trío de mano de grandes músicos del panorama camerístico como el Cuarteto Quiroga, Kennedy Moretti y Luis del Valle entre otros, recibiendo grandes críticas y valoraciones.
Su repertorio abarca una amplia variedad de estilos y épocas, desde el Clasicismo del siglo XVIII hasta las últimas vanguardias del siglo XX, interesándose además por la música de creación actual. Desde su formación actúan en diversas salas de conciertos tales como la sala Luis Galve del Auditorio de Zaragoza, la sala Luzán de la CAI o la Fundación Juan March de Madrid.

Sus miembros desarrollan una importante actividad orquestal y camerística en formaciones como la Gustav Mahler Jugend Orchester, The World Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Berner Symphonie Orchester o la Schleswig-Holstein Musik festival, y actualmente compaginan sus estudios en el extranjero realizando conciertos en diferentes puntos de la geografía europea.


Programa

Trio en Mi bemol Mayor "Kegelstatt" , W.A.Mozart

- 8 piezas para Clarinete, Viola y Piano (seleccón piezas II y VI) op. 83, M. Bruch

- Deep Web, Adrián García Planells

-Trio para Clarinete, Viola, Piano (1990), J. Françaix

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

EL DOCUMENTAL DEL MES

GRACIAS POR LA LLUVIA

Ficha técnica
Año: 2017
Duración: 87 min.
Noruega, Reino Unido

V.O. en inglés y Suajili, subtitulada en castellano

Directora: Julia Dahr
Producción: Hugh Hartford
Producción ejecutiva: Sabine Bubeck-Paaz
Fotografía: Julie Lunde Lillesaeter
Guión: Julia Dahr, Hugh Hartford
Edición: Adam Thomas
Música: Chris White
Sonido: Julia Dahr


Sinopsis
Durante los últimos cuatro años, Kisilu Musya, un granjero keniano, ha utilizado su cámara para capturar la vida de su familia, su pueblo y los efectos devastadores del cambio climático sobre su tierra. Ha filmado inundaciones, sequías y tormentas, pero también ha sido testigo de los costes humanos de estos fenómenos: la migración de los hombres a la ciudad en busca de nuevos empleos o cómo sus hijos han sido devueltos a casa porque él no podía pagara la escuela a final de mes.
Después de una tormenta que destruye su casa, Kisilu empieza a construir un movimiento comunitario de agricultores que luchan contra los impactos del clima extremo y decide viajar a París con motivo de la XXI Conferencia sobre el Cambio Climático, para intentar tener voz en las conversaciones sobre el clima y dar un giro de 180 grados a las políticas medioambientales.
Allí, en medio de la impenetrable lógica de las grandes negociaciones políticas, en el marco del show ambiental más grande del planeta, la relación entre la directora del filme, la noruega Julia Dahr, y Kisilu cobra una nueva dimensión y une los mundos opuestos que los dos personajes representan– norte y sur- en una misma lucha por la justicia climática.
La directora
Julia Dahr es directora y productora noruega, apasionada por las historias que pueden llevar a la acción sobre temas sociales y medioambientales de una nueva forma, cuestionar estereotipos y crear un impacto. En 2015 ganó el premio One World Media, fue nominada al premio Grierson y fue catalogada por la revista Forbes como una de las treinta mejores menores de 30 años que "conduce y define el rumbo de los medios a nivel mundial".  Thank You For The Rain es su primer largometraje.

Premios y Festivales
•    Premio Pangolin Power, EcoFilmFest SGEFF - Singapur, 2017
•    Premio Osiris FAO, Agrofilm International Film Fest - Eslovaquia, 2017
•    Premio del jurado, Another Way Film Festival - España, 2017
•    Premio Fethi Kayaalp, BIFED - Turquía, 2017
•    Premio Best Feature Documentary, FICMEC - España, 2017
•    Selección en Hot Docs - Canadá, 2017
•    Selección en CPH:DOX - Dinamarca, 2017
•    Selección en Sheffield Doc/Fest -  Reino Unido, 2017

ESPACIOS ULE
7 – 27 Marzo

REFUGIADOS BIENVENIDOS (documental)
Centro de Idiomas ULE

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Escuela Superior y Técnica de Ingeniería Agraria

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Casa del Estudiante “Edificio Albéitar”

ADRIAN DE LA TORRE (fotografías)
Facultad de Filosofía y Letras

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la taquilla del Teatro

CONCIERTOS A.I.E. CLÁSICOS

KebyartEnsemble

Pere Méndez- Saxo soprano
Víctor Serra- Saxo alto
Robert Seara- Saxo tenor
Daniel Miguel- Saxo barítono

“Un cuarteto no solo sincronizado hasta el extremo y en plenísima forma interpretativa, sino también unos músicos capaces de traspasar la perfección técnica para llegar a la comunicación musical” - Revista Musical Catalana. Palau de la Música, 3 de noviembre de2016.

Creado en ESMuC el año 2014 por estos cuatro jóvenes, fueron inicialmente guiados por Nacho Gascón. También han seguido consejos de músicosreconocidos como Kennedy Moretti, el Cuarteto Casals, Vincent David, Jordi Francés, David Albet, Albert Julià y el EnsembleSquillante.

Inspirados por la riqueza tímbrica, rítmica y estilística de la música tradicional de Indonesia deciden unir las palabras kebyar+art, siendo el Gamelan Gong Kebyar uno de los conjuntos instrumentales de la isla de Bali. Como otras músicas orientales, han influido enormemente en la estética de obras de autores de lossiglos XX yXXI.

Son los actuales ganadores del ciclo “El Primer Palau” que ofrece a los jóvenes intérpretes la oportunidad de debutar en la Sala de Conciertos del Palau de la Música Catalana. En 2016 también han sido premiados con el prestigioso Premi de Música Cambra Montserrat Alavedra - Premio BBVA de música. El año 2015 obtuvieron el segundo premio de la 84ª edición del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y anteriormente han recibido el primer premio en el X Concurso Internacional de Música de Cámara HiginiAnglès.

Durante el periodo 2016 - 2018 realizan una gira de conciertos por España gracias a Juventudes Musicales de España y ya han pasado por Andalucía. Este año también han realizado una gira por Rusia, próximamente actuarán en múltiples salas de Cataluña y grabarán su primer trabajo discográfico. Están programados en la próxima temporada del Palau de la Música Catalana y del Auditori de Barcelona, y seguirán dando conciertos en el extranjero.



TETRAFONÍA

Kebyart Ensemble
P r o g r a m a:

Introducción: polifonía de la Escuela de Notre-Dame (s. XII i XIII)
Vue sur les jardins interdits(1973) – Henri Pousseur (1929-2009)
Cuarteto para saxofones op. 109 (1932) – Aleksandr Glazunov (1865-1936)
Canzona variée
-Thema- Andante
-1ère variation- même mouvement
-4ème variation- à la Chopin, Allegretto
-5ème variation- Scherzo-Presto
      Finale
Estris de llum (2017) - Joan Magrané (1988)
París 1918 – Claude Debussy (1862-1918)/Kebyart Ensemble
-Prélude de la  Suite Bergamasque (1890)
-Menuet de la Petite Suite (1886-1889)
-Little Shepherd de la Suite Children’s corner (1906-1908)
-Golliwog's Cake-Walk de la Suite Children’s corner (1906-1908)

Descripción:
Entre los siglos XII y XIII, la catedral de Notre-Dame de París se convirtió en el foco de una escuela de música que, con sus innovaciones, marcó la historia musical europea posterior. El principal cambio fué que empezaron a escribir más de una voz a la vez, dando paso al nacimiento de la polifonía, es decir, la interacción simultánea entre dos o más líneas melódicas diferentes. Este hecho, aparentemente simple, guió la evolución musical occidental hasta nuestros días. Obras como Estris de llum del reusense Joan Magrané y Vue sur les jardins interdits de Henri Pousseur son deudores de este pensamiento polifónico en mayúscula. El Cuarteto para saxofones del ruso Aleksandr Glazunov es una de las obras icónicas del repertorio original para cuarteto de saxofones que, inspirada en la escritura de cuarteto de cuerda, nos ofrece una música bellísima con reminiscencias de la polifonía tradicional rusa. Para cerrar el programa, vamos a oír una suite elaborada en motivo del centenario de la muerte del célebre compositor Claude Debussy. Esta es una recopilación de algunos de los movimientos de tres de las suites más importantes que el compositor escribió para piano. El propio Kebyart ha hecho la transcripción a las cuatro voces.
En definitiva, cuatro saxofones interactuando y dialogando a la vez. Disfrutemos la tetra-fonía.

CONCIERTO JUVENTUDES MUSICALES

KebyartEnsemble

Pere Méndez- Saxo soprano
Víctor Serra- Saxo alto
Robert Seara- Saxo tenor
Daniel Miguel- Saxo barítono

“Un cuarteto no solo sincronizado hasta el extremo y en plenísima forma interpretativa, sino también unos músicos capaces de traspasar la perfección técnica para llegar a la comunicación musical” - Revista Musical Catalana. Palau de la Música, 3 de noviembre de2016.

Creado en ESMuC el año 2014 por estos cuatro jóvenes, fueron inicialmente guiados por Nacho Gascón. También han seguido consejos de músicosreconocidos como Kennedy Moretti, el Cuarteto Casals, Vincent David, Jordi Francés, David Albet, Albert Julià y el EnsembleSquillante.

Inspirados por la riqueza tímbrica, rítmica y estilística de la música tradicional de Indonesia deciden unir las palabras kebyar+art, siendo el Gamelan Gong Kebyar uno de los conjuntos instrumentales de la isla de Bali. Como otras músicas orientales, han influido enormemente en la estética de obras de autores de lossiglos XX yXXI.

Son los actuales ganadores del ciclo “El Primer Palau” que ofrece a los jóvenes intérpretes la oportunidad de debutar en la Sala de Conciertos del Palau de la Música Catalana. En 2016 también han sido premiados con el prestigioso Premi de Música Cambra Montserrat Alavedra - Premio BBVA de música. El año 2015 obtuvieron el segundo premio de la 84ª edición del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y anteriormente han recibido el primer premio en el X Concurso Internacional de Música de Cámara HiginiAnglès.

Durante el periodo 2016 - 2018 realizan una gira de conciertos por España gracias a Juventudes Musicales de España y ya han pasado por Andalucía. Este año también han realizado una gira por Rusia, próximamente actuarán en múltiples salas de Cataluña y grabarán su primer trabajo discográfico. Están programados en la próxima temporada del Palau de la Música Catalana y del Auditori de Barcelona, y seguirán dando conciertos en el extranjero.



TETRAFONÍA

Kebyart Ensemble
P r o g r a m a

Introducción: polifonía de la Escuela de Notre-Dame (s. XII i XIII)
Vue sur les jardins interdits(1973) – Henri Pousseur (1929-2009)
Cuarteto para saxofones op. 109 (1932) – Aleksandr Glazunov (1865-1936)
Canzona variée
-Thema- Andante
-1ère variation- même mouvement
-4ème variation- à la Chopin, Allegretto
-5ème variation- Scherzo-Presto
      Finale
Estris de llum (2017) - Joan Magrané (1988)
París 1918 – Claude Debussy (1862-1918)/Kebyart Ensemble
-Prélude de la  Suite Bergamasque (1890)
-Menuet de la Petite Suite (1886-1889)
-Little Shepherd de la Suite Children’s corner (1906-1908)
-Golliwog's Cake-Walk de la Suite Children’s corner (1906-1908)

Descripción:
Entre los siglos XII y XIII, la catedral de Notre-Dame de París se convirtió en el foco de una escuela de música que, con sus innovaciones, marcó la historia musical europea posterior. El principal cambio fué que empezaron a escribir más de una voz a la vez, dando paso al nacimiento de la polifonía, es decir, la interacción simultánea entre dos o más líneas melódicas diferentes. Este hecho, aparentemente simple, guió la evolución musical occidental hasta nuestros días. Obras como Estris de llum del reusense Joan Magrané y Vue sur les jardins interdits de Henri Pousseur son deudores de este pensamiento polifónico en mayúscula. El Cuarteto para saxofones del ruso Aleksandr Glazunov es una de las obras icónicas del repertorio original para cuarteto de saxofones que, inspirada en la escritura de cuarteto de cuerda, nos ofrece una música bellísima con reminiscencias de la polifonía tradicional rusa. Para cerrar el programa, vamos a oír una suite elaborada en motivo del centenario de la muerte del célebre compositor Claude Debussy. Esta es una recopilación de algunos de los movimientos de tres de las suites más importantes que el compositor escribió para piano. El propio Kebyart ha hecho la transcripción a las cuatro voces.
En definitiva, cuatro saxofones interactuando y dialogando a la vez. Disfrutemos la tetra-fonía.

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Eric Blakely ha editado varios trabajos en USA a lo largo de su extensa carrera : " Still life at full speed" , " Payne antologhy " , "Levity" , "Groving into my fathers clothes " o "Uncle Johnes farm" entre otros . En ellos deja ver sus inflencias de lo mejor de la musica americana : pinceladas de country , blues o simplemente buenas canciones con toques pop y rock
Excelente guitarrista , cantante y muy acertado compositor ha desarrollado su vida y su carrera entre Berkely ( California ) , Austin ( Texas ) y actualmente reside en Paris
En el 2009 participo en la gira Kings of Power POp junto a Paul Collins ( The Nerves , The Beat ) y John Wicks ( The Records )
En el 2016 edito con su banda The Bottle Kids el LP " Such a Thrill " y ahora esta a punto de salir , también con esta formación , su nuevo trabajo bajo el titulo "Let me into this action " . Con esta formación deja ver más sus influencias más power pop / new wave , se pueden ver ecos de Big Star, Rapsberries o los mismisimos The Knack.

Entradas 8 €: a partir de una hora antes de la función en la taquilla

VENTA ANTICIPADA: Desde el martes 6 de marzo en KANYA ENMARCACIÓN, BAR EL SIETE Y TABERNA BAR "EL CUERVO"

50% de descuento (*exclusivamente en taquilla): miembros de la comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

LATELE TEATRO
Laboratorio Teatral Leonés
 presenta:
“Raices” de Lorca
Versión y Dirección: LATELE TEATRO


“Raíces, de Lorca”
¿Por qué este espectáculo?

“Raíces” es un homenaje a todas las mujeres que fuimos, somos y seremos… Mujeres que a través de la historia nos han marcado, nos han educado y nos ha fortalecido.
Mujeres que han sobrevivido más allá del tiempo y a las que queremos dotar nuevamente de voz, de una voz clara y profunda, para hacernos comprender a través de nuestras más arraigadas tradiciones las flaquezas y fortalezas a las que nos enfrentamos todavía.
Federico García Lorca pone letra a todo este montaje, donde narrado, recitado o musicalizado nos acerca a esos personajes femeninos que marcaron la historia de España con su lucha y su fuerza. La música en directo y la apasionada interpretación de ambas artistas dotan a este espectáculo de un sentimiento y un clima capaz de transportar al espectador a sus más profundos recuerdos y sueños.
“Raíces” es un grito desesperado, y también es un grito de esperanza.
Inés Diago y Diana Trigueros


SINOPSIS:
“Raíces” es una obra compuesta de textos y poemas de Federico García Lorca. Se trata de un cuadro vivo de mujeres lorquianas cuyos monólogos se conectan con diferentes poemas de Lorca.
Estas seis mujeres sienten y sufren por su sangre y por su tierra, sus raíces, dentro de una estructura social que las encadena.
La Madre, Yerma, Mariana, Rosita, Adela y Bernarda nutren sus esperanzas por su familia y su tradición, pero son también estas raíces las que las detienen en espacios trágicos donde sus deseos de vida, prosperidad y libertad se ven truncados.
En la narrativa de los monólogos, las seis mujeres enraízan unas en otras a través de su sufrimiento y su amor. Los poemas de Lorca se integran como bisagras que rescatan lugares de memoria y esperanza en esas soledades. De este modo, todos los textos nos brindan un dibujo de la mujer ligada a las tradiciones cuyas raíces son su sustento y su cadena.

Reparto:
Inés Diago
Diana Trigueros

“LATELE TEATRO”
LATELE TEATRO es una compañía de reciente creación, cuyo director y actores han formado parte de varias compañías teatrales con una larga trayectoria en las artes escénicas.
Tras un gran éxito con el montaje “El Ricachón en la Corte” de Moliére y “Debo haberlo matado yo”, comedia basada en “La Decente” de Miguel Mihura, en 2012, tres de los actores integrantes de Sana Locura Teatro convienen la creación de una nueva compañía. Junto con el director Jesús Prieto y el productor Eduardo Vicente se esboza por primera vez lo que más adelante será el LABORATORIO TEATRAL LEONÉS (LATELE TEATRO), una compañía cuyo fin principal es entretener, investigando distintas técnicas y géneros interpretativos para poder ofrecer un montaje vivo, alegre y que a su vez nos acerque a una complicidad entre el actor y el espectador.
Con estos conceptos e ideales claros, entra en escena el director y guionista leonés Samuel Gutiérrez, quien nos ofrece una comedia contemporánea e inédita que encaja perfectamente con nuestro proyecto. Esto da el último empujón para que en febrero de 2013 nazca LATELE TEATRO, y su primer montaje “GENOMAS Y GUISANTES”.
Durante el año 2014, Samuel Gutiérrez vuelve a colaborar con la compañía creando un texto de microteatro que es representado en varias salas, y que acerca este nuevo formato a los habitantes de León.
En este mismo año, motivados por los textos clásicos y las antiguas compañías de teatro itinerante, nace el proyecto “Entremés y mes, un paso” de manos de Jesús Prieto, que aúna entremeses de grandes autores del Siglo de Oro con piezas contemporáneas de cabaret, enlazados por una historia común entre nuestros tres protagonistas.
En 2017 trabajan en el montaje “Raíces, de Lorca”, pendiente de estreno, e interpretado por la actriz Inés Diago y la guitarrista Diana Trigueros.

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: La enfermedad del domingo
Año: 2017
Duración: 113 min.
País:  España
Dirección: Ramón Salazar
Guion: Ramón Salazar
Música: Nico Casal
Fotografía: Ricardo de Gracia
Reparto: Bárbara Lennie, Susi Sánchez, Miguel Ángel Solá, Greta Fernández, Richard Bohringer, David Kammenos, Fred Adenis
Productora: Zeta Cinema / ON Cinema
Género: Drama | Familia

Sinopsis
Anabel (Susi Sánchez) abandonó a su hija Chiara (Bárbara Lennie) cuando esta apenas tenía ocho años. Treinta y cinco años después Chiara regresa con una extraña petición para su madre; le pide que pasen diez días juntas. Anabel ve en ese viaje la oportunidad para recuperar a su hija, pero no sabe que Chiara tiene un propósito oculto y que tendrá que enfrentarse a la decisión más importante de su vida

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en el conservatorio

Concierto Juventudes Musicales


P R O G R A M A


N. Myaskovsky. Cello Sonata No. 2, Op. 81

E. Granados/ G. Cassadó. Intermezzo from Goyescas.

J. Brahms. Scherzo en Do menor (adaptación para Cello y piano)

S. Prokofiev. Adagio from the Ballet Cirendella, Op. 97bis

P. I. Tchaikovsky. Pezzo Capriccioso, Op. 62

G. Cassado. Requiebros




Montserrat Egea - Violoncello
Amaia Zipitria - Piano

Montserrat Egea nace en Toledo en 1997. Comienza sus estudios musicales a la edad de cinco años continuando su formación con los profesores María Casado, Asier Polo y más tarde Michal Dmochowski. Ha sido alumna del Centro Superior del País Vasco, Musikene (2015-2017). Desde el curso académico 2017-2018 es alumna de la Escuela de Música Reina Sofía en la cátedra de Iván Monighetti. Durante su trayectoria formativa ha recibido consejos de los maestros María de Macedo, Stephan Forck, Emil Rovner, Enrico Dindo, Peter Bruns, Philippe Müller, Jens Peter Maintz, Wolfgang Emmanuel Schmidt, Ensemble Modern, entre otros.
En 2016, fue galardonada con el Primer Premio en la modalidad de cuerda del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y el premio EMCY.
Como solista, ha actuado con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Musikene y con la Orquesta Sinfónica de RTVE.
En el ámbito de la música de cámara es miembro del Trío Amets con el que próximamente actuará en la Quincena Musical de San Sebastián y en la Fundación Juan March de Madrid. Es miembro de West-Eastern Divan Orchestra desde 2016. También ha colaborado con la Orquesta Schleswig-Holstein.
Ha obtenido premios en numerosos concursos tanto en el ámbito nacional como internacional. Entre ellos destacan Primer Premio en el Concurso Jóvenes Promesas de Violoncello 'Jaime Dobato Benavente' (2012 y 2014), Tercer Premio en el Concurso Internacional Dotzauer Dresden (2009 y 2013). En 2012, Tercer Premio y Premio al Mejor Intérprete de Cuerda en el Concurso Nacional “Intercentros Melómano”.


Amaia Zipitria Zugasti. Nace en Andoain (Gipuzkoa) . Cursa sus estudios en Andoain con Luis Fraca y Myriam Ulanga, en San Sebastián con Gonzalo Trevijano, en Baiona con Mme. Doué y en el Conservatorio Superior de Rotterdam con Barbara Grajewska. Título superior de piano y música de cámara con las más altas calificaciones.
Como integrante de la J.O.N.D.E (Joven Orquesta Nacional de España) desde 1993 a 1998 y colaboradora de orquestas como R.T.V.E, O.N.E, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, etc. ha sido dirigida por grandes maestros.
Pianista acompañante en la cátedra de violín de Zakhar Bron en la escuela Reina Sofía de Madrid, Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares y otros tantos cursos magistrales. Actualmente es profesora de Repertorio en el Conservatorio Superior del País Vasco Musikene y pianista del Orfeón Donostiarra.
Su labor concertística le lleva a auditorios como el Nacional de Madrid  y Barcelona, Zaragoza, Sevilla, Málaga, Oviedo, Euskalduna de Bilbao, Kursaal, etc.,  y fuera de España en Croacia, Italia, Francia e Inglaterra.
Entre sus grabaciones destaca la Sonata nº2 de Jesús Villa-Rojo junto con el violoncellista Asier Polo (NAXOS) y la versión de grupo de cámara de Babar, Poulenc  con componentes de la Orquesta de Cadaqués (TRITO).

DOGO Spoken Word Show  "Intronautica aplicada"

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DOGO vuelve a los escenarios. Justo este año se cumplen 30 años de la edición de su primer disco "Ansia" junto a sus queridos Mercenarios
Muchas cosas han pasado desde entonces: tras unos años de frenética actividad y tres discos memorables vinieron otros tiempos más oscuros e inactivos musicalmente.

Hoy en día Diego Fuentes, Dogo , se encuentra mejor que nunca y ha fijado su residencia en León . Tras alguna aparición esporádica por los escenarios ahora ha montado una banda con la que está dispuesto a sacar brillo a lo mejor de su repertorio. Le acompañan músicos de mala reputación que antes lo han hecho con bandas de la talla de Paul Collins Beat, Peralta, Platillos Volantes, Señor No, o actualmente con Kurt Baker Combo. Precisamente junto a estos últimos pudimos ver a un Dogo en el Monkey Week derrochando carisma, clase y mucho rock & roll caliente.
Esta vez nos presenta el espectáculo  DOGO Spoken Word Show  "Intronautica aplicada"

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Harris nació en Denver, Colorado, el 21 de febrero de 1969, y comenzó a tocar la guitarra a los 12 años, después de escuchar los discos de Lightnin 'Hopkins de su madre. Tocó en una banda del rock & roll en la escuela secundaria, y desarrolló sus habilidades de cantante en su iglesia. Hizo estudios universitarios en el Bates College en Maine (donde se especializó en antropología). Después Harris viajó a Camerún para estudiar la lingüística africana; durante su estancia allí, absorbió toda la música africana posible, dejándose seducir por sus complejos polirritmos. Después de regresar a los Estados Unidos, Harris enseñó inglés y francés en Napoleonville, Louisiana, y durante su tiempo libre tocó en los clubes, cafés y esquinas de la cercana Nueva Orleans.

Alcanzó una cierta reputación local que le ganó un contrato con Alligator Records. En 1995, Alligator lanzó el álbum de debut de Harris, "Between Midnight and Day", solo con su guitarra que ilustró su dominio de diversas variaciones en el estilo Delta blues. El álbum incluía versiones de Sleepy John Estes, Fred McDowell, Charlie Patton, Muddy Waters, y Bukka White. El disco tuvo buenas críticas señalando a Harris como nueva promesa en la escena del blues. Ello le permitió actuar de telonero de la ex-cantante de 10.000 Maniacs, Natalie Merchant.

Su siguiente álbum fue 'Fish Is not Bitin', publicado en 1997, un disco en que ampliaba el acompañamiento añadiendo una sección de viento de estilo Nueva Orleans en varias pistas, mientras que enfatizaba sus propias composiciones originales.

En 1999, Harris lanzó el álbum Greens from the Garden que la mayoría de los críticos consideraron su mejor disco hasta entonces. El disco fue un gran éxito y profundizó en el funk y el R & B de Nueva Orleans. El resultado fue un caleidoscopio de estilos musicales negros que le dieron a Harris una atención más generalizada por un público más amplio que lo comenzó a ver como el heredero de Taj Mahal. Con uno de los colaboradores en el disco anterior, el veterano pianista Henry Butler, grabó a dúo un álbum, publicado en 2000, titulado 'Vu-Du Menz', en que se acercaba al jazz y el blues primitivo.

A continuación Harris dejó Alligator por el sello Rounder, y debutó para su nuevo sello en 2002 con 'Downhome Sofisticate', un álbum ecléctico que exploró sus influencias africanas y añadió música latina a su paleta de sonidos. Otros dos álbumes siguieron en Rounder, el maravilloso 'Mississippi to Mali' en 2003 y 'Daily Bread' en 2005, que lo consagraron como uno de los mejores bluesman acústicos contemporáneos.

En 2003, Harris fue un artista destacado y narrador de la película de Martin Scorcese, 'Feel Like Going Home', de la aclamada serie de televisión de la PBS, "The Blues", que trazó la evolución del blues desde el oeste de África al sur de los EE.UU. En 2007, fue galardonado con una MacArthur Fellowship - "Genius award" - de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur. La beca anual, que reconoce a individuos de una amplia gama de disciplinas que muestran creatividad, originalidad y compromiso con el trabajo innovador continuo, describió a Harris como un artista que "forja un camino aventurero marcado por un eclecticismo deliberado".

Siguiendo con su exploración musical, Harris volvió a Jamaica y a las raíces reggae para su siguiente álbum, 'Zion Crossroads', que fue lanzado en 2007 en Telarc Records. Un segundo álbum en Telarc, 'Blu Black', apareció en 2009 con Harris continuando en la órbita de la música jamaicana. En 2013 publicó 'Fulton Blues' en que Harris vuelve a la interpretación de sus formas híbridas de blues en un conjunto interesante de temas.

Corey Harris vive actualmente en Virginia, realizando giras musicales frecuentemente y ensalzando la tradición clásica africana de la música blues; así mismo, ha organizado varios programas en varias emisoras de radio del área de Virginia central.
Corey ayudó a Billy Bragg y Wilco a componer la música de la canción "Hoodoo Voodoo" para el disco "Mermaid Avenue", el cual consistía en canciones cuyas letras habían sido escritas por Woody Guthrie; también colaboró como músico en dicho disco y en el posterior, "Mermaid Avenue Vol. II". Corey recibió, en 2007, un doctoradohonorífico de la universidad Bates College.
 
Corey Harris ha conseguido ser uno de los pocos bluesmen contemporáneos capaces de encauzar del blues acústico del Delta sin buscar solo la autenticidad historicista.​ Junto con Keb 'Mo', Eric Bibb, Otis Taylor, Guy Davis y Alvin "Youngblood" Hart, marcó el renacimiento del blues acústico a mediados de los años noventa. Como instrumentista es un virtuoso de la guitarra acústica de blues, que había sido relegada durante años por la guitarra eléctrica predominante en el Blues de Chicago. Su estilo mezcla una variedad considerable de influencias - de New Orleans al Caribe y a África - en su música.

Corey Harris ha actuado, grabado, y ha viajado con nombres como BB King, Taj Mahal, Buddy Guy, R.L.Burnside, Ali Farka Toure, Dave Matthews Band, Tracy Chapman, Olu Dara y muchos otros. Con un pie en la tradición y el otro en la experimentación contemporánea, Harris es una voz verdaderamente única en la música contemporánea.
Sus grabaciones exploran la fusión del blues acústico con la música de tradición yoruba, rhythm & blues, reggae, música cajún, o el bolero. Estas grabaciones tienen precedentes en las sesiones de grabación de el maliense Ali Farka Touré y el estadounidense Ry Cooder. Y también en las de Taj Mahal con el korista guineano Toumani Diabate.


Discografía

    1995: Between Midnight and Day (Alligator)
    1997: Fish Ain't Bitin (Alligator)
    1999: Greens from the Garden (Alligator)
    2000: Vu-Du Menz (Alligator)
    2001: Live at Starr Hill
    2002: Downhome Sophisticate (Rounder)
    2003: Mississippi to Mali (Rounder)
    2005: Daily Bread (Rounder)
    2007: Zion Crossroads (Telarc)
    2009: blu.black (Telarc)
    2011: Father Sun Mother Earth (Njumba)
    2012: Believe
    2012: Motherless Child (Lutan Fyah)
    2013: Fulton Blues
    2013: Rasta Blues Experience Live
    2014: Fulton Blues (Deluxe Edition)
    2015: Live! from Turtle Island

​

Entradas 8 €: a partir de una hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

PERFIL TEATRO  inicia su andadura con esta versión teatral de "Cinco horas con Mario" realizada por Sonia Martínez y Javier Bermejo, estrenada en junio del año pasado y premiada este año en el Festival de Teatro Estrella Gil de Moratalla (Murcia).

“Con Carmen, cinco momentos” de Miguel Delibes
El núcleo de esta obra lo constituye el soliloquio de Carmen, una conservadora mujer de clase media alta, junto a la urna funeraria de su marido Mario recientemente fallecido. A través de los recuerdos observamos,
en muchos aspectos, una insatisfactoria vida en común. Delibes recrea la España provinciana de la época, los problemas de la falta de comunicación en el matrimonio, así como el conflicto de las “dos españas”.

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: L'Embarras du choix
Año: 2017
Duración: 95 min.
País:  Francia
Dirección: Eric Lavaine
Guion: Laure Hennequart, Eric Lavaine, Laurent Turner
Fotografía: François Hernandez
Reparto: Alexandra Lamy, Jamie Bamber, Arnaud Ducret, Anne Marivin, Sabrina Ouazani
Productora: Sombrero Films
Género: Comedia. Romance
Sinopsis
La vida está hecha de pequeñas y grandes decisiones. El gran problema de Juliette es que es totalmente incapaz de tomar la más mínima decisión. Incluso con 40 años, aún depende de su padre y de sus dos mejores amigas para que lo decidan todo en su nombre. Pero el día en que conoce a Paul y a Étienne, tan encantadores y diferentes uno del otro, Juliette empieza a temblar. Esta vez, nadie podrá elegir por ella.

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro

DÍA DE FIESTA

Título original: Jour de fête
Año: 1949
Duración: 81 min.
País:  Francia
Dirección: Jacques Tati
Guion: Jacques Tati, Henri Marquet, René Wheeler
Música: Jean Yatove
Fotografía: Jacques Sauvageot (B&W)
Reparto: Jacques Tati, Santa Relli, Guy Decomble, Paul Frankeur, Maine Vallee, Roger Rafal
Productora: Panoramic Films
Género: Comedia | Vida rural

Sinopsis:
El pueblo de Saint Sévère se dispone a celebrar una gran fiesta. Las calles se adornan con guirnaldas y banderas; la terraza del café está preparada para el gran baile popular. Los feriantes traen en sus carromatos los caballitos de madera, las tómbolas, el cine ambulante, las cucañas... Mientras reparte el correo, François, el cartero, deseoso de ayudar a los feriantes, monta con mucho heroísmo la cucaña, pero sólo consigue provocar catástrofes. En el documental que proyectan en la carpa del cine, François ve un nuevo sistema para repartir el correo y decide probarlo. A la mañana siguiente, cuando el pueblo despierta tras la fiesta, el cartero reparte su correo "a la americana".

Premios
1949: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro (mejor película)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro.

EL SALARIO DEL MIEDO

Título original: Le salaire de la peur aka
Año: 1953
Duración: 140 min.
País:  Francia
Dirección: H.G. Clouzot
Guion: H.G. Clouzot, Jérome Géronimi (Novela: Georges Arnaud)
Música: Georges Auric
Fotografía: Armand Thirard (B&W)
Reparto: Yves Montand, Charles Vanel, Véra Clouzot, Peter van Eyck, Folco Lulli, William Tubbs, Dario Moreno, Jo Dest
Productora: Compagnie Industrielle et Commerciale Cinématographique / Filmsonor / Vera Films / Fono Roma
Género: Aventuras. Thriller. Drama | Película de culto

Sinopsis: La tensión entre cuatro trabajadores de una compañía petrolífera estallará durante un peligroso viaje durante el cual transportan nitroglicerina. (FILMAFFINITY)

Premios
1953: Festival de Cannes: Palma de Oro, mejor actor (Charles Vanel)
1953: Festival de Berlín: Oso de Oro
1954: Premios BAFTA: Mejor película

Entradas (6 €): a partir de una hora antes  en la taquilla del teatro

VENTA ANTICIPADA: desde el jueves 15 de marzo en: RET MARUT | BAR EL SIETE | TABERNA BAR "EL CUERVO"

50% de descuento (*esclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del Carné Universitario y DNI

MÚSICA Y POESÍA DE FEDERICO GARCÍA LORCA

www.gazalmusicapoesia.com

Gazal Musica Poesía Española

Gazal Musica Poesía es un dúo musical que crea canciones con poesías de todas las épocas y autores. El canto y la guitarra de Diana Trigueros (Madrid) y las flautas irlandesas de Ignacio Martínez (León), además de los tambores y panderos, acercan el sentido y la sensibilidad de la poesía a todos los públicos.
Presentan el disco Mil Caballitos Persas, con poesías de Federico García Lorca.

Entradas (6 €): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro

VENTA ANTICIPADA:www.facebook.com/polaroids.es/    www.Instagram.com/polaroidsmusic/

50% de descuento (*esclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del Carné Universitario y DNI

POLAROIDS

La banda leonesa presenta  por fin su trabajo grabado en los míticos estudios Abbey Road de Londres a finales del pasado mes de diciembre, lo que les ha convertido en el primer grupo de la comunidad autónoma en grabar en los estudios más importantes del planeta.
Grabado a caballo entre  Londres y España, "Los Territorios Soñados" es un auténtico tour de force para la banda, en el que se despliega de manera exquisita las amplias influencias musicales  del quinteto (desde el britpop de los 90 con ecos a The Verve, Oasis o Travis hasta  el folk más íntimo y acústico de los primeros discos de Bon Iver o  Mumford and Sons).
Distribuido conceptualmente en dos caras -Cara A: Londres, Cara B: León-  el álbum contiene 11 temas producidos por Juan Marigorta (Quique González, Fabián) y Pepe López (Pájaro Sunrise), y cuenta además con la colaboración de los ingenieros de sonido Chris Bolster (Paul McCartney, Oasis, Foo Fighters, Coldplay) y Stefano Civetta (PJ Harvey, Ed Sheeran, Bruno Mars).
El concierto de presentación tendrá lugar en el Teatro Albéitar de León, y durante el mismo se proyectarán imágenes de la grabación en Londres y el videoclip de adelanto del single “Los territorios soñados”, dirigido por Juan Marigorta.

Entradas 8 €: a partir de media hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

Encuentro con el público: después de la función se realizará un debate sobre el trabajo teatral representado,  con los espectadores que quieran participar en el mismo y tendrá lugar la presentación del libro EL CAMINO DEL ACTOR  A través del entrenamiento Psicofísico

Comedia, bululú farsesco…

“El Efecto Mariposa; una comedia sobre la teoría del caos”
de Alfonso Rivera
Introducción
¿Han oído hablar de la teoría del Caos? Es la idea de que pequeñas cambios pueden tener grandes consecuencias. Existe un proverbiochino que dice que el leve aleteo de alas de una mariposa puede crear untornado en la otra parte del mundo. Me pregunto si esta teoría también funciona al revés: ¿puede una tormenta emocional en algún lugar del tiempo general el batir de pestañas de la persona que se encuentra justo en frente de ti?

Sinopsis
Alfonso Rivera intenta explicarnos su peculiar visión del amor a través de la teoría del caos poniendo en cuestión si existe el determinismo en nuestras vidas. Para ello recurre a contar la historia del amigo de un amigo de su amigo. Se trata de la increíble peripecia de cómo Alfredo decide a pedirle matrimonio a Dafne, una mujer que ha conocido hace unas semanas en tinder y de la que se ha demorado perdidamente. Cuando Alfredo descubre que se ha olvidado el anillo en casa y regresa para cogerlo se cuela en esta cita Rodolfo Valentino, un famoso autor de libros de autoayuda y seducción que intenta robarle a su chica. Gracias a la ayuda de Doc y al Delorian

Estilo
A través de una disparatada comedia de enredo con pinceladas de canto y baile, Alfonso Rivera interpreta en este one-manshow a más de media docena de personajes que se buscan, se seducen, se siguen y se persiguen llegando incluso a viajar en el tiempo para lograr alcanzar el amor verdadero. Un hombre enamorado, una femme fatal, un seductor argentino, uncientífico loco, una heladera romántica y muchos más personajes se despliegansobre el escenario, por medio de la técnica interpretativa del desdoblamiento, para que el espectador disfrute de una divertidísima trama e clave de bululú farsesco.

Alfonso Rivera
Licenciado en Interpretación Gestual por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (1999-2003). Becado por el Ministerio de Culturacompleta sus estudios de mimo corporal dramático con los últimos asistentes de Etienne Decroux en la Ecole de Mime Corporel Dramatique de L´Ange Fou, Londres. Se especializa en la pedagogía de Jacques Lecoq en London-Berlin International School of Performing Arts, LISPA,(2016-2017).
Trabaja como actor en numerosas producciones de teatro físico mostrando su trabajo en países como España, Inglaterra, Francia, Italia, República Checa, Noruega, Polonia, Eslovaquia y Rumanía. Trabaja profesionalmente en Londres con compañías como Zecora Ura (y con la compañía Theatre du L´Ange Fou (The Grimm Files). En España hace más de 12 montajes con El Gato Negro con la cual recibe el Premio a los Jóvenes Creadores Comunidad de Madrid.
En el año 2014 decide crear su propia compañía estrenando espectáculos como “Momo” (2013), “Vincent” (ganador del 1º Premio Xuventude Crea 2014), “Siddhartha” (2015), “Kastha Kofta” (2016), “Good Luck” (2017) yahora su último espectáculo, el monólogo teatral “El Efecto Mariposa” (2017).

Equipo artístico
Alfonso Rivera: creación e interpretación
Sergio Macías: co-dirección / asesor dramaturgia
Diego Akselrad: co-dirección / asesor dramaturgia
José Piris: Asesor de gesto
Marión Sarmiento  y Sabela Cereijo: Asesoras de canto
Beba Gayoso y Laura Díez: Asesoras de danza
Carlos Pinilla: Asesor de vestuario
Javier Quintana: técnico de luces y sonido

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Foxtrot
Año:  2017
Duración: 113 min.
País:  Israel
Dirección: Samuel Maoz
Guion: Samuel Maoz
Música: Ophir Leibovitch, Amit Poznansky
Fotografía: Giora Bejach
Reparto: Lior Ashkenazi, Sarah Adler
Productora: Coproducción Israel-Alemania-Francia; Bord Cadre Films / Arte France Cinema / Arte France / Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF) / ARTE
Género: Drama | Ejército

Sinopsis
Una familia con problemas tiene que afrontar los hechos después de que algo salga terriblemente mal en el lejano puesto militar donde estaba destinado su hijo cuando realizaba su servicio militar. (FILMAFFINITY)

Premios
2017: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado
2017: National Board of Review (NBR): Mejor film extranjero
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro

Título original: Ascenseur pour l'Echafaud (Elevator to the Gallows)
Año: 1958
Duración: 92 min.
País:  Francia
Dirección: Louis Malle
Guion: Louise Malle, Roger Nimier (Novela: Noël Calef)
Música: Miles Davis
Fotografía: Henri Decae (B&W)
Reparto: Maurice Ronet, Jeanne Moreau, Georges Poujouly, Lino Ventura, Yori Bertin, Elga Andersen, Ivan Petrovich
Productora: Nouvelles Editions de Films
Género: Cine negro. Thriller. Drama | Policíaco. Crimen

Sinopsis
Julien Tavernier, héroe de la guerra de Indochina, trabaja para el industrial Simon Carala, y es el amante de su esposa, Florence. Para poder vivir juntos, los amantes deciden matar al marido de modo que parezca un suicidio, pero ocurre algo que no estaba previsto...

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro

Título original: Pierrot le fou
Año: 1965
Duración: 110 min.
País:  Francia
Dirección: Jean-Luc Godard
Guion: Jean-Luc Godard
Música: Antoine Duhamel
Fotografía: Raoul Coutard
Reparto: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Dirk Sanders, Jean-Pierre Lèaud, Raymond Devos, Graziella Galvani, Laszlo Szabo, Samuel Fuller
Productora: Coproducción Francia-Italia; Rome Paris Films / S.N.C. / Dino de Laurentiis Cinematographica
Género: Drama. Romance | Road Movie. Cine experimental. Drama romántico. Película de culto. Nouvelle vague

Sinopsis
Ferdinand Griffon, alias 'Pierrot', huye de París con Marianne, la niñera que ha contratado su esposa. La pareja se dirige al sur de Francia, pero el viaje se torna muy peligroso cuando una banda de gángsters con los que Marianne está implicada, les va pisando los talones. (FILMAFFINITY)

Premios
1965: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro
1966: Premios BAFTA: Nominada a Mejor actor extranjero (Jean-Paul Belmondo)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

The Marathon

Título original: De Marathon
Año: 2012
Duración: 111 min.
País:  Países Bajos (Holanda)
Dirección: Diederick Koopal
Guion: Gerard Meuldijk, Martin van Waardenberg
Música: Melcher Meirmans, Merlijn Snitker, Chrisnanne Wiegel
Fotografía: Jeroen de Bruin
Reparto: Stefan de Walle, Martin van Waardenberg, Marcel Hensema, Frank Lammers, Mimoun Oaïssa
Productora: Eyeworks Film, TV Drama
Género: Comedia. Drama | Deporte. Atletismo. Amistad

Sinopsis
Cuatro amigos deciden participar en la maratón de Rotterdam. Una película llena de humor y un canto a la amistad.

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

El tío Hank
Título original: Oom Henk (TV)
Año: 2012
Duración: 94 min.
País:  Países Bajos (Holanda)
Dirección: Elbert van Strien
Guion: Bert Bouma
Música: Bart van de Lisdonk
Fotografía: Ezra Reverda
Reparto
Hans Kesting, Tobias Nierop, Bert Luppes, Sallie Harmsen, Romana Vrede, Peter Aerts, Nick Bakker, Ludwig Bindervoet, Hayo Bruins, Anis de Jong, Raymonde de Kuyper, Truus Dekker, Werner Kolf
Productora: Stetz Film, Vrijzinnig Protestantse Radio Omroep
Género: Comedia. Thriller | Crimen. Telefilm

Sinopsis
¡No es tan fácil deshacerse del Tío Hank! Koen, un estudiante de derecho, evita ser asaltado en la calle alegando que Hank de Koning, un famoso criminal, es su tío. Todo se complica cuando unos días más tarde el “Tío” Hank toca a su puerta. Le pide un favor a Koen quien no se puede negar…

MARCOS ANA (documental)
Facultad de Filosofía y Letras

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Centro de Idiomas

ADRIÁN DE LA TORRE (fotografías)
Casa del Estudiante Albéitar

PREMIO NACIONAL DE FOTOPERIODISMO 2016
Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Biblioteca Campus de Ponferrada

PORTADAS DE VINILOS EN LA COLECCIÓN PERMANTENTE DE MANUEL TEJADA  (fotografía y diseño)
Comisarios: Agustín Berrueta y Carlos Carro
Biblioteca Universitaria San Isidoro

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro

Ainhoa Hernández Escudero, Ma d r i d
Laura Ramírez Ashbaugh, Mad r i d

Mov i l i dad , Ar t e s Es c én i c a s

P r o y e c t o : AL FINAL DE LOS BRAZOS ESTÁN LAS MANOS, AL FINAL DE LOS DEDOS NOSOTRAS ESTAMOS

¿ Que pasaría si en vez de preguntarnos quien quiero ser, nos
preguntásemos que clase de vida es la que quiero vivir con los otros?
Judith Butler
Conversar, conversar para que en el entre se produzca algo.
Generar un espacio donde convivir desde el afecto.
Darnos el tiempo.
Darse el tiempo para recuperar el espacio para el disfrute y también para la
confrontación, porque conversar es confrontar, porque encuentro es herida.
Jugar a las correspondencias para resignificarnos, pero todo el rato.
Hacer para nada.
Divagar para estar juntas.
Conversar un espacio y darnos el tiempo.
Generar el entre y confrontar.
Revisitar el disfrute donde convivir desde el afecto.
Dejar la herida abierta.
Jugar, jugar, jugar.
Correspondencias pero todo el rato, para resignificarnos, para nada, para
estar juntas.

Quizá el Arte, y especialmente la fotografía que parece una de sus sucursales más proclives a la denuncia, no debe ser siempre combativo y proponer modificaciones sociales, propuestas impactantes, reflexiones sobre lo efímero y la inanidad de la existencia. A veces el arte puede querer desafiar a los grandes gurús que comisarían las selectas documentas y preferir instalarse en la calle, en lo vulgar, en la sorpresa cotidiana y tomar sus fuentes de la belleza, la forma, la mímesis, la experiencia estética. A veces el arte se basa tan solo en una manera de mirar, de reconocer lo que antes has visto y ha calado en ti -aunque no recuerdes dónde-, lo que el tiempo ha consolidado como clásico. En palabras de Elliot Erwitt: La fotografía es el arte de la observación.
Se trata de encontrar algo interesante en un lugar ordinario. […] tiene poco que ver con las cosas que ves y mucho con cómo las ves.

Este es un proyecto de apropiacionismos, una captura, en la realidad cotidiana, de reminiscencias, reflejos, formas, composiciones de artistas que, al contemplar las fotografías, permiten su reconocimiento. La nómina de éstos es extensa y puede incluir también ismos, vanguardias, corrientes que se recuerdan mejor que los propios nombres de sus autores (casos del Land art, el Minimalismo, el Arte Conceptual, el Arte feminista, etc.). Pero se intenta ir un poco más allá de esos autores ya deglutidos por esta sociedad de la imagen (caso de Miró en los carteles publicitarios, Calder en las lámparas de los pisos de estudiantes, Kandinsky en telas y tejidos llamativos, Munch y su Grito,…). La obra aquí presentada no se sostiene por sí sola en cada una de las fotografías, no siempre efectistas, no siempre estéticamente bellas, no siempre técnicamente trabajadas, la mayoría de las veces encontradas en lugares inesperados, mal iluminados. En ocasiones se habla de fotografías “bonitas, pero casi mudas” mientras aquí se busca que, si bien no impactantes, sí sean locuaces. Este Proyecto tiene un relato, un por qué, y por ello debe contemplarse como un todo. Una simple fotografía separada, salvo algunas excepciones, no suscitaría un suspiro de admiración ni la contemplación extática ni siquiera el juicio de ser “una buena fotografía”.

Sólo cuando, despaciosamente, se interna el espectador en la senda que este relato le propone puede darse un insight de comprensión.

Las imágenes nunca se buscaron, se tomaron donde se encontraron y lo fueron, casi en su totalidad con la óptica limitada del teléfono móvil, lo que les hace resentirse en su calidad si bien en ocasiones una imagen imperfecta puede llegar a hacer pensar en el trazo desvaído de un pincel.

No hubo preparación, ni puesta en escena, ni trípodes, ni espera por l’instant décisif. Hubo, eso sí, hallazgo, inquietud, sorpresa, suerte. Por eso hay tantas tomas en viajes, en el extranjero, en las calles de ciudades donde llevas los ojos preparados para mirar, sin guía ni GPS, como un flâneur.

La obra, además de su perspectiva apropiacionista, presenta otra característica que la dota de interés. ¿Se hará realidad en ella la afirmación de Borges que conjeturó que un escritor puede influir en sus antecesores?. “Su labor modifica nuestra concepción del pasado, como ha de modificar el futuro”. La explicación de esta paradoja, extendida al mundo visual, se encuentra en el hecho de que los apropiacionistas nos fuerzan a mirar a sus epígonos a través de esos rasgos que han elegido para hacernos reconocible al autor de referencia. Así, la historia no opera sólo hacia el futuro sino que en cada momento una obra (de escritura pero, ¿por qué no?, también artística) puede constituir un acontecimiento que modifique el pasado y lo ilumine transformando la obra del autor inicial.

JORGE CASTILLO.

A finales de los 80 yo solía frecuentar la galería de los anticuarios en el Paseo de Gracia de Barcelona donde hice las primeras compras de mi colección de grabados. Dali, Miró, Picásso… pero en los escaparates había también pinturas sobre lienzo, entre las que nunca faltaba una o más obras de Jorge Castillo.

Siempre me sorprendieron sus mesas flotantes con frutas, ramas, objetos y personajes en una atmosfera ingrávida sin asentamiento posible sobre un cielo de grises de colores azulados, rosáceos, verdes….

Castillo ha sido siempre un gran dibujante y un imaginativo pintor figurativo con una alquimia surrealista propia que combina sus figuras predilectas en formas caprichosas en equilibrio inestable. Así como partículas que se encuentran en la atmosfera de suaves colores y quedan fijadas en una composición flotante, como detenida en su devenir para ser contemplada en ese estadio concreto.

Figuras del circo, pájaros, caballos, seres imaginarios, cabezas escultóricas, mujeres, pajes juegan en el espacio y se nos ofrecen en un instante congelado por la magia del cuadro, como si el autor nos regalase un apunte atrapado en el aire escogido entre el inabarcable fluir de los frutos de su fantasía.

Jorge Castillo fue, es y seguirá siendo uno de nuestros grandes artistas figurativos, dominador del dibujo, del grabado, la pintura y la escultura en los que derrama sin medida el don de su original fantasía creadora.

Dr.Federico Fernández Diez

Director de la Obra Cultural de Funiber

 

Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León

Exposición colectiva de fotografía de las obras premiadas y seleccionadas en la V edición de los Premios de Fotoperiodismo 2017, convocados por la Asociación Nacional de Informadores Gráficos de Prensa y Televisión (ANIGP-TV).

El primer premio y ‘Foto del año’ ha recaído en Santi Palacios, con una imagen donde se aprecia a un voluntario que sostiene a un bebé mientras otros tratan de ayudar a un grupo de refugiados que acaba de alcanzar las costas de la isla griega de Lesbos tras permanecer varias horas a la deriva.

El segundo premio ha recaído en Juan Carlos Rojas con la fotografía en la que el exvicepresidente del Gobierno Rodrigo Rato mira tras una verja, ante la presencia de un policía,  durante  un registro en su despacho.

Olmo Calvo ha obtenido el tercer premio con una imagen de una familia procedente de Siria que espera junto a un pequeño bosque una señal para salir a tomar un taxi ilegal, entrando en Hungría por el paso de Roszke tras escapar de la policía a través de una plantación de maíz.

ENTRADAS (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DIEGO VASALLO
El donostiarra Diego Vasallo presenta su último trabajo “Baladas de un Autorretrato” un paso más en su reivindicable y estupenda carrera en solitario al margen de Duncan Dhu.
Diego Vasallo es músico y pintor de formación autodidacta.
En 1984 fundó junto a Mikel Erentxun y Juan Ramón Viles la banda Duncan Dhu, con la que ha grabado nueve discos y realizado giras de conciertos tanto en España como en Europa y México durante más de veinte años. En 2001 el grupo paró su actividad hasta 2013, en el que hubo una reunificación para publicar un mini L.P. de canciones nuevas titulado El Duelo (Warner 2013) y se realizaron dos giras de conciertos en 2014 y 2016.
En 1991 inicia un proyecto musical con claras influencias de sonidos 80’s, pop sintético, soul, tecno, y rhythm’blues bautizado como Cabaret Pop, con el que grabó los discos: Cabaret Pop (Warner 1991), Realidad Virtual de Rock’roll (Warner 1992) y Diego Vasallo y El Cabaret Pop (Warner 1995). Bajo este nombre se realizaron además numerosos conciertos con distintas formaciones de músicos.
En 1997 inicia su carrera en solitario ya bajo su propio nombre, publicando seis discos hasta la fecha: Criaturas (Warner 1997), Canciones de Amor Desafinado (Warner 2000), Los Abismos Cotidianos (Warner 2005), La Huellas Borradas (Warner 2006), Canciones en Ruinas (Warner 2010), y el último hasta la fecha, Baladas para un Autorretrato (Subterfuge 2016). Además ha publicado un disco-libro coeditado con Suso Saiz, El Cuaderno de Pétalos de Elefante (El europeo, 2002) y un álbum junto al poeta Roger Wolfe, La Máquina del Mundo (Warner, 2006). En esta etapa en solitario de su carrera, su música se caracteriza por una búsqueda de la introspección sonora y un mayor peso de los textos en las canciones, acercando las sonoridades del folk, el blues y el rock’roll a un universo personal más literario.
En todos estos años ha realizado varias giras de conciertos en España, actuando en numerosas salas y teatros con diversas bandas de acompañamiento. Actualmente se encuentra presentando su último disco Baladas para un Autorretrato.

Video
https://goo.gl/wtp9eK

Entradas (8 €): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

MANOLO FERRERO Y ALFONSO SALAS, presentan: “Europa en la Maleta”
Dir.: Manolo Ferrero

Europa en la Maleta.

Dos viajeros. Un continente que quiere dormir. La inocencia que esta dispuesta a cualquier cosa para despertarlo. Hombres intemporales en un lugar concreto, en un tiempo hecho de cuentos y canciones.  Un recorrido por los paisajes de la vieja Europa, o como ella misma suele decir la nueva Europa: “Tengan ustedes respeto que una es tan joven como el mundo”.
Francia, Alemania, España, Italia, Rusia, Portugal mirando su propia historia de modo alegórico. ¿Quién será ese chico que con una rosa en la mano es capaz de molestar y hacer sonreir a un continente entero? Vagabundear, cantar, sacar las alas y empezar de nuevo.

Europa- Me pesan aún viejas revoluciones y muchas guerras aún no curadas. Heridas en el corazón de mis hijos.
Viajero-  Lo que usted  necesita es un romance para llorar a gusto y luego volver a sonreir. Así curará viejas historias.
Europa- Eso son tonterías.
Viajero- Anda, Deje que pruebe con una canción...

La hija del molinero, el romance del Quintado, “Chanson d’avril”, Vagabong, el mito de Pandora dado la vuelta, la tarantela y cientos de palabras a ratos como copos de nieve y a ratos pétalos fragantes en un espectáculo de Alfonso Salas y Manuel Ferrero.

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: 1945
Año: 2017
Duración: 91 min.
País:  Hungría
Dirección: Ferenc Török
Guion: Gábor T. Szántó, Ferenc Török
Música: Tibor Szemzö
Fotografía: Elemér Ragályi (B&W)
Reparto: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes, József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus
Productora: Katapult Film
Género: Drama | II Guerra Mundial. Holocausto
Sinopsis
Un sofocante día de agosto de 1945, recién acabada la guerra en Europa, los habitantes de un pueblo se preparan para la boda del hijo de un funcionario del ayuntamiento. Mientras, dos judíos ortodoxos llegan a la estación de tren portando dos misteriosas cajas. El funcionario teme que los hombres sean hijos de los judíos que fueron deportados, que vienen a reclamar las propiedades que ahora tienen ellos de manera ilegal, perdidas por sus dueños durante la guerra y el holocausto nazi. Otros lugareños tienen miedo de que vengan más supervivientes y de que éstos representen una amenaza para las tierras y las posesiones que ahora reclaman como suyas.

TODA LA INFORMACIÓN Y MATRÍCULA EN:

http://extensionuniversitaria.unileon.es/euniversitaria/curso.aspx?id=1238

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro


Título original: Sonny Boy
Año: 2011
Duración: 130 min.
País:  Países Bajos (Holanda)
Dirección: Maria Peters
Guion: Maria Peters, Pieter Van de Waterbeemd (Novela: Annejet van der Zijl)
Música: Henny Vrienten
Fotografía: Walther van den Ende
Reparto
Ricky Koole, Sergio Hasselbaink, Marcel Hensema, Micha Hulshof, Gaite Jansen, Martijn Lakemeier, Frits Lambrechts, Anneke Blok, Robbert Blokland, Ydwer Bosma, Katja Herbers
Productora: Shooting Star Filmcompany BV
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Basado en hechos reales. Años 20. II Guerra Mundial

Sinopsis
Adaptación de Sonny Boy, la novela homónima de Annejet van der Zijl, un bestseller basado en una descorazonadora historia real de un amor prohibido que tuvo lugar en los Países Bajos durante la primera mitad del s. XX. Sonny Boy empieza en 1928 y narra la tumultuosa historia de Waldemar, un estudiante negro de 19 años de Surinam (que por entonces pertenecía a los Países Bajos), y Rika, una mujer holandesa, casada y respetable, que ronda los cuarenta. A pesar de las diferencias, se enamoran perdidamente el uno del otro. Sin embargo, su amor se pondrá a prueba cuando, primero, ella se quede embarazada, y, después, diez años más tarde, escondan a varios judíos bajo su techo durante la Segunda Guerra Mundial.

ENTRDA LIBRE, hasta completar aforo

Propone: FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS ULE

Página oficial

Descarga el dossier de TEATRO CORSARIO "baratria" en el siguiente archivo adjunto

• 5ab399d0cad01623103151.pdf

Entrada libre, hasta completar aforo

VÍCTOR COLMENERO web


 “A wall is better than fencing, and it’s much more powerful, it’s more secure. It’s taller.”
Donald Trump

Trump asume que un muro es más seguro, potente y alto que una valla. Esta afirmación rebasa el material, mezcla cualidades físicas y sensaciones, la seguridad y la altura.

Mi trabajo trata el cortocircuito entre la construcción del concepto-imagen-lenguaje y la resistencia-agotamiento que presenta a éste el cuerpo y el material.

En la actualidad existen 14 muros materiales en proyección o construcción frente a los 21 ya existentes. El muro es un espacio que separa y aisla. El muro, como la esfinge, no está solo formado de piedra, tiene una identidad como arquetípo que hace que nos sintamos más seguros y que lo veamos más alto y robusto que una valla.

Muro es un proyecto de acumulación, de adición de capas que se producen en bucle o progresiones. Es una experiencia inmersiva, un espacio no habitable por la saturación de material pero que a la vez es configura identidades y conflictos entre ambos lados.

Colaboradores: Stefan Garrido, Ángela Losa y Elisabet Sánchez Altube.

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

 “Perder la forma humana podría pensarse como una invitación a la mutación, como un salirse de sí mismo hacia nuevos parámetros de lo sensible. Perder la forma humana como una elección del camino de la auto creación permanente, del espíritu libre que se emancipa de la razón y de los dogmas modernos occidentales en busca de una sensibilidad diferente. Un modo de fuga del  sujeto sujetado a sentidos comunes rutinizados que definen cómo y qué deben ser los cuerpos, las almas, los pensamientos, las conductas, las voluntades.”

Encontré este texto escrito por Diana Lucena en el capítulo Estrategia de la alegría, del catálogo de la exposición Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Durante esos esos días pensaba en cómo las personas necesitan identificarse con algo para poder comprender lo que son. Al igual que cuando los otros te miran, que necesitan procesar la información que tu imagen despliega y relacionarla con algo que ya conocen para poder comprender lo que ven y para poder construir lo que eres.

Traté entonces de practicar el ejercicio contrario al que la sociedad propone buscando maneras para des identificarlo todo, para perder esa forma humana, con la intención de dotar de tal libertad al cuerpo que pueda transitar por todas las realidades posibles. Y así, hacer que las miradas que construyen la identidad desde fuera, no logren ser sedentarias.

Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DOSSIER TEATRO ABIERTO en:

https://yoryo.com/varios/desiguales/Dossier.pdf

Como pasa con cualquier artista, Woody Allen puede gustar o no, pero está claro que plantea ideas muy suyas, junto a temas que pueden considerarse obsesivos por reiterados en toda su producción. Leyendo su obra “Adulterios”, nos resultó divertida la propuesta crítica sobre los derechos de autor, tema que padecemos quienes hacemos teatro. Pero al mismo tiempo nos preguntamos qué pasaría trasladando su visión masculina del sexo, el judaísmo, el psicoanálisis, etc., a una perspectiva femenina.
Esta visión se plasma en el encuentro de dos mujeres con vivencias opuestas, y la presencia de un músico que ejerce de testigo.
El resultado queda plasmado en esta obra que titulamos “Desiguales” y que esperamos despierte en el público algo de la polémica que nos motivó para montarla.
El elenco está integrado por Pepa Otero Feliz, Gonzalo Ordás y Renée Jaitt, con Alejandra Nieto como Ayudante de Dirección, y la Dirección General de Renée Jaitt, en esta nueva producción de TEATRO ABIERTO

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Mon garçon
Año: 2017
Duración: 84 min.
País:  Francia
Dirección: Christian Carion
Guion: Christian Carion
Música: Laurent Perez del Mar
Fotografía: Eric Dumont
Reparto: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Marc Robert
Productora: Nord-Ouest Production
Género: Drama | Secuestros / Desapariciones

Sinopsis
Un padre muy ocupado hace numerosos viajes por África, Sudamérica y Oriente Medio. La pasión que siente por su trabajo le ha distanciado de sus seres queridos. Hace tres años que se divorció, y desde entonces ha visto a su hijo en contadas ocasiones. Pero cuando éste desaparece, se ve obligado a aparcar su vida profesional, y comienza entonces a descubrir muchas cosas sobre su exmujer y su hijo. Un terrible sentimiento de culpa le invade, y decide encontrar a su hijo, cueste lo que cueste.

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en taquilla

LORE AMENABAR
Nace en Irura en 1995. A la edad de 8 años inicia sus estudios de acordeón y en 2009 pasa a ser alumna de Salvador Parada en el Conservatorio Francisco Escudero de San Sebastián. En 2013 comienza el Grado Superior con Matti Rantanen en Helsinki.
Estos son algunos de los premios que ha conseguido tanto a nivel individual como en música de cámara: Primer premio en el “Concurso de Acordeón de Arrasate” en categoría Infantil (2008) y Junior (2011); primer premio en el concurso de “Jóvenes Músicos de Euskadi” a nivel individual y segundo en música de cámara junto al clarinetista Iván Arostegui en 2013. Además, participó en la grabación de la obra de Francisco Escudero “Fantasía Geosinfónica” bajo la batuta de Iñaki Alberdi en 2010. En 2015 consiguió el cuarto puesto en “Klingenthal Accordion Competition”. Además, en 2016 interpretó la Premier de Helsinki de la obra “Niin kauan minä trampaan” de Paavo Korpijaakko junto al cuarteto de cuerdas de la Filarmónica de Helsinki. Finalmente, acaba de obtener el primer premio en el concurso Juventudes Musicales de España.
Actualmente, continúa sus estudios de postgrado en Sibelius Akatemia con el profesor Mika Väyrynen.


EXPERIENCES
Obras de:
Prière Op. 20 - C. Franck (12´)
Vento Op.58 - J. Kaipainen (12´)
Cuatro Diferencias (I, II, IV) - G. Erkoreka (8´)
Chacona en Fa menor – J. Pachelbel (10´)
Mephisto Maze – V. Kujala (10´)

LORE AMENABAR
Nace en Irura en 1995. A la edad de 8 años inicia sus estudios de acordeón y en 2009 pasa a ser alumna de Salvador Parada en el Conservatorio Francisco Escudero de San Sebastián. En 2013 comienza el Grado Superior con Matti Rantanen en Helsinki.
Estos son algunos de los premios que ha conseguido tanto a nivel individual como en música de cámara: Primer premio en el “Concurso de Acordeón de Arrasate” en categoría Infantil (2008) y Junior (2011); primer premio en el concurso de “Jóvenes Músicos de Euskadi” a nivel individual y segundo en música de cámara junto al clarinetista Iván Arostegui en 2013. Además, participó en la grabación de la obra de Francisco Escudero “Fantasía Geosinfónica” bajo la batuta de Iñaki Alberdi en 2010. En 2015 consiguió el cuarto puesto en “Klingenthal Accordion Competition”. Además, en 2016 interpretó la Premier de Helsinki de la obra “Niin kauan minä trampaan” de Paavo Korpijaakko junto al cuarteto de cuerdas de la Filarmónica de Helsinki. Finalmente, acaba de obtener el primer premio en el concurso Juventudes Musicales de España.
Actualmente, continúa sus estudios de postgrado en Sibelius Akatemia con el profesor Mika Väyrynen.


EXPERIENCES
Programa
Prière Op. 20 - C. Franck (12´)
Vento Op.58 - J. Kaipainen (12´)
Cuatro Diferencias (I, II, IV) - G. Erkoreka (8´)
Chacona en Fa menor – J. Pachelbel (10´)
Mephisto Maze – V. Kujala (10´)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

Título original: Alles is liefde
Año: 2007
Duración: 110 min.
País:  Países Bajos (Holanda)
Dirección: Joram Lürsen
Guion: Kim van Kooten
Música: Melcher Meirmans, Merlijn Snitker, Chrisnanne Wiegel
Fotografía: Lex Brand
Reparto
Michiel Romeyn, Thomas Acda, Anneke Blok, Carice van Houten, Jeroen Spitzenberger, Wendy Van Dijk, Daan Schuurmans, Paul de Leeuw, Peter Paul Muller, Chantal Janzen, Valerio Zeno, Marc-Marie Huijbregts, Lies Visschedijk, Viggo Waas, Marisa Van Eyle, Bas Keijzer
Productora: Motel Films / Fu Works / Verenigde Arbeiders Radio Amateurs (VARA)
Género: Comedia. Romance | Comedia romántica

Sinopsis
John y su mujer Elena, un mundialmente famosa patinadora sobre hielo, están a punto de firmar los papeles del divorcio, pero cuando el mundo está a punto de sufrir un colapso cósmico, ambos se dan cuenta de que quizá merece la pena luchar por su amor...

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

LAS CHICAS DE AMANECER DORADO
Håvard Bustnes
2017 -   95 min.
VO en griego e inglés subtitulada en castellano
Dinamarca, Finlandia, Noruega
mujer, política


Ficha técnica
Dirección: Håvard Bustnes
Producción: Christian Falch, Håvard Bustnes
Coproducción: Faction Film, House of Real, Napafilms
Producción ejecutiva: Nick Broomfield
Fotografía: Lars Skree, Viggo Knudsen
Edición: Anders Teigen
Sonido: Håkon Lammetun
Compositor: Jonas Colstrup

SINOPSIS
“¿Qué ha pasado en Grecia?”, se pregunta en voz alta el cineasta Håvard Bustnes al inicio de este inquietante documental. En los últimos años, la imagen de un país con playas soleadas y gente amigable ha sido oscurecida por ideologías políticas cercanas al nazismo que se encarnan en Amanecer Dorado, el partido que en las elecciones de 2012 consiguió 21 escaños en el parlamento griego.
Cuando numerosos miembros destacados del partido son encarcelados, sus mujeres (entre ellas, la hija del líder Nikos Michaloliakos) toman las riendas de la formación y continúan transmitiendo su mensaje. Todas ellas tienen la suficiente experiencia para evitar grietas en el discurso oficial y se aseguran de que las entrevistas que les hacen queden como tal y como quieren. Pero, en un momento de distracción, el director huye corriendo con la cámara y consigue grabar imágenes comprometidas del partido neonazi. El material resultante, complementado con imágenes de archivo, no deja ninguna duda sobre el lado depravado de este partido político y revela el abismo, cada vez más claro, entre la realidad y la imagen que pretenden dar.

Sobre la dirección (Håvard Bustnes)
Håvard Bustnes es director y productor, licenciado en Dirección para Televisión por la Escuela de Cine y TV de Lillehammer, Noruega. Sus primeras películas fueron Two Raging Granni, Health Factory y Big John, con la que ganó el prestigioso premio a Mejor Documental en los Amanda Awards de Noruega. Su nueva película Golden Dawn Girls (Las chicas de Amanecer Dorado) se estrenó en el festival IDFA en noviembre de 2017.

Premios y Festivales
Nominación en:
IDFA - Países Bajos, 2017
Tromsø International Film Festival - Noruega, 2018
Göteborg International Film Festival -  Suecia, 2018

Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Danza contemporánea y teatro físico.
TAMBALEOS DE PERDIZ
VERTIGO AL AGUA

Duración: 50‘
Creación colectiva.
Dirección: Ángel Zotes Ramos   

Proyecto coreográfico que acoge el agua como uno de los elementos más transformables.
Desde  su simpleza puede pasar desapercibida y transformar todo cuanto toca o traviesa su zona, incluso  a la luz con su velocidad. Desde la más apacible ternura, a una de las fuerzas transformadoras más poderosas. Se la añora, se la respeta y se la teme.
Un paraíso, una frontera. Trascendencias y rituales de un estado a un no estado.
Trashumancia. Experiencia cíclica. Procesos, vivencias, encuentros y despedidas.
La indecisión, y el vértigo. Lo que deseamos y las trabas  invisibles que nos aploman.  Sobre la necesidad de asombro, el reto  y el riesgo.  Sobre lo desconocido.

Un no-poema:
Huyendo hacia la orilla.
Esta noche se formaron los charcos.
Amaneció un mundo de edificios y gentes.
Me atrapo.
Lo Sentí  al verme en el suelo, tan lejos.
Desde la altura.
Cierra los ojos y se deja caer.
Suena, sueño, me resuena.

ENTRADA LIBRE (Se realizará control de aforo en el acceso)

ESTRENO THE GOST SHIP

José Alberto Pina

bajo la dirección del propio compositor

Programa

 

1º Parte

·         ELS POBLEST ............................................…  Miguel Torrens.

·         GLADIATOR .................................................... Frank Bernaert.

·         PIRATAS DEL CARIBE ..... Klaus Badelt/ Arr. M. Sweeney

*    DIRECTOR

      ALBERTO ESPADAS GARCÍA

 

 

·         CASCANUECES ..... Tckaikosky/ Arr. Kenneth Henderson.

·         BATMAN ........................... Danny Elfman/ Arr. Eric Wilson.

·         CONTRASTO GROSSO ................................. Jacob de Haan.

*  DIRECTOR

JAIRO DEL RÍO GARCÍA

 

2º Parte

·         La Isla de la Luz ---- Alberto Pina

·         The Ghost Ship ---- Alberto Pina

*  DIRECTOR

Luis Martínez García de Longoria

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: 9 Doigts
Año: 2017
Duración: 99 min.
País:  Francia
Dirección: François-Jacques Ossang
Guion: François-Jacques Ossang
Fotografía: Simon Roca (B&W)
Reparto: Gaspard Ulliel, Paul Hamy, Damien Bonnard, Pascal Greggory, Diogo Dória, Lisa Hartman, Alexis Manenti, Lionel Tua, Elvire, Susana Afonso Lopes
Productora: Coproducción Francia-Portugal; 10:15! Productions / O Som e a Fúria / OSS-100 Films et Documents
Género: Drama

Sinopsis
En plena noche, Magloire fuma un cigarrillo en una estación de tren abandonada cuando la policía se presenta para un chequeo de identidad. Empieza a correr sin equipaje y sin futuro hasta que conoce a un moribundo de quien hereda una fortuna. Posteriormente, Magloire es perseguido por una banda y, no teniendo nada que perder, se convierte no sólo en su rehén sino también en su cómplice.

Premios
2017: Festival de Locarno: Competición Internacional

Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

Aquí en la tierra
Hay un mensaje que llega cada tanto a esa periferia interior que es AQUÍ. Una reserva onírica, un mundo extraño en el que se mezclan la falta de esperanza, la rabia contenida y el hedonismo. El mensajero es el último hilo que une dos mundos irreconciliables. Pero hay una complicidad de los contrarios que siempre acaban pagando los inocentes.
Aquí en la tierra es una tragicomedia de otro mundo. Una distopía en la que gentes sin futuro dan rienda suelta a sus instintos más básicos. El espectador va descubriendo, en clave policíaca, qué se esconde bajo la aparente sensibilidad de quienes mantienen las tradiciones, tras la bondad del buen salvaje, en la arcadia feliz de nuestros orígenes… Pero, ¿somos los olvidados o los que olvidan? Descrubirlo puede herir nuestra sensibilidad.

AUTOR
Víctor M. Díez
Dramaturgia
Javier R. de la Varga, en colaboración con el autor

REPARTO                     
CARTERO    Manuel A O
JACINTO    Daniel L. Ferrero
ALICIA        Andrea Soto Vargues
ESTRELLA    Belén de la Viuda
PEDRO                 Alberto Vallejo
REMEDIOS    Lorena de Paz Carbajo
MARCELO    Luis Martínez Campo
DULCE        Diana Greño Trigueros
MARGARITA    Teresa G. Álvarez

VOCES en off 
Itziar Quirós
Víctor M. Díez


ESPACIOS SONORO y MÚSICA        
Daniel Spencer, Diana Greño Trigueros y Luis Martínez Campo
DISEÑO VESTUARIO            
Rakel Álvaro
VESTUARIO    
Rakel Álvaro y Susana González
ESPACIO ESCÉNICO  y ATREZZO
Teatro El Mayal
ILUMINACIÓN           
Javier R. de la Varga
SONIDO        
Daniel Cascón Mielgo

FOTOGRAFÍA           
Agustín Berrueta (portada) y juanluisgx
IMAGEN GRÁFICA       
Luis Soto

DIRECCIÓN           
Javier R. de la Varga

PRODUCCIÓN       
Teatro El Mayal - Área de Actividades Culturales. Universidad de León




Agradecimientos por su colaboración
Pablo Parra (La Pequeña Nave), Pablo Vega (Ruidostudios), María Murciego (Tratamiento de imágenes), Guadalupe Díez (Tarot), Ana Muñiz (Gráficas Qué arte!), Rodrigo Martínez, Concha González, Oscar de Paz, Evangelina Ferrero, Herminio González, Sandra Ordóñez y a Iván y Lola.

TEATRO EL MAYAL - ULE
En otoño de 2009, a propuesta del Área de Actividades Culturales de la Universidad de León y con la dirección de Javier R. de la Varga, se pone en marcha el Centro para el Desarrollo de las Artes Escénicas de la Universidad de León y la compañía TEATRO EL MAYAL - ULE. El objetivo es reactivar el siempre comprometido teatro universitario, acercar las artes escénicas a esta comunidad y revertir en la sociedad su compromiso intelectual, creativo y ético, en colaboración con artistas de otras disciplinas y con otros agentes de la propia Universidad, así como externos a la misma.
TEATRO EL MAYAL - ULE ofrece formación estable, talleres monográficos, encuentros con profesionales e intenta formar parte activa de la vida cultural de la ciudad y comparitir sus propuestas creativas también más allá del ámbito local.    
Desde su creación ha colaborado en proyectos audiovisuales (“KILL RATS”, “El Valor de escribir una historia”, “LA PROEZA”, “Canto de Fugaos…”), así como en propuestas de otras disciplinas artísticas como en “Del laberinto al treinta” (Laboratotorio Poético 2016. Ayuntamiento de León); El cuento musical de “Pedro y  El Lobo” de S. Prokofiev y la ópera “Brundibar” de Hans Krassa (Mayo 2016), ambas con Juventudes Musicales – Universidad de León.

ESTRENOS
“MÁQUINA HAMLET”de Heiner Müller. Marzo de 2011.
 “La Patada / DER KICK” de Andres Veiel y Gesine Schmidt. Estreno en España. Abril de 2013.
 “Pedro y El lobo (revisited)”. A partir de la obra de S. Prokofiev. En colaboración con La Orquesta de Jueventudes Musicales – ULE. Diciembre de 2014.
 “Pobre Janucá de Fiesta y Luz”. Creación propia a partir de narraciones de origen hebreo. Diciembre de 2015. (En Repertorio).
 “TESLA A TRAVÉS”. Serie de 8 acciones. “TESLA 2016. Festival de experimentación sonora”. Febrero de 2016.
"Hotel Las Vegas**". El 19 de abril de 2015 Teatro El Mayal - ULE (en coproducción con Acéfalo Narciso Teatro) estrena Hotel Las Vegas** en la 20ª Muestra Internacional de Teatro Universitario de Ourense (MITEU). Premio del Jurado al Mejor Espectáculo de esta edición.
 “La Ciudad Sitiada”, de Laila Ripoll. Abril de 2016.
“A golpe de Bardo”.  Acción a partir de textos de W. Shakespeare. Apertura de Urogallo. I Festival de Poesía Expandida. MUSAC, octubre de 2016.
“ALESTEDETESLA”. Serie de 13 acciones y 2 transiciones realizadas en el Teatro El Albéitar, el Pub Babylon, MUSAC, MUSEO DE LEÓN, Glam Theatre y algunas calles de León dentro de “TESLA 2017 Festival de experimentación sonora”. Febrero de 2017.
“Aquí en la tierra”, de Víctor M. Díez

TEATRO EL MAYAL – ULE ha participado en muestras de teatro universitario como Burgos, Lugo, Pamplona, Oviedo, la Muestra Internacional de Ourense (MITEU)… y en programaciones como la del Auditorio Ciudad de León, las Jornadas de Teatro de Éibar, Mu_danzas en el Teatro Bergidum de Ponferrada, MUSAC…

Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

YA NO VOLVERÉ
con dramaturgia de Juan Luis Sáez.
Desde que comenzó el siglo XXI más de 30.000 personas han acabado sus días en las aguas del Mediterráneo intentando llegar a la vieja Europa. La escala de desplazamientos humanos debidos a la guerra, la pobreza, la hambruna, las enfermedades, la falta absoluta de proyecto de vida, es imparable y superior a las vividas en toda la historia de la humanidad. Los gobiernos, que en parte son los responsables de los conflictos que provocan este éxodo, son incapaces de dar soluciones al drama que se desarrolla en millones de personas a la deriva de los caminos y de las fronteras, intentando alcanzar un lugar donde puedan establecerse y llevar una vida digna. La condición humana, que siempre ha mantenido una lucha porque no se pudiera dividir entre ricos y pobres, ha pasado a establecer una nueva diferenciación: legales e ilegales, con papeles o sin papeles, dando así razones a los legisladores para realizar con total impunidad políticas discriminatorias, abusivas e inhumanas.
Las razones incuestionables que llevan a tanta gente a emprender un viaje abierto a la muerte forman parte del planteamiento de nuestro montaje; el vacío del emigrante que ha llegado a lo que en su sueño era un paraíso y la realidad es otra muy distinta, y la seguridad de que ya no volverá al lugar de sus ancestros, al lugar de sus raíces de su universo cultural y emocional.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgia y dirección: Juan Luis Sáez / Reparto: Beatriz Isabel Bernal, Alicia de la Peña, Pedro Javier Díaz, Paula Fernández, Daniel García, John Halnan, Berta Pascual, Daniel Rodríguez y Javier San Eustaquio / Técnico de luz y sonido: José A. Pereda (Bisby) / Cartel (Imagen): Javier San Eustaquio / Máscaras: Román (Taller Guirigay).

El Aula de Teatro de la Universidad de Burgos, nace en 1997, pocos años después de la creación de la propia universidad burgalesa. Una de las ramas que se desarrolla dentro de la actividad del Aula es la producción teatral por medio de su Grupo Estable de Teatro, que complementa la actividad formativa en materia de artes escénicas, tanto a nivel cultural, estético, humanístico, como a nivel de compromiso con la sociedad y atendiendo a las tendencias y estilos que marcan los tiempos actuales. Los montajes son estrenados en la Muestra de Teatro Universitario que el Aula de Teatro organiza, promoviendo el intercambio de representaciones con otros Grupos de Teatro universitarios en todo el ámbito nacional.

Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

TODA LA INFORMACIÓN en:

http://aulateatroourense.blogspot.com.es/2018/02/las-ondas-de-las-piedras-en-el-rio-cast.html

Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

la obra
“Había una vez un pobre niño que no tenía padre ni madre, todos fallecieran y ya no quedaba nadie en el mundo. Todos fallecieran. El se puso a llorar día y noche. Y como ya no había nadie en la tierra quiso ir al cielo, y la luna era un pedacito de madera podrida. Entonces se fue al sol y, cuando llegó, era un girasol seco, y cuando llegó a las estrellas, estas eran pequeños mosquitos de oro que estaban prendidos
como los prende el halcón en el endrino, y cuando quiso volver a la tierra era una olla al revés y estaba completamente sólo, entonces se sentó y empezó a llorar. Aún sigue sentado y está completamente sólo”
Woyzeck se considera una de las primeras obras de teatro contemporáneo, en la que por primera vez encontramos un hombre de baja sociedad como protagonista.

Ficha
……………………….
Elenco
Enxhi Toska
Adrián del Rio
Pablo Fernández
Soraya Comba
Elba Fernandez
Giovanni Peixoto

Ficha artística
Luz y sonido: Alfredo Sarille
Diseño espacio escénico: Paloma Lugilde e Oscar Lago
Logística: Paz Fernández Freire
Corrección lingüística Xusto Rodríguez- Servizo de Normalización lingüística

El grupo

La compañía de Teatro USC-Lugo lleva como Aula de la USC en Lugo ya más de 25 años funcionando. Desde el 2003 los montajes son dirigidos por Paloma lugilde salvo 4 años . Ponemos aquí los últimos montajes dirigidos por la actual directora:
2004 Joan . Premio Na Vangarda de la comunidad autonóma Gallega y mención especial en la MITEU Ourensá. Premio mejor espectáculo, dramaturgia, dirección e interpretación en Valencia
2005 Nai? de Máximo Gorki, mención especial en la MITEU Ourensá.Premio mejor espectáculo, dramaturgia e dirección en Valencia
2006 KM 526 de Paloma Lugilde y Claudio Rodríguez, mención especial en la MITEU
Ourensá
2007 O Público de Lorca,mención especial en la MITEU Ourensá
2012 In Yer face. Na túa cara de Paloma lugilde basada en texto de Sarah Kane .
Premio del jurado de la MITEU Ourensá

2013 Animaliños de Roberto Vidal Bolaño. Premio del jurado y del público de la MITEU Ourensá. Premiomejor dirección , espectáculo, espacio escénico, interpretación femenina, iluminación en la Mostra Universitaria de Santiago

2014 Miosotis , non me esquezas . Basada en Comedia sin Título de Lorca, mención especial en la MITEU Ourensá
2015 Lear de nada nada sae basada el Rey Lear,mención especial en la MITEU Ourensá
2016 O Público de Lorca mención especial en la MITEU Ourensá. Premio a la mejor iluminación y dirección en el Festival Universitario Nacional de Toledo 2017
2017 Paz Perpetua de Mayorga,mención especial en la MITEU Ourensá
2018 WK

Pincha aquí para mas información

9 – 31 mayo 2018

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Facultad de Educación

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Escuela Superior y Técnica de Ingeniería Agraria

PORTADAS DE VINILOS EN LA COLECCIÓN PERMANTENTE DE MANUEL TEJADA
(fotografía y diseño)
Comisarios: Agustín Berrueta y Carlos Carro
Centro de Idiomas


15 mayo – 21 junio 2018

ADRIAN DE LA TORRE (fotografías)
Biblioteca del Campus de Ponferrada

ENTRADAS (8 €): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del Teatro.

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné universitario y DNI

Descarga el DOSSIER del NAÁN  en este pdf

• 5aec4bf51bd23150423868.pdf

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

Sinopsis:
"Tracking" es un espectáculo sobre el Big Data que trata de acercar, mediante las artes escénicas, una reflexión sobre los datos que genera nuestro cuerpo en su desplazamiento por el espacio. Mediante una serie de dinámicas participativas, se fomenta en el público algunas reflexiones sobre el intercambio de datos que establecemos cuando navegamos por internet o cuando usamos diferentes dispositivos tecnológicos. Además, una serie de piezas de danza contemporánea con sensores poetizan sobre el concepto del rastreo. Por último, se establece una conversación con el público en la que los ingenieros explican cómo funcionan los sistemas de control del espectáculo y permiten que los espectadores lo prueben con su propio cuerpo.

Equipo artístico:
Dirección: Alfredo Miralles
Creación tecnológica: Javier Picazas, Clara Gómez, Javier Talavante, Ramsés Salas.
Interpretación: Miguel Valentín, Clara Gómez y Alfredo Miralles.
Han inspirado el proceso: Andrea Perissinotto, Antonio Rodríguez de las Heras
Co-producen: INJUVE – Instituto Nacional de Juventud y Universidad Carlos III de Madrid.

Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Al final de la función:  SE SORTEARÁ ENTRE EL PÚBLICO UN EJEMPLAR DE LA OBRA GRÁFICA CREADA PARA "GIRONDO", NUMERADA Y FIRMADA POR KARLOS VIUDA.

Oliverio Girondo

(Fecha de nacimiento: 17 de agosto de 1891, Buenos Aires, Argentina
Fallecimiento: 24 de enero de 1967, Buenos Aires, Argentina)

Presentación del espectáculo “GIRONDO”,  creado por Renée Jaitt, Rosario Granell, Gonzalo Ordás y Karlos Viuda, a partir de textos seleccionados de la obra de Oliverio Girondo.
Esta alianza interdisciplinar que encaran los artistas, integra sus visiones particulares desde las especialidades en que trabajan, buscando una resonancia global que transmita al público la sorprendente vigencia del pensamiento,  palabra,  imagen, musicalidad y sentir de quien fue un poeta provocador y vital.
Girondo conocía la vanidad de los éxitos literarios. De ahí su exigencia de una moral poética cada vez más intensa, identificando la degradación de la poesía con la degradación del mundo y del amor: “Nos sedujo lo infecto...
/ los poetas de moco enternecido”, toda  esa escoria “que confunde el amor con el masaje, / la poesía con la congoja acidulada”

A través del humor y la ternura, el lenguaje absurdo y surrealista, Oliverio Girondo sigue despertando nuevas formas de expresión en quienes hoy ahondan en su obra.

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: The Nile Hilton Incidentaka
Año: 2017
Duración: 106 min.
País:  Suecia
Dirección: Tarik Saleh
Guion: Tarik Saleh
Fotografía: Pierre Aïm

Reparto: Fares Fares, Tareq Abdalla, Yasser Ali Maher, Nael Ali, Hania Amar, Slimane Dazi, Ger Duany, Ahmed Abdelhamid Hefny, Ahmed Khairy, Mari Malek, Ahmed Selim, Hichem Yacoubi, Mohamed Yousry

Productora: Coproducción Suecia-Dinamarca-Alemania-Marruecos; Atmo Production / Final Cut for Real / Kasbah-Film Tanger
Género: Thriller | Policíaco

Sinopsis:
Noredin, un detective corrupto con un futuro brillante en el cuerpo de policía, y cuyo principal propósito no es exactamente hacer el bien sino hacerse rico, es enviado al hotel Nile Hilton, donde acaban de descubrir el cadáver de una hermosa mujer. La identidad de ésta, sus conexiones con las élites de El Cairo y otros incidentes más personales acabarán llevando a Noredin a tomar decisiones trascendentales y a descubrirse a sí mismo.

Premios
2017: Festival de Sundance: Mejor película internacional
2017: Seminci de Valladolid: Espiga de oro, mejor director y mejor guion
2017: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
2017: Premios Guldbagge (Suecia): 5 premios, incluyendo mejor película. 8 nom

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

Ficha

2017
79 min.
V.O. en inglés subtitulada en castellano
Canada
Dirección y guion: Attiya Khan y Lawrence Jackman
Producción: Christine Kleckner, Justine Pimlott
Producción ejecutiva: Sarah Polley, Janice Dawe, Kathy Avrich-Johnson, Anita Lee, Jane Jankovic
Fotografía: Iris NG
Música: Lesley Barber
No recomendado para menores de 12 años

Sinopsis
En una calurosa noche de verano, una chica de 18 años huía de casa y corría por las calles de su ciudad temiendo por su vida. Se llamaba Attiya Khan y se escapaba de Steve, su exnovio, que había estado abusando de ella desde hacía dos años.
22 años más tarde, Attiya pide a Steve que se reúna con ella porque quiere saber cómo recuerda él su relación y si está dispuesto a asumir la responsabilidad de sus acciones violentas. Attiya decide filmar este primer encuentro con el ex que la maltrataba.
Esta reunión emocionalmente cruda marca un nuevo comienzo en el proceso de recuperación de Attiya, así como un punto de partida importante para Steve. Por primera vez, habla del abuso y abre las grietas para tratar el pasado.
Sin tener que perdonar y sin justificar los terribles abusos, A Better Man (Un hombre mejor) apuesta por la llamada “justicia restaurativa”, en la cual la víctima y el agresor buscan colectivamente la mejor solución al conflicto. En este caso, el bienestar emocional de Attiya pasa por que su agresor reconozca que se equivocó.
Una producción valiente y necesaria de la actriz y cineasta Sarah Polley que aborda un nuevo paradigma para la prevención de la violencia machista.

Sobre la dirección (Attiya Khan, Lawrence Jackman)
Attiya Khan es directora y guionista feminista. Ha sido abogada de mujeres y niños que han sido maltratados, y ha trabajado en programas de refugio familiar. Concibió la idea de la película a partir de su experiencia personal con su expareja cuando era adolescente. Como activista, ha presentado numerosos eventos y conferencias relacionados con la violencia doméstica. Junto con su familia, recientemente ha sido cofundadora de un programa de becas YWCA-Toronto para supervivientes de violencia doméstica. Lawrence Jackman es un cineasta afincado en Toronto. Durante los últimos 15 años ha trabajado en muchas películas galardonadas, principalmente documentales independientes. También trabaja como consultor editorial asociado con la National Film Board de Canadá. Como editor y director, se interesa por la narración creativa de las películas e investiga sobre los límites del género. En 2011 dirigió How Feels, un documental musical sobre la historia de una cantante con parálisis cerebral.

Premios y Festivales
•    Top 20 Audience Award, Hot Docs – Canadá, 2017.
•    Sección Oficial, Doc NYC – Estados Unidos, 2017.
•    Sección Oficial, San Diego Asian Film Festival -  Estados Unidos, 2017.

FOTOGRAFÍAS

Román Montesinos
“Nada es lo que parece ni era lo que está”

La exposición:
“Nada es lo que parece ni era lo que está”  muestra una colección de fotografías en la que se establece una simbiosis entre objetos en busca de una metáfora, un universo en que las contingencias conducen a greguerías y transportan hacia visiones imaginarias donde el humor, la crítica social y/o la ironía, son hilos conductores. La asociación de objetos dispares, puede surgir, de golpe, aleatoria o contingente, al descubrir un objeto en cualquier lugar, y otras veces es buscada, al sostener un objeto en las manos y dejar que la mente divague en pos de una nueva imagen compuesta de ambas. Las fotografías de Nada es lo que parece ni era lo que está tienen propuesto un título, pero la capacidad de cada observador y sus vivencias harán que surjan interpretaciones dispares: la mente humana compone caleidoscopios a partir de una sola imagen.

 El autor:
Román Montesinos, natural de A Coruña (España), geólogo, fue profesor universitario hasta su reciente jubilación. La que fue su especialidad, la Paleontología, condicionó su forma de pensar a la hora de establecer paralelismos críticos entre las formas, buscando analogías y diferencias. Un largo aprendizaje le ha llevado a recalar desde hace años en la fotografía. Más de cincuenta muestras individuales, varias colectivas y su participación en varios proyectos artístico-fotográficos, le han hecho un hueco entre los creadores de imágenes.
En el proyecto que presenta la Universidad de León mantiene vigente su línea de indagación y expositiva, las “metáforas visuales”, que el autor lleva desarrollando como  proyecto creativo desde hace años, y que se ha relacionado –más o menos acertadamente- con la “poesía visual” de Joan Brossa o de Chema Madoz, referencias en este campo en España. El autor propone al espectador un juego basado en alusiones y contingencias entre objetos, un diálogo entre espectador y autor en el cual, el primero es libre de reinterpretar lo expuesto adaptándolo a su singular forma de pensar. Si bien se las ha descrito como “imágenes visionarias”, pertenecen más bien al ámbito de la metáfora. Son fotografías desnudas en las cuales los objetos toman el protagonismo sobre fondos blancos, negros o neutros, mostrando el concepto sin distracciones. La imagen choca directamente con los ojos y la mente del espectador y genera una reacción.

   Este es un proyecto de apropiacionismos, capturas en la realidad cotidiana de reminiscencias, reflejos de la obra de artistas y corrientes con una identidad reconocible. La nómina de ellos es extensa y puede incluir también ismos, vanguardias, que se recuerdan mejor que los propios nombres de sus autores (casos del Land art, el Minimalismo, el Arte Conceptual, el Arte feminista, etc.). La sociedad de la imagen ha deglutido ya a muchos de ellos (caso de Miró en los carteles publicitarios, Calder en las lámparas de los pisos de estudiantes, Kandinsky en telas y tejidos  llamativos, Munch y su Grito,…) y aquí se intenta ir un poco más allá. Pero por eso mismo la obra presentada no se sostiene por sí sola en cada una de las fotografías, no siempre efectistas, no siempre estéticamente bellas, no siempre técnicamente trabajadas, la mayoría de las veces encontradas en lugares inesperados, mal iluminados. No sería, pues, el caso de fotografías “bonitas, pero casi mudas” de las que nos hablaría Luigi Ghirri. Se busca que sean precisamente locuaces. Este Proyecto tiene un relato, un por qué, y por ello debe contemplarse como un todo. Sólo cuando, despaciosamente, se interna el espectador en la senda que este relato le propone puede darse un insight de comprensión.
   Las imágenes nunca se buscaron, se tomaron donde se encontraron y lo fueron, casi en su totalidad con la óptica limitada del teléfono móvil, lo que les hace resentirse en su calidad si bien en ocasiones una imagen imperfecta puede llegar a hacer pensar en el trazo desvaído de un pincel. No hubo preparación, ni puesta en escena, ni trípode, ni espera por l’instant décisif. Hubo, eso sí, hallazgo, inquietud, sorpresa, suerte. Por eso hay tantas tomas en viajes, en el extranjero, en las calles de ciudades donde llevas los ojos preparados para mirar, sin guía ni GPS, como un flâneur. En palabras de Elliot Erwitt: La fotografía es el arte de la observación. Se trata de encontrar algo interesante en un lugar ordinario. […] tiene poco que ver con las cosas que ves y mucho con cómo las ves.
   La obra, además de su perspectiva apropiacionista, presenta otra característica que la dota de interés. ¿Se hará realidad en ella la afirmación de Borges que conjeturó que un escritor puede influir en sus antecesores?. “Su labor modifica nuestra concepción del pasado, como ha de modificar el futuro”.  La explicación de esta paradoja, extendida al mundo visual, se encuentra en el hecho de que los apropiacionistas nos fuerzan a mirar a sus epígonos a través de esos rasgos que han elegido para hacernos reconocible al autor de referencia.

   Luis Miguel Santos Unamuno se inició en la fotografía amateur gracias a contar en el hogar familiar con una sencilla ampliadora en blanco y negro y a que a principios de los 70 circularan por allí los ejemplares de una clásica revista, AF (Arte Fotográfico). Le fue así sencillo pasar de la foto de recuerdo a la fotografía con pretensiones artísticas si bien casi siempre para consumo privado. Su concepción estética, arraigada en lo abstracto, se acerca al expresionismo con ausencia casi total de personas, animales o paisajes rurales. Su herramienta ahora es el teléfono móvil, siempre en el bolsillo, poca calidad en el sensor pero dispuesto a ser disparado con celeridad. El escenario, por el contrario, sigue siendo el mismo: la ciudad, lo cotidiano, lo artificial, las luces de neón, los plásticos y metales.

ENTRADAS (8): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro
VENTA ANTICIPADA. Desde el martes 9 de mayo en: Bar Belmondo. La Buscona C/ San Lorenzo nº1
50% de descuento (*exclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Forman’s Driveway es el nombre tras el que se esconde el interior de Mario J. Delgado (Madrid, 1981), integrante de diferentes grupos en la escena nacional y leonesa, donde está afincado desde hace años. Fan efervescente de los setenta y la vida contemplativa de las pequeñas ciudades en las que se inspira su música, Forman’s Driveway es creado en 2011 como proyecto en solitario.

Mario J. Delgado combina elementos electrónicos en sus bases con canciones de corte tradicional basadas en potentes sonidos  de guitarra eléctrica, que beben del blues de los setenta y el alt country independiente de finales de los noventa, teniendo entre sus referentes grupos como: Whiskeytown, Songs: Ohia y la innegable sonoridad en sus guitarras de Hendrix, Ray Vaughan o Peter Green entre otros.
En sus directos se incorporan a las filas de esta formación los leoneses: Alex Modia (Batería), María González Arija (Voz), Carlos Arede (Bajo).

Su Ep homónimo, compuesto por siete canciones procedentes de etapas pasadas, ha sido elegido mejor disco editado Demoscópicos 2017 Mondo sonoro (Castilla y León-Galicia).

- Tradición y vanguardia cohabitan en plena armonía dentro del debut de Mario Delgado al frente de este proyecto en el que en compañía de otros músicos va tejiendo con gran riqueza instrumental  distintas capas sonoras sobre las que deslizar su voz, y cómo sucede en Runnin’Out, conmoverte sin remisión.

https://www.facebook.com/FormansDriveway/

https://soundcloud.com/formansdriveway/

https://vimeo.com/formansdriveway

http://formansdriveway.com

Forman’s Driveway se define con el imposible apelativo de ‘pseudocountryfunkypopstoper’, lleno a rebosar “de canciones bonitas y diversión para todos los públicos”

Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

SINOPSIS:
Un Barrio, nos cuenta la historia de unos personajes que viven en la calle Azucena nº 12.
Mezclan sus vidas cotidianas, con otros personajes que se cruzan por el barrio, todo en clave de humor y pasando por todas las estaciones; primavera, verano, otoño e invierno. Disfrute con las peculiaridades y el humor de los habitantes de este barrio.
¡El que vea este espectáculo, se verá obligado a divertirse sin poder evitarlo!

FICHA TÉCNICA:
Escenografía y vestuarios: Auta T de Teatro
Técnica de iluminación y Sonido: Tere Vera
Diseño gráfico: Javier Pemart
Textos: Karl Valentin y La Rue Teatro
Versión y Dirección: Mercedes Saiz

Elenco de actores:
Lola Vera
Javier Bermejo
Teresa González
Javier Pemart
Mayte García
Ricardo García