Listado de Eventos

11/01/2018

ANNA TAMAYO

Caería una tormenta que arrastraría rencores, limpiaría calles, barrería medias sonrisas y hablaría de tú a las fachadas de una ciudad que sufría los efectos de demasiados días sin lluvia.
Con la garganta seca, necesitada de aquello que lubrica deseos contradictorios…
El agua amorosa que ya llovía por todas partes, limpiando, arrastrando papeles en su pasar. Practicaba un sexo sucio con las tapas de las cloacas, haciendo sonrojarse a una niña a la cual la cascada de gotas de fiesta, como confetti loco y líquido, había sorprendido en medio de la calle.

Fragmento del texto “Caería una tormenta”

Anna Tamayo

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Categorías: Exposiciones

11/01/2018

TÁPIES

La exposición, bajo el título Tàpies (colección del grabador Barbarà), está formada por 31 obras, en su mayoría grabados Bon à Tirer del pintor catalán Antoni Tàpies pertenecientes a la colección del grabador Joan Barbarà, quien trabajó con Tàpies y también fue el grabador de Miró y Picasso, entre otros nombres destacados. Los Bon à Tirer son las piezas que el artista considera perfectas y se usan como modelo para las tiradas de grabados, que deben acercarse al máximo a su calidad. Son el número 0, que con frecuencia se queda el grabador y tienen anotaciones a lápiz del propio artista.

Las obras que componen la exposición abarcan un amplio repertorio estilístico del autor, pudiéndose apreciar las diversas fases creativas de Antoni Tàpies, aunque predominan obras de la década de los años 80, en la que Tàpies recibió homenajes como el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), o la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983).

En la exposición encontramos un grabado de gran tamaño, que ya fue expuesto en la ciudad de León como parte de la muestra ‘Maestros Modernos’.(2009)

La exposición “Tàpies (colección del grabador Barbarà)” ha sido adquirida en su totalidad a los herederos del grabador Joán Barbará y constituye un homenaje y un reconocimiento a la figura de este destacado grabador quien afirmaba disfrutar con la colaboración con Tápies por su enorme exigencia y su espíritu de vanguardia.

Federico Fernandez.
Director cultural de FUNIBER.

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Categorías: Exposiciones

11/01/2018

EXPOSICIONES

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO

INFORMACIÓN en:
https://www.unileon.es/noticias/la-ule-entrega-los-premios-del-concurso-de-fotografia-contra-la-violencia-de-genero

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Categorías: Exposiciones

11/01/2018

DAVE RILEY BAND

Entradas 6 €: a partir de media hora antes del concierto en taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

Dave Rileynació en Hattiesburg, Mississippi, el 18 de marzo de 1949. Sus padres se trasladaron a Chicago cuando él era un niño pequeño, dejando Riley y cuatro hermanos en el cuidado de sus abuelos. Los abuelos de Riley poseían campos de algodón y trabajaba en ellos. Riley comenzó a tocar la guitarra a los nueve años, pero no se tomó en serio la guitarra hasta que se reunió con sus padres en Chicago en 1961. El padre de Riley era un predicador en la Iglesia de Dios en Cristo. Cuando el resto de la familia se mudó a Chicago, comenzaron una banda familiar llamada "The Riley Singers", dice Riley, "Mi padre empezó a entrenarnos, él y mi tío Sam, para cantar música gospel. Y solían gritarte en ese entonces y hacerte cantar -dijo Riley-.

Poco después de la llegada de Riley a Chicago, su familia se trasladó desde el lado norte a un proyecto de vivienda en el West Side, cerca del mercado de Maxwell Street, donde escuchó por primera vez blues en vivo. Riley también recuerda ver Howlin 'Wolf actuar a través de las puertas abiertas de un club local, y aunque sus padres trataron de mantenerlo dentro de la esfera de la iglesia, logró escabullirse y tocar canciones de Motown Songs con otros niños.

Después de graduarse de la escuela secundaria, Riley fue reclutado para el servicio en Vietnam. Después de la formación básica, estuvo brevemente en el estado de Washington, donde asistió a un espectáculo de Jimi Hendrix, un nativo de Seattle, que se convirtió en una gran influencia en el joven guitarrista.

Después de su liberación Riley se casó con su actual esposa, Tanja, y después de que ella quedó embarazada de su hijo, Riley dejó la música del alma para tocar el evangelio con el grupo de Tanya, el Mighty Gospel Wonders. Poco después, compró una casa en los suburbios y comenzó a trabajar como guardia de prisión en la Penitenciaría Estatal de Joiliet, trabajo que desempeñó durante unos 25 años. Riley confiesa libremente que la mayor parte del tiempo fue alcohólico y drogadicto, hábitos que cogió en Vietnam. Pasó la última parte de los años 80 tratando de sacudir sus adicciones y ha estado sobrio desde 1989.

Dave Riley se encontró en la década de los 70 tocando bajo, y de vez en cuando tocando con Muddy Waters, Junior Wells, Buddy Guy y Howlin Wolf. En 1973, renunció a su carrera musical en el camino para ayudar a criar a su único hijo, Dave L. Riley, Jr. Ahora que su hijo ha crecido, Riley continúa con su carrera musical. Riley formó su propia banda en 1996 y pronto reclutó a su hijo, Dave "Yahni" Riley, Jr., para tocar el bajo.

En 1998 el cuello de Riley se rompió en un accidente de coche con un conductor ebrio, terminando su carrera en la prisión y dejándolo incapaz de tocar la guitarra durante nueve meses. Ahora ha recuperado la mayor parte de su capacidad de juego. Su primer CD, Living on Borrowed Time, es la historia de sus propias tragedias personales. Su segundo CD, Blues Across America ha sido un gran éxito. En este momento está ocupado recorriendo todo el país con su banda. Además de su hijo, su banda está formada por el baterista Sam Carr y del armonicista de Arkansas, John Weston.

http://www.bel7infos.eu/dave-riley-infos/

Sesiones: 17:30 h. y 20.10 h.
ENTRADAS (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en taquilla
50% de descuento Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Demasiado cerca
Título original: Tesnotaaka
Año: 2017
Duración: 118 min.
País: Rusia
Dirección: Kantemir Balagov
Guion: Kantemir Balagov, Anton Yarush
Fotografía: Artem Emelianov
Reparto: Darya Zhovner, Olga Dragunova, Veniamin Kac, Atrem Cipin, Nazir Zhukov
Productora: Lenfilm Studios / Alexander Sokurov's Fund / Example of Intonation
Género: Drama | Secuestros / Desapariciones
Sinopsis: 1998, Nalchik. Una familia judía recibe un día una noticia terrible. El hijo más pequeño y su esposa no vuelven a casa, y a la mañana siguiente reciben una nota de secuestro. El rescate que piden es tan alto que la familia se ve obligada a vender su pequeño negocio y a buscar ayuda a su alrededor. (FILMAFFINITY)
Premios
2017: Festival de Cannes: Un Certain Regard (Sección oficial)

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Categorías: Cine

30/01/2018

BINA DEVI LAISHRAM ENSEMBLE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes en la taquilla del teatro
50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DANZA MANIPURI: BINA DEVI LAISHRAM
Manipuri es la danza clásica de la Indiaperteneciente a la región de Manipur en el noreste de este país. Es una danza en la que se pueden encontrar diferentes estilos que pueden ir desde lo suave y femenino hasta lo vigoroso y masculino.
Como en la mayoría de estas danzas, existe un fuerte contenido religioso y de adoración, en este caso asociado al culto Vaishnav del hinduismo donde se narran muchas partes de la vida del Señor Vishnu. Las versiones sobre su origen son variadas, algunas incluso tienen algún componente de leyenda como que los habitantes de Manipur se consideran a sí mismos Gandharvas, que eran músicos y bailarines de las cortes de la antigua India.
A diferencia de otras danzas de la India, en el manipuri no se usan pulseras con cascabeles en los tobillos para marcar el ritmo sino que este se da por el instrumento que tradicionalmente se usa, el pung.
Grupo de 10 músicos y bailarines liderados por Bina Devi Laishram.

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Categorías: Música

03/02/2018

Laboratorio generación ARTes Artes Escénicas

Entradas (8 €): a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro.
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné universitario y DNI

Teatro-debate
Laboratorio generación ARTes Artes Escénicas, presenta:
“En Alta Mar”
Autor: Slawomir Mrozek
Dirección: Rodrigo Puertas

La obra
‘En alta mar’ (titulada originalmente como ‘Na pelnym morzu’ y conocida en inglés como ‘At sea’) pertenece al estilo del teatro del absurdo, es decir con tramas que parecen no tener sentido e incluso secuencia dramática. Mrozek se caracterizaba por su humor surrealista para cuestionar a la sociedad.
La antropofagia es el tema central. La obra, escrita en los 60, parte de éste feroz conflicto para navegar por temas tan actuales como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.
A partir del irreverente humor de Slawomir Mrozek, la pieza plantea una visión crítica del mundo contemporáneo a través de unos personajes que, enfrentados a determinadas situaciones sociales, llevan hasta el límite la lógica de los estereotipos que simbolizan.
La obra, caracterizada por una singular carga irónica, explora el comportamiento humano, la alienación y el abuso de poder. “En alta mar”, en una atmósfera absurda y mediante un corrosivo humor está protagonizada por tres náufragos, extrañamente vestidos de manera elegante, que se ven obligados a tomar peculiares decisiones para sobrevivir. Partiendo de un feroz conflicto, la obra aborda asuntos de vigencia permanente como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.
Ironía, juegos, alianzas, estrategias, histrionismo, burlas y humor… son ingredientes de este espectáculo que permite dar rienda suelta a la imaginación y penetrar en un mundo que refleja la esencia primaria del ser humano. En definitiva, la obra, en una original puesta en escena, muestra un retrato de la naturaleza humana.

Sinopsis
Tres náufragos que se ven obligados a tomar decisiones “políticas” para sobrevivir y soportar las condiciones de vida correspondientes a su soledad y falta de medios, incomunicación, etc. Partiendo de un feroz conflicto derivado de la antropofagia, la obra aborda asuntos de vigencia permanente como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.

Ficha artística
Autor: Slawomir Mrozek
Dirección: Rodrigo Puertas
Música: Varios autores.
Diseño iluminación: Rodrigo Puertas
Diseño escenográfico y de vestuario: Laboratorio generaciónARTes
Construcción escenográfica: Laboratorio generaciónARTes
Vestuario: Laboratorio generaciónARTes
Reparto:
Vero Ramírez
Laia Costajussà
Ricardo Galán

EL AUTOR
Slawomir Mrozek (Borzecin, 1930), escritor polaco de culto. Su visión crítica del mundo contemporáneo se expresa en obras de teatro cuyos personajes, enfrentados a determinadas situaciones sociales, llevan hasta el límite la lógica de los estereotipos que simbolizan y caen en el absurdo.
Algunas de sus piezas más representativas son Striptease (1961), Tango (1964), Los Emigrados (1974), El Embajador (1981) y El Residente (1986). Ha publicado también varios volúmenes de
narraciones cortas, entre las que figuran: El Elefante (1957), El Progresista (1960) y Un Ratón en el Armario (1970).

Laboratorio generaciónARTes Artes Escénicas

El laboratorio de creación escénica generaciónARTes es un proyecto de experimentación e investigación teatral, dirigido por Rodrigo Puertas, creado a partir del entrenamiento actoral de varios intérpretes, en su búsqueda de nuevos lenguajes de expresión escénica.
El texto de Slawomir Mrozek fue el punto de partida de un trabajo en torno al teatro del absurdo. Se analizó la interpretación textual y gestual de los personajes a nivel espacial. Uno de los objetivos fundamentales fue descubrir nuevas formas de comunicación verbal y no verbal, en espacios muy reducidos, ya que toda la pieza transcurre en una balsa de cuatro metros cuadrados. Se realizó un trabajo corporal profundo, de contención, control, expresión a través del movimiento acompañado de piezas musicales. En éstas, concebidas como transiciones a las diferentes acciones que plantea la obra, se ve cómo los personajes se vas descomponiendo o desarmando a medida que avanza la obra.

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Facultad de Filosofía y Letras

REFUGIADOS BIENVENIDOS (documental)
Facultad de Educación

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del Teatro.

AUJOURD'HUI
Título original: Aujourd'hui
Año: 2012
Duración: 86 min.
País: Senegal
Dirección: Alain Gomis
Guion: Alain Gomis
Música: Djolof Mbengue, Assisco Bana, Niairi Tally
Fotografía: Crystel Fournier
Reparto: Saul Williams, Djolof Mbengue, Anisia Uzeyman, Aïssa Maïga, Mariko Arame, Thierno Ndiaye Doss, Alexandre Gomis, Anette Derneville Ka, Hélène Gomis, Charlotte Mendy, Tony Mendy, Jean Mendy, Marlène Niang, Sané Diankha, Bass Diakhaté
Productora: Coproducción Senegal-Francia; Granit Films / Maïa Cinéma / Cinekap / Agora Films / TV5 Monde
Género: Drama

Sinopsis: Hoy es el último día de su vida y lo sabe a pesar de encontrarse más fuerte y saludable que nunca. Aún y así, Satché acepta su prematura muerte caminando a través de las calles de su Senegal y encontrándose con su pasado como si fuera la última vez que se reencontrará con él: la casa de sus padres, su primer amor, sus amigos de la juventud o su mujer e hijos, escuchando de todos ellos una y otra vez el mismo reproche: ¿por qué no te quedaste en América donde seguro, tendrías un futuro por delante? Pregunta a la que nunca tendremos respuesta mientras Satché se enfrenta a los últimos momentos de su vida envuelto en el más absoluto temor pero también invadido por un curioso sentido de la diversión.

Premios:
2012: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes
2012: Festival de Monterrey: Mejor película

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Categorías: Cine

14/02/2018

LE CHALLAT DE TUNIS

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del Teatro.

LE CHALLAT DE TUNIS

Título original: Le Challat de Tunis
Año: 2014
Duración: 90 min.
País: Túnez
Dirección: Kaouther Ben Hania
Guion: Kaouther Ben Hania
Música: Benjamin Violet, Si Lemhaf
Fotografía: Sofiane En Fani
Reparto: Jallel Dridi, Moufida Dridi, Mohamed Slim Bouchiha, Narimène Saidane
Productora: Coproducción Tunez-Francia; Cinétéléfilms / Sister Productions / Dubai Media and Entertainment Organisation in association with Dubai Film Market (Enjaaz)
Género: Drama. Documental| Crimen

Sinopsis: Túnez, verano de 2003. Challat, un hombre en motocicleta con una navaja de afeitar en la mano, merodea por las calles. Diez años más tarde, después de la revolución, cuando la verdad parece al alcance de la mano, una obstinada directora de cine quiere seguir la pista de Challat, decidida a descubrir el misterio a toda costa.

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Categorías: Cine

17/02/2018

LA TARARA, presenta: "LA DESCOMPOSICIÓN DE COURTNEY"

TEATRO. CREACIÓN INJUVE
Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

ENCUENTRO CON EL PÚBLICO: DESPUÉS DE LA FUNCIÓN SE REALIZARÁ UN DEBATE SOBRE EL TRABAJO TEATRAL REPRESENTADO, CON LOS ESPECTADORES QUE QUIERAN PARTICIPAR EN EL MISMO.

LA TARARA, presenta: "LA DESCOMPOSICIÓN DEE COURTNEY"

TEXTO Y DIRECCIÓN - Marie Delgado
AYUDANTE DE DIRECCIÓN - Jose W Paredes
ELENCO
Carlos Agudo - Courtney
Alex Cortés - Kurt
Marie Delgado - Frances
ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN - Jose W Paredes y Alejandro Carrillo
ASISTENTE DE ESCENOGRAFÍA, CARACTERIZACIÓN Y VESTUARIO - Ana Rocío Dávila
DURACIÓN - 60 minutos

SINOPSIS
La descomposición de Courtney retrata la historia de una pareja de jóvenes roqueros; Kurt Cobain, Courtney Love, quienes deciden mudarse a un pequeño estudio donde ser felices y criar a su bebé Frances. No obstante, su deseo se truncará con la llegada repentina de un enorme éxito profesional y artístico, adentrándoles en el mundo de las drogas y sumergiéndose en todo tipo de excentricidades.
La tragedia se cierne sobre la familia Cobain cuando Courtney, poseída por los celos, decide asesinar a Kurt. A partir de este instante su hija Frances comienza a tramar una venganza contra su madre debido al trauma ocasionado. Courtney no parará de obsesionarse por la cirugía estética y ofrecer numerosos escándalos ante la prensa. Mientras, Frances, ya adolescente, vive sin piedad la maldad de su madre, cada vez de manera más malvada y grotesca con todos los que la rodean. Finalmente, la cara de Courtney llega a convertirse en una máscara de látex.
Frances termina abandonando a su madre y su hogar, desechando toda posibilidad de venganza, esperando un futuro más racional en soledad.

LA COMPAÑÍA
“Nos sentimos identificados con muchas cosas,
sobretodo, con todo lo peor”.
La Tarara se crea en 2011 de la mano de tres actores y un escenógrafo procedentes de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla, con el deseo de explorar nuevas fórmulas en las artes escénicas. Así como realizar espectáculos que engloben la danza, el canto y la interpretación desde una mirada fresca e inusual.
Han sido reconocidos por sus espectáculos en festivales nacionales e internacionales, obteniendo el premio a mejor espectáculo en el FITU de la Ciudad de México y el ITSELF Festival de Varsovia en 2015, donde además se les premió como mejores actores y mejor diseño de iluminación.
Recibieron la nominación a “Mejor compañía” por "El niño Adefesio" en los IV Premios Lorca del Teatro Andaluz en 2016 y se alzaron con el “Premio Revelación” en el Sevilla Fest 2017.

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Categorías: Artes escénicas

18/02/2018

GRANDEZA Y DECADENCIA DE UN PEQUEÑO COMERCIO DE CINE

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

GRANDEZA Y DECADENCIA DE UN PEQUEÑO COMERCIO DE CINE

Título original: Série noire: Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma (TV)
Año: 1986
Duración: 92 min.
País: Francia
Dirección: Jean-Luc Godard
Guion: Jean-Luc Godard (Novela: James Hadley Chase)
Fotografía: Caroline Champetier, Serge Le François
Reparto: Jean-Pierre Mocky, Marie Valera, Jean-Pierre Léaud
Productora: Coproducción Francia-Suiza; Emitida por TF1; JLG Films / TF1 / Hamster Productions / Télévision Suisse-Romande (TSR) / RTL
Género: Drama | Telefilm. Cine dentro del cine. Neo-noir

Sinopsis:
El director Gaspard Bazin está preparando un nuevo largometraje y organiza castings para elegir a los figurantes. Por ahora se encuentra en proceso de financiación. Hizo un llamamiento a Jean Almereyda, un antiguo productor de moda venido a menos al que le cuesta cada vez más conseguir financiación para arrancar sus proyectos. Por su parte su esposa, Eurídice, sueña con ser una estrella de cine. Mientras Almereyda arriesga su vida para financiar la película, Gaspard elige a Eurydice como protagonista... Adaptación de la novela policíaca "The Soft Centre" de James Hadley Chase.

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Categorías: Cine

20/02/2018

PARVATHY BAUL (Kerala-India)

Entradas (6 €): a partir de media hora antes de la actuación en taquilla

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carné Universitario y DNI

Página web oficial

http://parvathybaul.srijan.asia/

Parvathy Baul (nacida en 1976) es una cantante de música folk Baul y narradora india, además es una de las artistas más reconocidas de la música Baul de la India. Se formó bajo la tutela de los gurús como Baul gurus, Sanatan Das Baul, Shashanko Goshai Baul en Bengala. Además ha estado llevando a cabo sus giras de conciertos, tanto en la India como en otros países desde 1995.

Está casada con Ravi Gopalan Nair y basa su residencia en Thiruvananthapuram en Kerala, desde 1997, donde también trabaja como profesora de música en el "Ektara Baul Sangeetha Kalari" una escuela superior de la música Baul.

Baul nació bajo su nombre verdadero de Mousumi parial, en el seno de una familia tradicional bengalí brahmán de Bengala Occidental. Su familia era originaria de Bengala Oriental y luego emigró a Bengala Occidental, después de la partición de la India. Su padre, un ingeniero que trabajó con los Ferrocarriles de la India, estaba interesado por la música clásica de la India. A menudo llevó a su hija diferentes conciertos. Su madre, una ama de casa, era devota del santo místico de Ramakrishna. Debido a la publicación de su padre en diversos lugares de la región, ella creció en Assam, Cooch Behar. Además dio un examen que le permitió pasar de la escuela secundaria a una escuela superior llamado Sunity Academy, en Cooch Behar.

Aunque ella comenzó por actuar en 1995, en 1997 llegó a Thiruvananthapuram en Kerala, para aprender acerca de las tradiciones espirituales y las actuaciones en teatros locales. Ella conoció a Ravi Gopalan Nair, que era un titiritero profesional de Kerala. Aprendió la técnica de los títeres, utilizado el teatro para las actuaciones de Ravi y en el 2000 viajó con él, para presentarse en el Bread and Puppet Theater en Vermont, Estados Unidos. Luego estudio con el creador de Peter Schumann, conocido por sus actuaciones de títeres, en una de las obras de arte en vivo que era adaptada también en los teatros. Antes de esto, ella trabajó también con otra compañía de teatro durante cinco meses, sus actuaciones se llevaron a cabo en la Expo 2000 en Hannover, Alemania. En Thiruvananthapuram, ella se reunió con Abdul Salam, un fakir Kalandar musulmana, que se convirtió en su gurú. Con él encontró su vocación musical y que le enseñó sobre el significado de lo espiritual en la música tradicional.

Baul, Parvathy (2005). Song of the Great Soul: An Introduction to the Baul Path. Ekatara Baul Sangeetha Kalari.

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Categorías: Música

21/02/2018

Taller de Composición de Relatos. Nivel Medio

INFORMACIÓN Y MATRÍCULA en:

http://extensionuniversitaria.unileon.es/euniversitaria/curso.aspx?id=1345

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Categorías: Talleres

22/02/2018

LETTRE D'AMOUR ZOULOU (Sudáfrica)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del Teatro.

ZULU LOVE LETTER (LETTRE D'AMOUR ZOULOU)

Título original: Zulu Love Letter (Lettre d'amour zoulou)
Año: 2004
Duración: 105 min.
País: Sudáfrica
Dirección: Ramadan Suleman
Guion: Bhekizizwe Peterson, Ramadan Suleman
Música: Zim Ngqawana
Fotografía: Manuel Teran
Reparto: Pamela Nomvete, Mpumi Malatsi, Sophie Mgcina, Kurt Egelhof, Connie Mfuku
Productora: Coproducción Sudáfrica-Francia-Alemania; Hollybell / FMB2 Films / ZDF/Arte / JBA Production / Natives at Large
Género: Drama
Sinopsis: Thandeka siente aún el dolor y la ira causados por el horror del apartheid. A pesar del nuevo optimismo de Johanesburgo, esta mujer de treinta años, madre soltera y periodista, no puede ahuyentar a sus propios demonios. Su trabajo se resiente y está perdiendo la relación con su familia. Thandeka tiene que volver a enfrentarse a su pasado al ser contactada por Me'Tau, la madre anciana de una activista estudiante, Dineo, que fue asesinada por matones del apartheid. Ahora Me'Tau le implora que testifique delante de la nueva Comisión por la Reconciliación y la Verdad (TRC), para poder recuperar los restos de su hija y enterrarla según el rito.

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Categorías: Cine

22/02/2018

POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS (de ORIENTE a OCCIDENTE)

SALAS DE EXPOSICIONES ATENEO CULTURAL EL ALBÉITAR ULE
POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS (de ORIENTE a OCCIDENTE)
Pintura, fotografía y obra gráfica.

SHOJI HARIKAE

SOUSAI INADA
MAIKO MAEDA
VICENTE MOLINA
NORBERTO NOSTI
22 febrero – 22 marzo 2018

22/02/2018

POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS (de ORIENTE a OCCIDENTE)

POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS (de ORIENTE a OCCIDENTE)
Pintura, fotografía y obra gráfica.

Consulta la INFORMACIÓN DE CADA UNO DE LOS ARTISTAS en los siguientes archivos adjuntos:

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Archivos adjuntos:

Categorías: Exposiciones

22/02/2018

¿DÓNDE ESTÁ LEÓN EN TU OBRA?

El Grupo 0´19, formado por tres artistas leoneses, Luis Carlón López, Iñaki Zabala Herrero y Carlos G. Aláiz, que ya cuentan, de manera individual o agrupados, con un bagaje expositivo, Presentan la exposición “¿Dónde está León en tu obra?”, en la que muestran obras de diferentes influencias artísticas, figurativas y abstractas, que abarcan el minimalismo, el expresionismo, el arte conceptual, la ilustración infantil y el surrealismo, con técnicas como el grabado, el óleo y la mezcla de acrílico con cemento. Gran número de dichas obras son inéditas. Estos artistas pretenden trasladar al espectador el interrogante que plantean en el título, pues a veces el lugar donde se ha nacido o se vive aparece en las obras de un autor sin que este sea realmente consciente de ello.

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Categorías: Exposiciones

23/02/2018

L’ OEIL DU CYCLONE (Burkina Faso)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del Teatro.

L'OEIL DU CYCLONE
Título original: L'oeil du cyclone
Año: 2015
Duración: 97 min.
País: Burkina Faso
Dirección: Sékou Traoré
Guion: Christophe Lemoine, Luis Marquès
Música: Thierry Malet
Fotografía: Pascal Baillargeau
Reparto: Fragass Assandé, Maimouna Ndiaye, Abidine Dioari, Issaka Sawouadogo, Jacob Sou, Serge Henry, Fatou Traoré
Productora: Coproducción Burkina Faso-Francia-Camerún; Les Films d'Avalon / Abissia Productions / VYNAVY Productions
Género: Drama | África. Infancia. Drama psicológico

Sinopsis: Niños. Soldados. Algunas palabras no pegan. En un país africano devastado por la guerra civil, un joven e idealista abogado debe defender a una rebelde acusada de crímenes de guerra. A través de los desencuentros entre el abogado y la niña soldado, se confrontan las dos caras del África actual.

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Categorías: Cine

24/02/2018

VISCEPATIK (Cataluña), presenta: Bits & Beats (Creación colectiva)

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

Encuentro con el público: después de la función se realizará un debate sobre el trabajo teatral representado, con los espectadores que quieran participar en el mismo

Compañía artística… Colectivo VISCEPATIK

Nacimiento…………. 2012, Brujas. Bélgica

Proyecto…………….. BITS & BEATS

. “Bits & Beats” es la última pieza artística interactiva del grupo VISCEPATIK, galardonada con los premios nacionales de creación INJUVE. Un trabajo multidisciplinar basado en la combinación de las nuevas tecnologías digitales con el teatro tradicional, creando una pieza escénica repleta de recursos audiovisuales que van cambiando y evolucionando durante toda la obra.

Sobre la escena, la pieza recrea un taller de construcción de autómatas, uno muy especial, lleno de variopintos sensores digitales que foman parte del efectivo pero invisible equipo de trabajo.
Los protagonistas interactúan en directo con estas singulares máquinas a través de sus movimientos, creando a su vez la escena, sumergiendo a actores y espectadores en un espacio onírico que sobrepasa la imaginación. Audiovisuales, proyecciones, realidad virtual, elementos reactivos, … todos los contenidos digitales se crean en directo, complementando la escena real. Cada gesto humano de la obra tiene un eco único sobre la escénica audiovisual, creando con cada representación teatral una irrepetible pieza artística.

Los tres artistas residentes en Barcelona profundizan con este trabajo sus exploraciones en el campo de las nuevas tecnologías, iniciada en Bélgica, y que les han llevado por España, Francia o República Checa en diferentes eventos artísticos y colectivos creativos.

Contacto……    www.viscepatik.es /viscepatik@gmail.com

        @VISCEPATIK @ Facebook/Vimeo/Blogspot/SoundCloud
        @NOTMEVJ @ Facebook/Vimeo/Instagram/

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Categorías: Artes escénicas

25/02/2018

ZAMA (Argentina) Dir.: Lucrecia Martel

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Zama
Año: 2017
Duración: 115 min.
País: Argentina
Dirección: Lucrecia Martel
Guion: Lucrecia Martel (Novela: Antonio Di Benedetto)
Fotografía: Rui Poças
Reparto: Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas, Rafael Spregelburd, Daniel Veronese, Vando Villamil
Productora: Coproducción Argentina-España-Francia-México-Brasil-Estados Unidos-Países Bajos (Holanda); Rei Cine / El Deseo S.A / Canana Films / KNM / Bananeira Filmes / Louverture Films / Netherland Filmfund / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)
Género: Drama | Siglo XVIII

Sinopsis: Narra la historia de Don Diego de Zama, un oficial español del siglo XVII asentado en Asunción que espera su transferencia a Buenos Aires. Es un hombre que espera ser reconocido por sus méritos. Pero en los años de espera pierde todo. Decide atrapar un peligroso bandido y recuperar su nombre... Basada en la novela existencial de Antonio Di Benedetto escrita en 1956. (FILMAFFINITY)

Premios
2017: Premios Goya: Nominada a mejor película hispanoamericana
2017: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado (Mención especial)
2017: Premios Sur: 11 nominaciones incluyendo mejor película y director
2017: Festival de La Habana: Mejor dirección, dirección artística, sonido y FIPRESC

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Categorías: Cine

27/02/2018

MONTSERRAT EGEA (violonchelo) AMAIA ZIPITRIA (piano)

Concierto Juventudes Musicales

P R O G R A M A

N. Myaskovsky. Cello Sonata No. 2, Op. 81

E. Granados/ G. Cassadó. Intermezzo from Goyescas.

J. Brahms. Scherzo en Do menor (adaptación para Cello y piano)

S. Prokofiev. Adagio from the Ballet Cirendella, Op. 97bis

P. I. Tchaikovsky. Pezzo Capriccioso, Op. 62

G. Cassado. Requiebros

Montserrat Egea - Violoncello
Amaia Zipitria - Piano

Montserrat Egea nace en Toledo en 1997. Comienza sus estudios musicales a la edad de cinco años continuando su formación con los profesores María Casado, Asier Polo y más tarde Michal Dmochowski. Ha sido alumna del Centro Superior del País Vasco, Musikene (2015-2017). Desde el curso académico 2017-2018 es alumna de la Escuela de Música Reina Sofía en la cátedra de Iván Monighetti. Durante su trayectoria formativa ha recibido consejos de los maestros María de Macedo, Stephan Forck, Emil Rovner, Enrico Dindo, Peter Bruns, Philippe Müller, Jens Peter Maintz, Wolfgang Emmanuel Schmidt, Ensemble Modern, entre otros.
En 2016, fue galardonada con el Primer Premio en la modalidad de cuerda del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y el premio EMCY.
Como solista, ha actuado con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Musikene y con la Orquesta Sinfónica de RTVE.
En el ámbito de la música de cámara es miembro del Trío Amets con el que próximamente actuará en la Quincena Musical de San Sebastián y en la Fundación Juan March de Madrid. Es miembro de West-Eastern Divan Orchestra desde 2016. También ha colaborado con la Orquesta Schleswig-Holstein.
Ha obtenido premios en numerosos concursos tanto en el ámbito nacional como internacional. Entre ellos destacan Primer Premio en el Concurso Jóvenes Promesas de Violoncello 'Jaime Dobato Benavente' (2012 y 2014), Tercer Premio en el Concurso Internacional Dotzauer Dresden (2009 y 2013). En 2012, Tercer Premio y Premio al Mejor Intérprete de Cuerda en el Concurso Nacional “Intercentros Melómano”.

Amaia Zipitria Zugasti. Nace en Andoain (Gipuzkoa) . Cursa sus estudios en Andoain con Luis Fraca y Myriam Ulanga, en San Sebastián con Gonzalo Trevijano, en Baiona con Mme. Doué y en el Conservatorio Superior de Rotterdam con Barbara Grajewska. Título superior de piano y música de cámara con las más altas calificaciones.
Como integrante de la J.O.N.D.E (Joven Orquesta Nacional de España) desde 1993 a 1998 y colaboradora de orquestas como R.T.V.E, O.N.E, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, etc. ha sido dirigida por grandes maestros.
Pianista acompañante en la cátedra de violín de Zakhar Bron en la escuela Reina Sofía de Madrid, Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares y otros tantos cursos magistrales. Actualmente es profesora de Repertorio en el Conservatorio Superior del País Vasco Musikene y pianista del Orfeón Donostiarra.
Su labor concertística le lleva a auditorios como el Nacional de Madrid y Barcelona, Zaragoza, Sevilla, Málaga, Oviedo, Euskalduna de Bilbao, Kursaal, etc., y fuera de España en Croacia, Italia, Francia e Inglaterra.
Entre sus grabaciones destaca la Sonata nº2 de Jesús Villa-Rojo junto con el violoncellista Asier Polo (NAXOS) y la versión de grupo de cámara de Babar, Poulenc con componentes de la Orquesta de Cadaqués (TRITO).

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Categorías: Música

02/03/2018

FERNANDO BARROSO (Galicia)

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

FERNANDO BARROSO (Galicia)

Fernando Barroso es un músico, compositor y productor gallego, nacido en Ferrol en 1979. Doctorado en Química-Física por la Universidad de Vigo en 2010, desde 2011 se dedica exclusívamente a la producción musical y a la participación en diferentes proyectos musicales en Galicia. Ha formado parte de TRIM y de las bandas Riobó y Budiño, y ha colaborado con artistas de la talla de Anxo Lorenzo, Xabier Díaz o Julio Pereira. También formó parte de la mítica banda paratradicional ferrolana Os Cempés durante su última etapa, también co-fundador del trío internacional Assembly Point con Eoghan Neff y Luís Peixoto. Con este último ha co-producido otros trabajos como POP (2013) o TRIM (2014), además de producir discos para otros artistas (Andrés Penabad, RIU, Wanderer...). En 2016 también formó parte del laboratorio creativo NEXO, dirigido por Donald Shaw, junto con músicos de distintos países de América y Europa. Su bagaje internacional a lo largo de estos años le ha llevado a tocar en importantes palcos de todo el mundo, con diversas bandas y proyectos personales, y que desemboca en el inicio de su carrera en solitario, presentando su primer disco Intropía en 2016 y este nuevo trabajo Silence lovers club – Mandolin pieces, con
lanzamiento en enero de 2018. Entre otros galardones ha recibido recientemente el “Premio Opinión ao Mellor Artista Galego 2016”.

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Categorías: Música

03/03/2018

MENUDA COMPAÑÍA (León – Madrid), presenta: “Uno dos, estrella”

Entradas 8 €: a partir de media hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

UNO DOS, ESTRELLA cabaré poético de Menuda Compañía:
Marcos García Barrero, textos;
Chefa Alonso, música.
Duración del espectáculo: 70´ aprox.

Sinopsis
Uno dos, Estrella es un diálogo entre un músico (Chefa Alonso), un actor (Marcos García Barrero) y el público. Chefa Alonso improvisa, lanza, redobla y responde a las palabras que Marcos García Barrero profiere, escupe, canta y evoca para el público, una realidad fantasmal o su propia memoria.
En Uno dos, Estrella hay cuarenta universos organizados en cinco movimientos. Cada uno de ellos tiene una atmósfera musical e interpretativa; cada uno de ellos contiene un conjunto de seres o presencias que acompañan a los intérpretes durante los setenta minutos que dura la función.
El espectáculo es un muestrario de fragmentos que poco a poco van cobrando sentido. Alonso y García Barrero edifican con ellos un paisaje urbano en el que vive una mujer llamada Yo, hay zombis que bailan con chicas guapas, un barco no sabe si querer a un padre o a su hija, los monstruos se desorientan, las discotecas recuerdan ciertos pasos de baile y un príncipe danés procura librarse de su padre. De la música sale el aroma del jazz, la música popular y los chirridos de un frenazo en seco.

MENUDA COMPAÑÍA está formado por:
Marcos García Barrero, actor y escritor y Chefa Alonso, compositora, músico e improvisadora.
Menuda Compañía nace con el propósito de aunar música y teatro mediante creaciones originales abordadas desde una mirada conpemporánea e interdisciplinar.
Los referentes musicales, además de la improvisación libre y el free jazz, son la música de raíz popular y la música de baile.
Los textos tienen como punto de partida el monólogo dramático, el stand-up comedy, la narración y la sátira.

FICHA ARTÍSTICA
MARCOS GARCÍA BARRERO (https://marcosgarciabarrero.wordpress.com)
Marcos García Barrero trabaja como actor profesional de forma ininterrumpida desde el año 2000. Como actor ha colaborado con los directores Juan Diego Botto (Hamlet, Teatro María Guerrero), Ana Kuntzelman (compañía Snomians), Darío Facal, Ana Contreras (King Lear) y Juanfra Rodríguez, entre otros; y, también, con el Premio Nacional de Danza Chevi Muraday (Morfología de la soledad), la cantante-performer Fátima Miranda (Per-versiones), el video-artista Miguel Espada (www.espadaysantacruzestudio.com) y el poeta Gonzalo Escarpa.
Como escritor se dedica a la creación de textos de ficción y a la escritura de investigación (teoría literaria y escena contemporánea) en la UNIR, el Instituto del Teatro de Madrid, la Universidad Complutense y la revista internacional The Theatre Times. Es Doctor en Literatura Comparada por la UAM y licenciado en interpretación textual por la RESAD. Tras terminar su formación teatral se especializa en la palabra hablada y cantada gracias a su trabajo con Concha Doñaque, Vicente León, Esperanza Abad, Vicente Fuentes, Ani Sun, Gyllyanne Kayes (Londres. http://vocalprocess.co.uk/), Tage Larsen (Teatro Odín) y Greg Hicks (Royal Shakespeare Company).
En el año 2001 funda –junto a Darío Facal– la compañía Metatarso Producciones, donde trabaja hasta el año 2009. Tras este periodo se inicia su etapa inglesa en Londres donde trabaja como actor e imparte clases de interpretación, improvisación y devised theatre (escritura colaborativa) en la RADA de Londres junto a la compañía anglo-francesa Echange Theatre.
A su regreso a Madrid estrena –como actor, dramaturgo y director– la obra teatral Que al fin respire (2011), una fabulación libre sobre el mito de Orfeo en el siglo XXI. El montaje se estrena en el Festival La Alternativa de la antigua Sala Triángulo. Ha participado en el festival Surge Madrid (la edición de 2015 en Espacio Labruc y la de 2014 en El sol de York –el actual teatro de la UNIR– con Javier Ortiz). Del año 2002 al 2006 es un habitual del Ciclo Autor de Escena Contemporánea donde estrena a Heiner Müller, Botho-Strauss, Jean-Luc Lagarce y Caryl Churchill, entre otros. Actúa en la Wolksbühne de Berlin (Madrid Laberinto XXI, 2008), en el Studiobühne del Festival de Colonia (2004), en el festival CIFET de El Cairo (2005) y en el Henley Festival de Londres (Men on the verge of an hispanic breakdown, 2010).

CHEFA ALONSO
Es doctora en Performing Arts por la Universidad de Brunel (Londres, 2007). Ha publicado los libros: Enseñanza y aprendizaje de la improvisación libre. Propuestas y reflexiones (Madrid, 2014, Editorial Alpuerto) e Improvisación libre. La composición en movimiento (2008. Editorial Dos Acordes).
Saxofonista y percusionista de free jazz e improvisación libre, compone música para espectáculos teatrales, de danza, poesía, circo y espectáculos audiovisuales. Además, como docente, imparte talleres interdisciplinares de improvisación a músicos, actores, bailarines, poetas y otros artistas de la escena. Dirige, también, orquestas de improvisadores como OMEGA (Orquesta de Música Espontánea de Galicia), Foco (Orquesta de improvisadores de Musicalibre) y Entenguerengue (Orquesta de improvisadores de Andalucía). Es cofundadora de Musicalibre y ha organizado durante varios años el Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel, en Madrid.
Realiza la dirección musical de CIRCO INTERIOR BRUTO, un espectáculo de circo contemporáneo español, estrenado en Amiens, Francia, en abril del 2015 y de AL FILO 2011 y AL FILO 2012, maratón de circo contemporáneo, producido por Escena Contemporánea y el Circo Price.
Crea y dirige la Orquesta Carníval, proyecto que mezcla la improvisación libre (con y sin conducción) y la composición previa, para integrar, con un espíritu libre, la música de circo, el free jazz, la poesía, la música electrónica y experimental y la danza.
https://vimeo.com/171215309 (2015. Festival Internacional Hurta Cordel. 3´:30´´).
Ha tocado en diferentes festivales europeos (Alemania, Inglaterra, Francia, Suiza, Bélgica, Rumania, España), en EEUU (Nueva York, Chicago) – y Canadá (Toronto); y ha dado cursos y talleres de improvisación en distintos países de Latinoamérica como Brasil (2026, 2014, 2012, 2011, 2010), Argentina (2010), Uruguay (2010), México (2015, 2013) y también en Indonesia (2000).
Sus últimos proyectos interdisciplinares son Bailar el agua –un proyecto para público con discapacidad intelectual, con Raquel Sánchez y Ana Erdozain (https://vimeo.com/194295447) 2016, Festival de Artes Escénicas e inclusión social–, Matar a Platón en concierto, con Chantal Maillard en la interpretación y Jorge Frías al contrabajo, la formación Tangram, un trío con Adrián Abril (visuales) y Jorge Frías (Si fuera un sueño, espectáculo audiovisual) y Menuda Compañía, con el actor y escritor Marcos García Barrero (Uno dos, Estrella).
Se puede consultar más información sobre sus proyectos, talleres, grupos, orquestas y publicaciones, en: http://chefaalonso.wordpress.com

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Categorías: Artes escénicas

04/03/2018

CELESTIAL CAMEL (Rusia) Dir.: Yuriy Feting

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Nebesnyy verblyud (Celestial Camel)
Año: 2015
Duración: 90 min.
País: Rusia
Dirección: Yuriy Feting
Guion: Yuriy Feting, Elzyata Mandzhieva
Música: Maksim Koshevarov
Fotografía: Anton Zhabin
Reparto: Mikhail Gasanov, Viktor Sukhorukov, Petr Novikov, Irina Hurgunova, Danzan Badrashkiev, Batr Mandzhiev, Vitaly Makhov, Vitaly Nadbitov, Baira Mandzhieva
Productora: Production Center "Vse horosho"
Género: Aventuras

Sinopsis
En las estepas de Volga Bajo, en Rusia, los Kamulkos creen que el nacimiento de un camello albino es signo de buena suerte. Altynka es una cría de camello albino que es vendida por el patriarca de una familia para poder afrontar económicamente el nacimiento de su nuevo hijo. Tras la venta de Altynka, su madre, Mara, se escapa para encontrar a su cría. Su desaparición es un desastre para la familia, por lo que el hijo mayor, Bayir, con solo doce años emprende un viaje por la estepa, subido en una vieja moto, para encontrar a Mara, que es la base del sustento familiar.

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Categorías: Cine

06/03/2018

TRÍO ARNICHES (clarinete, viola y piano)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la entrada.

TRÍO ARNICHES
Paula Romero Rodrigo, viola
Jorge Ripoll Ivorra, clarinete
Carlos Sanchis Aguirre, piano

Participantes en los últimos ciclos dedicados a las jóvenes promesas de la música de cámara el Trío Arniches debuta en el Auditorio Nacional y el Palau de la Música, estrenando en este último una obra del compositor A.G. Planells, encargada expresamente para la ocasión.

Reciben su formación como trío de mano de grandes músicos del panorama camerístico como el Cuarteto Quiroga, Kennedy Moretti y Luis del Valle entre otros, recibiendo grandes críticas y valoraciones.
Su repertorio abarca una amplia variedad de estilos y épocas, desde el Clasicismo del siglo XVIII hasta las últimas vanguardias del siglo XX, interesándose además por la música de creación actual. Desde su formación actúan en diversas salas de conciertos tales como la sala Luis Galve del Auditorio de Zaragoza, la sala Luzán de la CAI o la Fundación Juan March de Madrid.

Sus miembros desarrollan una importante actividad orquestal y camerística en formaciones como la Gustav Mahler Jugend Orchester, The World Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Berner Symphonie Orchester o la Schleswig-Holstein Musik festival, y actualmente compaginan sus estudios en el extranjero realizando conciertos en diferentes puntos de la geografía europea.

Programa

Trio en Mi bemol Mayor "Kegelstatt" , W.A.Mozart

- 8 piezas para Clarinete, Viola y Piano (seleccón piezas II y VI) op. 83, M. Bruch

- Deep Web, Adrián García Planells

-Trio para Clarinete, Viola, Piano (1990), J. Françaix

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Categorías: Música

07/03/2018

GRACIAS POR LA LLUVIA

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

EL DOCUMENTAL DEL MES

GRACIAS POR LA LLUVIA

Ficha técnica
Año: 2017
Duración: 87 min.
Noruega, Reino Unido

V.O. en inglés y Suajili, subtitulada en castellano

Directora: Julia Dahr
Producción: Hugh Hartford
Producción ejecutiva: Sabine Bubeck-Paaz
Fotografía: Julie Lunde Lillesaeter
Guión: Julia Dahr, Hugh Hartford
Edición: Adam Thomas
Música: Chris White
Sonido: Julia Dahr

Sinopsis
Durante los últimos cuatro años, Kisilu Musya, un granjero keniano, ha utilizado su cámara para capturar la vida de su familia, su pueblo y los efectos devastadores del cambio climático sobre su tierra. Ha filmado inundaciones, sequías y tormentas, pero también ha sido testigo de los costes humanos de estos fenómenos: la migración de los hombres a la ciudad en busca de nuevos empleos o cómo sus hijos han sido devueltos a casa porque él no podía pagara la escuela a final de mes.
Después de una tormenta que destruye su casa, Kisilu empieza a construir un movimiento comunitario de agricultores que luchan contra los impactos del clima extremo y decide viajar a París con motivo de la XXI Conferencia sobre el Cambio Climático, para intentar tener voz en las conversaciones sobre el clima y dar un giro de 180 grados a las políticas medioambientales.
Allí, en medio de la impenetrable lógica de las grandes negociaciones políticas, en el marco del show ambiental más grande del planeta, la relación entre la directora del filme, la noruega Julia Dahr, y Kisilu cobra una nueva dimensión y une los mundos opuestos que los dos personajes representan– norte y sur- en una misma lucha por la justicia climática.
La directora
Julia Dahr es directora y productora noruega, apasionada por las historias que pueden llevar a la acción sobre temas sociales y medioambientales de una nueva forma, cuestionar estereotipos y crear un impacto. En 2015 ganó el premio One World Media, fue nominada al premio Grierson y fue catalogada por la revista Forbes como una de las treinta mejores menores de 30 años que "conduce y define el rumbo de los medios a nivel mundial". Thank You For The Rain es su primer largometraje.

Premios y Festivales
•    Premio Pangolin Power, EcoFilmFest SGEFF - Singapur, 2017
•    Premio Osiris FAO, Agrofilm International Film Fest - Eslovaquia, 2017
•    Premio del jurado, Another Way Film Festival - España, 2017
•    Premio Fethi Kayaalp, BIFED - Turquía, 2017
•    Premio Best Feature Documentary, FICMEC - España, 2017
•    Selección en Hot Docs - Canadá, 2017
•    Selección en CPH:DOX - Dinamarca, 2017
•    Selección en Sheffield Doc/Fest - Reino Unido, 2017

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Categorías: Cine

07/03/2018

EXPOSICIONES

ESPACIOS ULE
7 – 27 Marzo

REFUGIADOS BIENVENIDOS (documental)
Centro de Idiomas ULE

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Escuela Superior y Técnica de Ingeniería Agraria

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Casa del Estudiante “Edificio Albéitar”

ADRIAN DE LA TORRE (fotografías)
Facultad de Filosofía y Letras

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Categorías: Exposiciones

08/03/2018

KEBYART ENSEMBLE (cuarteto de saxofones)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la taquilla del Teatro

CONCIERTOS A.I.E. CLÁSICOS

KebyartEnsemble

Pere Méndez- Saxo soprano
Víctor Serra- Saxo alto
Robert Seara- Saxo tenor
Daniel Miguel- Saxo barítono

“Un cuarteto no solo sincronizado hasta el extremo y en plenísima forma interpretativa, sino también unos músicos capaces de traspasar la perfección técnica para llegar a la comunicación musical” - Revista Musical Catalana. Palau de la Música, 3 de noviembre de2016.

Creado en ESMuC el año 2014 por estos cuatro jóvenes, fueron inicialmente guiados por Nacho Gascón. También han seguido consejos de músicosreconocidos como Kennedy Moretti, el Cuarteto Casals, Vincent David, Jordi Francés, David Albet, Albert Julià y el EnsembleSquillante.

Inspirados por la riqueza tímbrica, rítmica y estilística de la música tradicional de Indonesia deciden unir las palabras kebyar+art, siendo el Gamelan Gong Kebyar uno de los conjuntos instrumentales de la isla de Bali. Como otras músicas orientales, han influido enormemente en la estética de obras de autores de lossiglos XX yXXI.

Son los actuales ganadores del ciclo “El Primer Palau” que ofrece a los jóvenes intérpretes la oportunidad de debutar en la Sala de Conciertos del Palau de la Música Catalana. En 2016 también han sido premiados con el prestigioso Premi de Música Cambra Montserrat Alavedra - Premio BBVA de música. El año 2015 obtuvieron el segundo premio de la 84ª edición del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y anteriormente han recibido el primer premio en el X Concurso Internacional de Música de Cámara HiginiAnglès.

Durante el periodo 2016 - 2018 realizan una gira de conciertos por España gracias a Juventudes Musicales de España y ya han pasado por Andalucía. Este año también han realizado una gira por Rusia, próximamente actuarán en múltiples salas de Cataluña y grabarán su primer trabajo discográfico. Están programados en la próxima temporada del Palau de la Música Catalana y del Auditori de Barcelona, y seguirán dando conciertos en el extranjero.

TETRAFONÍA

Kebyart Ensemble
P r o g r a m a:

Introducción: polifonía de la Escuela de Notre-Dame (s. XII i XIII)
Vue sur les jardins interdits(1973) – Henri Pousseur (1929-2009)
Cuarteto para saxofones op. 109 (1932) – Aleksandr Glazunov (1865-1936)
Canzona variée
-Thema- Andante
-1ère variation- même mouvement
-4ème variation- à la Chopin, Allegretto
-5ème variation- Scherzo-Presto
Finale
Estris de llum (2017) - Joan Magrané (1988)
París 1918 – Claude Debussy (1862-1918)/Kebyart Ensemble
-Prélude de la Suite Bergamasque (1890)
-Menuet de la Petite Suite (1886-1889)
-Little Shepherd de la Suite Children’s corner (1906-1908)
-Golliwog's Cake-Walk de la Suite Children’s corner (1906-1908)

Descripción:
Entre los siglos XII y XIII, la catedral de Notre-Dame de París se convirtió en el foco de una escuela de música que, con sus innovaciones, marcó la historia musical europea posterior. El principal cambio fué que empezaron a escribir más de una voz a la vez, dando paso al nacimiento de la polifonía, es decir, la interacción simultánea entre dos o más líneas melódicas diferentes. Este hecho, aparentemente simple, guió la evolución musical occidental hasta nuestros días. Obras como Estris de llum del reusense Joan Magrané y Vue sur les jardins interdits de Henri Pousseur son deudores de este pensamiento polifónico en mayúscula. El Cuarteto para saxofones del ruso Aleksandr Glazunov es una de las obras icónicas del repertorio original para cuarteto de saxofones que, inspirada en la escritura de cuarteto de cuerda, nos ofrece una música bellísima con reminiscencias de la polifonía tradicional rusa. Para cerrar el programa, vamos a oír una suite elaborada en motivo del centenario de la muerte del célebre compositor Claude Debussy. Esta es una recopilación de algunos de los movimientos de tres de las suites más importantes que el compositor escribió para piano. El propio Kebyart ha hecho la transcripción a las cuatro voces.
En definitiva, cuatro saxofones interactuando y dialogando a la vez. Disfrutemos la tetra-fonía.

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Categorías: Música

09/03/2018

KEBYART ENSEMBLE (cuarteto de saxofones)

CONCIERTO JUVENTUDES MUSICALES

KebyartEnsemble

Pere Méndez- Saxo soprano
Víctor Serra- Saxo alto
Robert Seara- Saxo tenor
Daniel Miguel- Saxo barítono

“Un cuarteto no solo sincronizado hasta el extremo y en plenísima forma interpretativa, sino también unos músicos capaces de traspasar la perfección técnica para llegar a la comunicación musical” - Revista Musical Catalana. Palau de la Música, 3 de noviembre de2016.

Creado en ESMuC el año 2014 por estos cuatro jóvenes, fueron inicialmente guiados por Nacho Gascón. También han seguido consejos de músicosreconocidos como Kennedy Moretti, el Cuarteto Casals, Vincent David, Jordi Francés, David Albet, Albert Julià y el EnsembleSquillante.

Inspirados por la riqueza tímbrica, rítmica y estilística de la música tradicional de Indonesia deciden unir las palabras kebyar+art, siendo el Gamelan Gong Kebyar uno de los conjuntos instrumentales de la isla de Bali. Como otras músicas orientales, han influido enormemente en la estética de obras de autores de lossiglos XX yXXI.

Son los actuales ganadores del ciclo “El Primer Palau” que ofrece a los jóvenes intérpretes la oportunidad de debutar en la Sala de Conciertos del Palau de la Música Catalana. En 2016 también han sido premiados con el prestigioso Premi de Música Cambra Montserrat Alavedra - Premio BBVA de música. El año 2015 obtuvieron el segundo premio de la 84ª edición del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y anteriormente han recibido el primer premio en el X Concurso Internacional de Música de Cámara HiginiAnglès.

Durante el periodo 2016 - 2018 realizan una gira de conciertos por España gracias a Juventudes Musicales de España y ya han pasado por Andalucía. Este año también han realizado una gira por Rusia, próximamente actuarán en múltiples salas de Cataluña y grabarán su primer trabajo discográfico. Están programados en la próxima temporada del Palau de la Música Catalana y del Auditori de Barcelona, y seguirán dando conciertos en el extranjero.

TETRAFONÍA

Kebyart Ensemble
P r o g r a m a

Introducción: polifonía de la Escuela de Notre-Dame (s. XII i XIII)
Vue sur les jardins interdits(1973) – Henri Pousseur (1929-2009)
Cuarteto para saxofones op. 109 (1932) – Aleksandr Glazunov (1865-1936)
Canzona variée
-Thema- Andante
-1ère variation- même mouvement
-4ème variation- à la Chopin, Allegretto
-5ème variation- Scherzo-Presto
Finale
Estris de llum (2017) - Joan Magrané (1988)
París 1918 – Claude Debussy (1862-1918)/Kebyart Ensemble
-Prélude de la Suite Bergamasque (1890)
-Menuet de la Petite Suite (1886-1889)
-Little Shepherd de la Suite Children’s corner (1906-1908)
-Golliwog's Cake-Walk de la Suite Children’s corner (1906-1908)

Descripción:
Entre los siglos XII y XIII, la catedral de Notre-Dame de París se convirtió en el foco de una escuela de música que, con sus innovaciones, marcó la historia musical europea posterior. El principal cambio fué que empezaron a escribir más de una voz a la vez, dando paso al nacimiento de la polifonía, es decir, la interacción simultánea entre dos o más líneas melódicas diferentes. Este hecho, aparentemente simple, guió la evolución musical occidental hasta nuestros días. Obras como Estris de llum del reusense Joan Magrané y Vue sur les jardins interdits de Henri Pousseur son deudores de este pensamiento polifónico en mayúscula. El Cuarteto para saxofones del ruso Aleksandr Glazunov es una de las obras icónicas del repertorio original para cuarteto de saxofones que, inspirada en la escritura de cuarteto de cuerda, nos ofrece una música bellísima con reminiscencias de la polifonía tradicional rusa. Para cerrar el programa, vamos a oír una suite elaborada en motivo del centenario de la muerte del célebre compositor Claude Debussy. Esta es una recopilación de algunos de los movimientos de tres de las suites más importantes que el compositor escribió para piano. El propio Kebyart ha hecho la transcripción a las cuatro voces.
En definitiva, cuatro saxofones interactuando y dialogando a la vez. Disfrutemos la tetra-fonía.

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Categorías: Música

09/03/2018

ERIC BLAKELY (USA)

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Eric Blakely ha editado varios trabajos en USA a lo largo de su extensa carrera : " Still life at full speed" , " Payne antologhy " , "Levity" , "Groving into my fathers clothes " o "Uncle Johnes farm" entre otros . En ellos deja ver sus inflencias de lo mejor de la musica americana : pinceladas de country , blues o simplemente buenas canciones con toques pop y rock
Excelente guitarrista , cantante y muy acertado compositor ha desarrollado su vida y su carrera entre Berkely ( California ) , Austin ( Texas ) y actualmente reside en Paris
En el 2009 participo en la gira Kings of Power POp junto a Paul Collins ( The Nerves , The Beat ) y John Wicks ( The Records )
En el 2016 edito con su banda The Bottle Kids el LP " Such a Thrill " y ahora esta a punto de salir , también con esta formación , su nuevo trabajo bajo el titulo "Let me into this action " . Con esta formación deja ver más sus influencias más power pop / new wave , se pueden ver ecos de Big Star, Rapsberries o los mismisimos The Knack.

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Categorías: Música

10/03/2018

LATELE TEATRO, presenta: Raices, de Lorca

Entradas 8 €: a partir de una hora antes de la función en la taquilla

VENTA ANTICIPADA: Desde el martes 6 de marzo en KANYA ENMARCACIÓN, BAR EL SIETE Y TABERNA BAR "EL CUERVO"

50% de descuento (*exclusivamente en taquilla): miembros de la comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

LATELE TEATRO
Laboratorio Teatral Leonés
presenta:
“Raices” de Lorca
Versión y Dirección: LATELE TEATRO

“Raíces, de Lorca”
¿Por qué este espectáculo?

“Raíces” es un homenaje a todas las mujeres que fuimos, somos y seremos… Mujeres que a través de la historia nos han marcado, nos han educado y nos ha fortalecido.
Mujeres que han sobrevivido más allá del tiempo y a las que queremos dotar nuevamente de voz, de una voz clara y profunda, para hacernos comprender a través de nuestras más arraigadas tradiciones las flaquezas y fortalezas a las que nos enfrentamos todavía.
Federico García Lorca pone letra a todo este montaje, donde narrado, recitado o musicalizado nos acerca a esos personajes femeninos que marcaron la historia de España con su lucha y su fuerza. La música en directo y la apasionada interpretación de ambas artistas dotan a este espectáculo de un sentimiento y un clima capaz de transportar al espectador a sus más profundos recuerdos y sueños.
“Raíces” es un grito desesperado, y también es un grito de esperanza.
Inés Diago y Diana Trigueros

SINOPSIS:
“Raíces” es una obra compuesta de textos y poemas de Federico García Lorca. Se trata de un cuadro vivo de mujeres lorquianas cuyos monólogos se conectan con diferentes poemas de Lorca.
Estas seis mujeres sienten y sufren por su sangre y por su tierra, sus raíces, dentro de una estructura social que las encadena.
La Madre, Yerma, Mariana, Rosita, Adela y Bernarda nutren sus esperanzas por su familia y su tradición, pero son también estas raíces las que las detienen en espacios trágicos donde sus deseos de vida, prosperidad y libertad se ven truncados.
En la narrativa de los monólogos, las seis mujeres enraízan unas en otras a través de su sufrimiento y su amor. Los poemas de Lorca se integran como bisagras que rescatan lugares de memoria y esperanza en esas soledades. De este modo, todos los textos nos brindan un dibujo de la mujer ligada a las tradiciones cuyas raíces son su sustento y su cadena.

Reparto:
Inés Diago
Diana Trigueros

“LATELE TEATRO”
LATELE TEATRO es una compañía de reciente creación, cuyo director y actores han formado parte de varias compañías teatrales con una larga trayectoria en las artes escénicas.
Tras un gran éxito con el montaje “El Ricachón en la Corte” de Moliére y “Debo haberlo matado yo”, comedia basada en “La Decente” de Miguel Mihura, en 2012, tres de los actores integrantes de Sana Locura Teatro convienen la creación de una nueva compañía. Junto con el director Jesús Prieto y el productor Eduardo Vicente se esboza por primera vez lo que más adelante será el LABORATORIO TEATRAL LEONÉS (LATELE TEATRO), una compañía cuyo fin principal es entretener, investigando distintas técnicas y géneros interpretativos para poder ofrecer un montaje vivo, alegre y que a su vez nos acerque a una complicidad entre el actor y el espectador.
Con estos conceptos e ideales claros, entra en escena el director y guionista leonés Samuel Gutiérrez, quien nos ofrece una comedia contemporánea e inédita que encaja perfectamente con nuestro proyecto. Esto da el último empujón para que en febrero de 2013 nazca LATELE TEATRO, y su primer montaje “GENOMAS Y GUISANTES”.
Durante el año 2014, Samuel Gutiérrez vuelve a colaborar con la compañía creando un texto de microteatro que es representado en varias salas, y que acerca este nuevo formato a los habitantes de León.
En este mismo año, motivados por los textos clásicos y las antiguas compañías de teatro itinerante, nace el proyecto “Entremés y mes, un paso” de manos de Jesús Prieto, que aúna entremeses de grandes autores del Siglo de Oro con piezas contemporáneas de cabaret, enlazados por una historia común entre nuestros tres protagonistas.
En 2017 trabajan en el montaje “Raíces, de Lorca”, pendiente de estreno, e interpretado por la actriz Inés Diago y la guitarrista Diana Trigueros.

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Categorías: Artes escénicas

11/03/2018

LA ENFERMEDAD DEL DOMINGO

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: La enfermedad del domingo
Año: 2017
Duración: 113 min.
País: España
Dirección: Ramón Salazar
Guion: Ramón Salazar
Música: Nico Casal
Fotografía: Ricardo de Gracia
Reparto: Bárbara Lennie, Susi Sánchez, Miguel Ángel Solá, Greta Fernández, Richard Bohringer, David Kammenos, Fred Adenis
Productora: Zeta Cinema / ON Cinema
Género: Drama | Familia

Sinopsis
Anabel (Susi Sánchez) abandonó a su hija Chiara (Bárbara Lennie) cuando esta apenas tenía ocho años. Treinta y cinco años después Chiara regresa con una extraña petición para su madre; le pide que pasen diez días juntas. Anabel ve en ese viaje la oportunidad para recuperar a su hija, pero no sabe que Chiara tiene un propósito oculto y que tendrá que enfrentarse a la decisión más importante de su vida

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Categorías: Cine

13/03/2018

MONTSERRAT EGEA (violonchelo) AMAIA ZIPITRIA (piano)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en el conservatorio

Concierto Juventudes Musicales

P R O G R A M A

N. Myaskovsky. Cello Sonata No. 2, Op. 81

E. Granados/ G. Cassadó. Intermezzo from Goyescas.

J. Brahms. Scherzo en Do menor (adaptación para Cello y piano)

S. Prokofiev. Adagio from the Ballet Cirendella, Op. 97bis

P. I. Tchaikovsky. Pezzo Capriccioso, Op. 62

G. Cassado. Requiebros

Montserrat Egea - Violoncello
Amaia Zipitria - Piano

Montserrat Egea nace en Toledo en 1997. Comienza sus estudios musicales a la edad de cinco años continuando su formación con los profesores María Casado, Asier Polo y más tarde Michal Dmochowski. Ha sido alumna del Centro Superior del País Vasco, Musikene (2015-2017). Desde el curso académico 2017-2018 es alumna de la Escuela de Música Reina Sofía en la cátedra de Iván Monighetti. Durante su trayectoria formativa ha recibido consejos de los maestros María de Macedo, Stephan Forck, Emil Rovner, Enrico Dindo, Peter Bruns, Philippe Müller, Jens Peter Maintz, Wolfgang Emmanuel Schmidt, Ensemble Modern, entre otros.
En 2016, fue galardonada con el Primer Premio en la modalidad de cuerda del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y el premio EMCY.
Como solista, ha actuado con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Musikene y con la Orquesta Sinfónica de RTVE.
En el ámbito de la música de cámara es miembro del Trío Amets con el que próximamente actuará en la Quincena Musical de San Sebastián y en la Fundación Juan March de Madrid. Es miembro de West-Eastern Divan Orchestra desde 2016. También ha colaborado con la Orquesta Schleswig-Holstein.
Ha obtenido premios en numerosos concursos tanto en el ámbito nacional como internacional. Entre ellos destacan Primer Premio en el Concurso Jóvenes Promesas de Violoncello 'Jaime Dobato Benavente' (2012 y 2014), Tercer Premio en el Concurso Internacional Dotzauer Dresden (2009 y 2013). En 2012, Tercer Premio y Premio al Mejor Intérprete de Cuerda en el Concurso Nacional “Intercentros Melómano”.

Amaia Zipitria Zugasti. Nace en Andoain (Gipuzkoa) . Cursa sus estudios en Andoain con Luis Fraca y Myriam Ulanga, en San Sebastián con Gonzalo Trevijano, en Baiona con Mme. Doué y en el Conservatorio Superior de Rotterdam con Barbara Grajewska. Título superior de piano y música de cámara con las más altas calificaciones.
Como integrante de la J.O.N.D.E (Joven Orquesta Nacional de España) desde 1993 a 1998 y colaboradora de orquestas como R.T.V.E, O.N.E, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, etc. ha sido dirigida por grandes maestros.
Pianista acompañante en la cátedra de violín de Zakhar Bron en la escuela Reina Sofía de Madrid, Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares y otros tantos cursos magistrales. Actualmente es profesora de Repertorio en el Conservatorio Superior del País Vasco Musikene y pianista del Orfeón Donostiarra.
Su labor concertística le lleva a auditorios como el Nacional de Madrid y Barcelona, Zaragoza, Sevilla, Málaga, Oviedo, Euskalduna de Bilbao, Kursaal, etc., y fuera de España en Croacia, Italia, Francia e Inglaterra.
Entre sus grabaciones destaca la Sonata nº2 de Jesús Villa-Rojo junto con el violoncellista Asier Polo (NAXOS) y la versión de grupo de cámara de Babar, Poulenc con componentes de la Orquesta de Cadaqués (TRITO).

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Categorías: Música

14/03/2018

DOGO

DOGO Spoken Word Show "Intronautica aplicada"

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DOGO vuelve a los escenarios. Justo este año se cumplen 30 años de la edición de su primer disco "Ansia" junto a sus queridos Mercenarios
Muchas cosas han pasado desde entonces: tras unos años de frenética actividad y tres discos memorables vinieron otros tiempos más oscuros e inactivos musicalmente.

Hoy en día Diego Fuentes, Dogo , se encuentra mejor que nunca y ha fijado su residencia en León . Tras alguna aparición esporádica por los escenarios ahora ha montado una banda con la que está dispuesto a sacar brillo a lo mejor de su repertorio. Le acompañan músicos de mala reputación que antes lo han hecho con bandas de la talla de Paul Collins Beat, Peralta, Platillos Volantes, Señor No, o actualmente con Kurt Baker Combo. Precisamente junto a estos últimos pudimos ver a un Dogo en el Monkey Week derrochando carisma, clase y mucho rock & roll caliente.
Esta vez nos presenta el espectáculo DOGO Spoken Word Show "Intronautica aplicada"

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Categorías: Música

15/03/2018

COREY HARRIS (USA)

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Harris nació en Denver, Colorado, el 21 de febrero de 1969, y comenzó a tocar la guitarra a los 12 años, después de escuchar los discos de Lightnin 'Hopkins de su madre. Tocó en una banda del rock & roll en la escuela secundaria, y desarrolló sus habilidades de cantante en su iglesia. Hizo estudios universitarios en el Bates College en Maine (donde se especializó en antropología). Después Harris viajó a Camerún para estudiar la lingüística africana; durante su estancia allí, absorbió toda la música africana posible, dejándose seducir por sus complejos polirritmos. Después de regresar a los Estados Unidos, Harris enseñó inglés y francés en Napoleonville, Louisiana, y durante su tiempo libre tocó en los clubes, cafés y esquinas de la cercana Nueva Orleans.

Alcanzó una cierta reputación local que le ganó un contrato con Alligator Records. En 1995, Alligator lanzó el álbum de debut de Harris, "Between Midnight and Day", solo con su guitarra que ilustró su dominio de diversas variaciones en el estilo Delta blues. El álbum incluía versiones de Sleepy John Estes, Fred McDowell, Charlie Patton, Muddy Waters, y Bukka White. El disco tuvo buenas críticas señalando a Harris como nueva promesa en la escena del blues. Ello le permitió actuar de telonero de la ex-cantante de 10.000 Maniacs, Natalie Merchant.

Su siguiente álbum fue 'Fish Is not Bitin', publicado en 1997, un disco en que ampliaba el acompañamiento añadiendo una sección de viento de estilo Nueva Orleans en varias pistas, mientras que enfatizaba sus propias composiciones originales.

En 1999, Harris lanzó el álbum Greens from the Garden que la mayoría de los críticos consideraron su mejor disco hasta entonces. El disco fue un gran éxito y profundizó en el funk y el R & B de Nueva Orleans. El resultado fue un caleidoscopio de estilos musicales negros que le dieron a Harris una atención más generalizada por un público más amplio que lo comenzó a ver como el heredero de Taj Mahal. Con uno de los colaboradores en el disco anterior, el veterano pianista Henry Butler, grabó a dúo un álbum, publicado en 2000, titulado 'Vu-Du Menz', en que se acercaba al jazz y el blues primitivo.

A continuación Harris dejó Alligator por el sello Rounder, y debutó para su nuevo sello en 2002 con 'Downhome Sofisticate', un álbum ecléctico que exploró sus influencias africanas y añadió música latina a su paleta de sonidos. Otros dos álbumes siguieron en Rounder, el maravilloso 'Mississippi to Mali' en 2003 y 'Daily Bread' en 2005, que lo consagraron como uno de los mejores bluesman acústicos contemporáneos.

En 2003, Harris fue un artista destacado y narrador de la película de Martin Scorcese, 'Feel Like Going Home', de la aclamada serie de televisión de la PBS, "The Blues", que trazó la evolución del blues desde el oeste de África al sur de los EE.UU. En 2007, fue galardonado con una MacArthur Fellowship - "Genius award" - de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur. La beca anual, que reconoce a individuos de una amplia gama de disciplinas que muestran creatividad, originalidad y compromiso con el trabajo innovador continuo, describió a Harris como un artista que "forja un camino aventurero marcado por un eclecticismo deliberado".

Siguiendo con su exploración musical, Harris volvió a Jamaica y a las raíces reggae para su siguiente álbum, 'Zion Crossroads', que fue lanzado en 2007 en Telarc Records. Un segundo álbum en Telarc, 'Blu Black', apareció en 2009 con Harris continuando en la órbita de la música jamaicana. En 2013 publicó 'Fulton Blues' en que Harris vuelve a la interpretación de sus formas híbridas de blues en un conjunto interesante de temas.

Corey Harris vive actualmente en Virginia, realizando giras musicales frecuentemente y ensalzando la tradición clásica africana de la música blues; así mismo, ha organizado varios programas en varias emisoras de radio del área de Virginia central.
Corey ayudó a Billy Bragg y Wilco a componer la música de la canción "Hoodoo Voodoo" para el disco "Mermaid Avenue", el cual consistía en canciones cuyas letras habían sido escritas por Woody Guthrie; también colaboró como músico en dicho disco y en el posterior, "Mermaid Avenue Vol. II". Corey recibió, en 2007, un doctoradohonorífico de la universidad Bates College.

Corey Harris ha conseguido ser uno de los pocos bluesmen contemporáneos capaces de encauzar del blues acústico del Delta sin buscar solo la autenticidad historicista. Junto con Keb 'Mo', Eric Bibb, Otis Taylor, Guy Davis y Alvin "Youngblood" Hart, marcó el renacimiento del blues acústico a mediados de los años noventa. Como instrumentista es un virtuoso de la guitarra acústica de blues, que había sido relegada durante años por la guitarra eléctrica predominante en el Blues de Chicago. Su estilo mezcla una variedad considerable de influencias - de New Orleans al Caribe y a África - en su música.

Corey Harris ha actuado, grabado, y ha viajado con nombres como BB King, Taj Mahal, Buddy Guy, R.L.Burnside, Ali Farka Toure, Dave Matthews Band, Tracy Chapman, Olu Dara y muchos otros. Con un pie en la tradición y el otro en la experimentación contemporánea, Harris es una voz verdaderamente única en la música contemporánea.
Sus grabaciones exploran la fusión del blues acústico con la música de tradición yoruba, rhythm & blues, reggae, música cajún, o el bolero. Estas grabaciones tienen precedentes en las sesiones de grabación de el maliense Ali Farka Touré y el estadounidense Ry Cooder. Y también en las de Taj Mahal con el korista guineano Toumani Diabate.

Discografía

    1995: Between Midnight and Day (Alligator)
    1997: Fish Ain't Bitin (Alligator)
    1999: Greens from the Garden (Alligator)
    2000: Vu-Du Menz (Alligator)
    2001: Live at Starr Hill
    2002: Downhome Sophisticate (Rounder)
    2003: Mississippi to Mali (Rounder)
    2005: Daily Bread (Rounder)
    2007: Zion Crossroads (Telarc)
    2009: blu.black (Telarc)
    2011: Father Sun Mother Earth (Njumba)
    2012: Believe
    2012: Motherless Child (Lutan Fyah)
    2013: Fulton Blues
    2013: Rasta Blues Experience Live
    2014: Fulton Blues (Deluxe Edition)
    2015: Live! from Turtle Island

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Categorías: Música

17/03/2018

PERFIL TEATRO, presenta: “Con Carmen, cinco momentos” de Miguel Delibes

Entradas 8 €: a partir de una hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

PERFIL TEATRO inicia su andadura con esta versión teatral de "Cinco horas con Mario" realizada por Sonia Martínez y Javier Bermejo, estrenada en junio del año pasado y premiada este año en el Festival de Teatro Estrella Gil de Moratalla (Murcia).

“Con Carmen, cinco momentos” de Miguel Delibes
El núcleo de esta obra lo constituye el soliloquio de Carmen, una conservadora mujer de clase media alta, junto a la urna funeraria de su marido Mario recientemente fallecido. A través de los recuerdos observamos,
en muchos aspectos, una insatisfactoria vida en común. Delibes recrea la España provinciana de la época, los problemas de la falta de comunicación en el matrimonio, así como el conflicto de las “dos españas”.

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Categorías: Artes escénicas

18/03/2018

HISTORIAS DE UNA INDECISA (Francia) Dir.: Eric Lavaine

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: L'Embarras du choix
Año: 2017
Duración: 95 min.
País: Francia
Dirección: Eric Lavaine
Guion: Laure Hennequart, Eric Lavaine, Laurent Turner
Fotografía: François Hernandez
Reparto: Alexandra Lamy, Jamie Bamber, Arnaud Ducret, Anne Marivin, Sabrina Ouazani
Productora: Sombrero Films
Género: Comedia. Romance
Sinopsis
La vida está hecha de pequeñas y grandes decisiones. El gran problema de Juliette es que es totalmente incapaz de tomar la más mínima decisión. Incluso con 40 años, aún depende de su padre y de sus dos mejores amigas para que lo decidan todo en su nombre. Pero el día en que conoce a Paul y a Étienne, tan encantadores y diferentes uno del otro, Juliette empieza a temblar. Esta vez, nadie podrá elegir por ella.

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Categorías: Cine

20/03/2018

DÍA DE FIESTA Dir.: Jacques Tati

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro

DÍA DE FIESTA

Título original: Jour de fête
Año: 1949
Duración: 81 min.
País: Francia
Dirección: Jacques Tati
Guion: Jacques Tati, Henri Marquet, René Wheeler
Música: Jean Yatove
Fotografía: Jacques Sauvageot (B&W)
Reparto: Jacques Tati, Santa Relli, Guy Decomble, Paul Frankeur, Maine Vallee, Roger Rafal
Productora: Panoramic Films
Género: Comedia | Vida rural

Sinopsis:
El pueblo de Saint Sévère se dispone a celebrar una gran fiesta. Las calles se adornan con guirnaldas y banderas; la terraza del café está preparada para el gran baile popular. Los feriantes traen en sus carromatos los caballitos de madera, las tómbolas, el cine ambulante, las cucañas... Mientras reparte el correo, François, el cartero, deseoso de ayudar a los feriantes, monta con mucho heroísmo la cucaña, pero sólo consigue provocar catástrofes. En el documental que proyectan en la carpa del cine, François ve un nuevo sistema para repartir el correo y decide probarlo. A la mañana siguiente, cuando el pueblo despierta tras la fiesta, el cartero reparte su correo "a la americana".

Premios
1949: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro (mejor película)

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Categorías: Cine

21/03/2018

EL SALARIO DEL MIEDO Dir.: Henri-Georges Clouzot

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro.

EL SALARIO DEL MIEDO

Título original: Le salaire de la peur aka
Año: 1953
Duración: 140 min.
País: Francia
Dirección: H.G. Clouzot
Guion: H.G. Clouzot, Jérome Géronimi (Novela: Georges Arnaud)
Música: Georges Auric
Fotografía: Armand Thirard (B&W)
Reparto: Yves Montand, Charles Vanel, Véra Clouzot, Peter van Eyck, Folco Lulli, William Tubbs, Dario Moreno, Jo Dest
Productora: Compagnie Industrielle et Commerciale Cinématographique / Filmsonor / Vera Films / Fono Roma
Género: Aventuras. Thriller. Drama | Película de culto

Sinopsis: La tensión entre cuatro trabajadores de una compañía petrolífera estallará durante un peligroso viaje durante el cual transportan nitroglicerina. (FILMAFFINITY)

Premios
1953: Festival de Cannes: Palma de Oro, mejor actor (Charles Vanel)
1953: Festival de Berlín: Oso de Oro
1954: Premios BAFTA: Mejor película

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Categorías: Cine

22/03/2018

GAZAL, presenta el disco: “Mil caballitos persas”

Entradas (6 €): a partir de una hora antes en la taquilla del teatro

VENTA ANTICIPADA: desde el jueves 15 de marzo en: RET MARUT | BAR EL SIETE | TABERNA BAR "EL CUERVO"

50% de descuento (*esclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del Carné Universitario y DNI

MÚSICA Y POESÍA DE FEDERICO GARCÍA LORCA

www.gazalmusicapoesia.com

Gazal Musica Poesía Española

Gazal Musica Poesía es un dúo musical que crea canciones con poesías de todas las épocas y autores. El canto y la guitarra de Diana Trigueros (Madrid) y las flautas irlandesas de Ignacio Martínez (León), además de los tambores y panderos, acercan el sentido y la sensibilidad de la poesía a todos los públicos.
Presentan el disco Mil Caballitos Persas, con poesías de Federico García Lorca.

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Categorías: Música

23/03/2018

POLAROIDS, presenta el disco: “Los territorios soñados”

Entradas (6 €): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro

VENTA ANTICIPADA:www.facebook.com/polaroids.es/ www.Instagram.com/polaroidsmusic/

50% de descuento (*esclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del Carné Universitario y DNI

POLAROIDS

La banda leonesa presenta por fin su trabajo grabado en los míticos estudios Abbey Road de Londres a finales del pasado mes de diciembre, lo que les ha convertido en el primer grupo de la comunidad autónoma en grabar en los estudios más importantes del planeta.
Grabado a caballo entre Londres y España, "Los Territorios Soñados" es un auténtico tour de force para la banda, en el que se despliega de manera exquisita las amplias influencias musicales del quinteto (desde el britpop de los 90 con ecos a The Verve, Oasis o Travis hasta el folk más íntimo y acústico de los primeros discos de Bon Iver o Mumford and Sons).
Distribuido conceptualmente en dos caras -Cara A: Londres, Cara B: León- el álbum contiene 11 temas producidos por Juan Marigorta (Quique González, Fabián) y Pepe López (Pájaro Sunrise), y cuenta además con la colaboración de los ingenieros de sonido Chris Bolster (Paul McCartney, Oasis, Foo Fighters, Coldplay) y Stefano Civetta (PJ Harvey, Ed Sheeran, Bruno Mars).
El concierto de presentación tendrá lugar en el Teatro Albéitar de León, y durante el mismo se proyectarán imágenes de la grabación en Londres y el videoclip de adelanto del single “Los territorios soñados”, dirigido por Juan Marigorta.

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Categorías: Música

24/03/2018

ALFONSO RIVERA (León-Vigo), presenta: “Efecto mariposa”

Entradas 8 €: a partir de media hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

Encuentro con el público: después de la función se realizará un debate sobre el trabajo teatral representado, con los espectadores que quieran participar en el mismo y tendrá lugar la presentación del libro EL CAMINO DEL ACTOR A través del entrenamiento Psicofísico

Comedia, bululú farsesco…

“El Efecto Mariposa; una comedia sobre la teoría del caos”
de Alfonso Rivera
Introducción
¿Han oído hablar de la teoría del Caos? Es la idea de que pequeñas cambios pueden tener grandes consecuencias. Existe un proverbiochino que dice que el leve aleteo de alas de una mariposa puede crear untornado en la otra parte del mundo. Me pregunto si esta teoría también funciona al revés: ¿puede una tormenta emocional en algún lugar del tiempo general el batir de pestañas de la persona que se encuentra justo en frente de ti?

Sinopsis
Alfonso Rivera intenta explicarnos su peculiar visión del amor a través de la teoría del caos poniendo en cuestión si existe el determinismo en nuestras vidas. Para ello recurre a contar la historia del amigo de un amigo de su amigo. Se trata de la increíble peripecia de cómo Alfredo decide a pedirle matrimonio a Dafne, una mujer que ha conocido hace unas semanas en tinder y de la que se ha demorado perdidamente. Cuando Alfredo descubre que se ha olvidado el anillo en casa y regresa para cogerlo se cuela en esta cita Rodolfo Valentino, un famoso autor de libros de autoayuda y seducción que intenta robarle a su chica. Gracias a la ayuda de Doc y al Delorian

Estilo
A través de una disparatada comedia de enredo con pinceladas de canto y baile, Alfonso Rivera interpreta en este one-manshow a más de media docena de personajes que se buscan, se seducen, se siguen y se persiguen llegando incluso a viajar en el tiempo para lograr alcanzar el amor verdadero. Un hombre enamorado, una femme fatal, un seductor argentino, uncientífico loco, una heladera romántica y muchos más personajes se despliegansobre el escenario, por medio de la técnica interpretativa del desdoblamiento, para que el espectador disfrute de una divertidísima trama e clave de bululú farsesco.

Alfonso Rivera
Licenciado en Interpretación Gestual por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (1999-2003). Becado por el Ministerio de Culturacompleta sus estudios de mimo corporal dramático con los últimos asistentes de Etienne Decroux en la Ecole de Mime Corporel Dramatique de L´Ange Fou, Londres. Se especializa en la pedagogía de Jacques Lecoq en London-Berlin International School of Performing Arts, LISPA,(2016-2017).
Trabaja como actor en numerosas producciones de teatro físico mostrando su trabajo en países como España, Inglaterra, Francia, Italia, República Checa, Noruega, Polonia, Eslovaquia y Rumanía. Trabaja profesionalmente en Londres con compañías como Zecora Ura (y con la compañía Theatre du L´Ange Fou (The Grimm Files). En España hace más de 12 montajes con El Gato Negro con la cual recibe el Premio a los Jóvenes Creadores Comunidad de Madrid.
En el año 2014 decide crear su propia compañía estrenando espectáculos como “Momo” (2013), “Vincent” (ganador del 1º Premio Xuventude Crea 2014), “Siddhartha” (2015), “Kastha Kofta” (2016), “Good Luck” (2017) yahora su último espectáculo, el monólogo teatral “El Efecto Mariposa” (2017).

Equipo artístico
Alfonso Rivera: creación e interpretación
Sergio Macías: co-dirección / asesor dramaturgia
Diego Akselrad: co-dirección / asesor dramaturgia
José Piris: Asesor de gesto
Marión Sarmiento y Sabela Cereijo: Asesoras de canto
Beba Gayoso y Laura Díez: Asesoras de danza
Carlos Pinilla: Asesor de vestuario
Javier Quintana: técnico de luces y sonido

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

25/03/2018

FOXTROT (Israel) Dir.: Samuel Maoz

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Foxtrot
Año: 2017
Duración: 113 min.
País: Israel
Dirección: Samuel Maoz
Guion: Samuel Maoz
Música: Ophir Leibovitch, Amit Poznansky
Fotografía: Giora Bejach
Reparto: Lior Ashkenazi, Sarah Adler
Productora: Coproducción Israel-Alemania-Francia; Bord Cadre Films / Arte France Cinema / Arte France / Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF) / ARTE
Género: Drama | Ejército

Sinopsis
Una familia con problemas tiene que afrontar los hechos después de que algo salga terriblemente mal en el lejano puesto militar donde estaba destinado su hijo cuando realizaba su servicio militar. (FILMAFFINITY)

Premios
2017: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado
2017: National Board of Review (NBR): Mejor film extranjero
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa

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Categorías: Cine

27/03/2018

ASCENSOR PARA EL CADALSO Dir.: Louis Malle

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro

MARCOS ANA (documental)
Facultad de Filosofía y Letras

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Centro de Idiomas

ADRIÁN DE LA TORRE (fotografías)
Casa del Estudiante Albéitar

PREMIO NACIONAL DE FOTOPERIODISMO 2016
Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Biblioteca Campus de Ponferrada

PORTADAS DE VINILOS EN LA COLECCIÓN PERMANTENTE DE MANUEL TEJADA (fotografía y diseño)
Comisarios: Agustín Berrueta y Carlos Carro
Biblioteca Universitaria San Isidoro

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Categorías: Exposiciones

12/04/2018

TWINS EXPERIMENT Proyecto: AL FINAL DE LOS BRAZOS ESTÁN LAS MANOS, AL FINAL DE LOS DEDOS NOSOTRAS ESTAMOS

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro

Ainhoa Hernández Escudero, Ma d r i d
Laura Ramírez Ashbaugh, Mad r i d

Mov i l i dad , Ar t e s Es c én i c a s

P r o y e c t o : AL FINAL DE LOS BRAZOS ESTÁN LAS MANOS, AL FINAL DE LOS DEDOS NOSOTRAS ESTAMOS

¿ Que pasaría si en vez de preguntarnos quien quiero ser, nos
preguntásemos que clase de vida es la que quiero vivir con los otros?
Judith Butler
Conversar, conversar para que en el entre se produzca algo.
Generar un espacio donde convivir desde el afecto.
Darnos el tiempo.
Darse el tiempo para recuperar el espacio para el disfrute y también para la
confrontación, porque conversar es confrontar, porque encuentro es herida.
Jugar a las correspondencias para resignificarnos, pero todo el rato.
Hacer para nada.
Divagar para estar juntas.
Conversar un espacio y darnos el tiempo.
Generar el entre y confrontar.
Revisitar el disfrute donde convivir desde el afecto.
Dejar la herida abierta.
Jugar, jugar, jugar.
Correspondencias pero todo el rato, para resignificarnos, para nada, para
estar juntas.

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Categorías: Artes escénicas

12/04/2018

ROMÁN MONTESINOS “Nada es lo que parece ni era lo que está”

Román Montesinos

“Nada es lo que parece ni era lo que está”

La exposición:

“Nada es lo que parece ni era lo que está” muestra una colección de fotografías en la que se establece una simbiosis entre objetos en busca de una metáfora, un universo en que las contingencias conducen a greguerías y transportan hacia visiones imaginarias donde el humor, la crítica social y/o la ironía, son hilos conductores. La asociación de objetos dispares, puede surgir, de golpe, aleatoria o contingente, al descubrir un objeto en cualquier lugar, y otras veces es buscada, al sostener un objeto en las manos y dejar que la mente divague en pos de una nueva imagen compuesta de ambas. Las fotografías de Nada es lo que parece ni era lo que está tienen propuesto un título, pero la capacidad de cada observador y sus vivencias harán que surjan interpretaciones dispares: la mente humana compone caleidoscopios a partir de una sola imagen.

El autor:

Román Montesinos, natural de A Coruña (España), geólogo, fue profesor universitario hasta su reciente jubilación. La que fue su especialidad, la Paleontología, condicionó su forma de pensar a la hora de establecer paralelismos críticos entre las formas, buscando analogías y diferencias. Un largo aprendizaje le ha llevado a recalar desde hace años en la fotografía. Más de cincuenta muestras individuales, varias colectivas y su participación en varios proyectos artístico-fotográficos, le han hecho un hueco entre los creadores de imágenes

En el proyecto que presenta la Universidad de León mantiene vigente su línea de indagación y expositiva, las “metáforas visuales”, que el autor lleva desarrollando como proyecto creativo desde hace años, y que se ha relacionado –más o menos acertadamente- con la “poesía visual” de Joan Brossa o de Chema Madoz, referencias en este campo en España. El autor propone al espectador un juego basado en alusiones y contingencias entre objetos, un diálogo entre espectador y autor en el cual, el primero es libre de reinterpretar lo expuesto adaptándolo a su singular forma de pensar. Si bien se las ha descrito como “imágenes visionarias”, pertenecen más bien al ámbito de la metáfora. Son fotografías desnudas en las cuales los objetos toman el protagonismo sobre fondos blancos, negros o neutros, mostrando el concepto sin distracciones. La imagen choca directamente con los ojos y la mente del espectador y genera una reacción.

Imágenes:

Categorías: Exposiciones

12/04/2018

LUIS MIGUEL SANTOS UNAMUNO "Ceci n'est pas un Magritte"

Quizá el Arte, y especialmente la fotografía que parece una de sus sucursales más proclives a la denuncia, no debe ser siempre combativo y proponer modificaciones sociales, propuestas impactantes, reflexiones sobre lo efímero y la inanidad de la existencia. A veces el arte puede querer desafiar a los grandes gurús que comisarían las selectas documentas y preferir instalarse en la calle, en lo vulgar, en la sorpresa cotidiana y tomar sus fuentes de la belleza, la forma, la mímesis, la experiencia estética. A veces el arte se basa tan solo en una manera de mirar, de reconocer lo que antes has visto y ha calado en ti -aunque no recuerdes dónde-, lo que el tiempo ha consolidado como clásico. En palabras de Elliot Erwitt: La fotografía es el arte de la observación.
Se trata de encontrar algo interesante en un lugar ordinario. […] tiene poco que ver con las cosas que ves y mucho con cómo las ves.

Este es un proyecto de apropiacionismos, una captura, en la realidad cotidiana, de reminiscencias, reflejos, formas, composiciones de artistas que, al contemplar las fotografías, permiten su reconocimiento. La nómina de éstos es extensa y puede incluir también ismos, vanguardias, corrientes que se recuerdan mejor que los propios nombres de sus autores (casos del Land art, el Minimalismo, el Arte Conceptual, el Arte feminista, etc.). Pero se intenta ir un poco más allá de esos autores ya deglutidos por esta sociedad de la imagen (caso de Miró en los carteles publicitarios, Calder en las lámparas de los pisos de estudiantes, Kandinsky en telas y tejidos llamativos, Munch y su Grito,…). La obra aquí presentada no se sostiene por sí sola en cada una de las fotografías, no siempre efectistas, no siempre estéticamente bellas, no siempre técnicamente trabajadas, la mayoría de las veces encontradas en lugares inesperados, mal iluminados. En ocasiones se habla de fotografías “bonitas, pero casi mudas” mientras aquí se busca que, si bien no impactantes, sí sean locuaces. Este Proyecto tiene un relato, un por qué, y por ello debe contemplarse como un todo. Una simple fotografía separada, salvo algunas excepciones, no suscitaría un suspiro de admiración ni la contemplación extática ni siquiera el juicio de ser “una buena fotografía”.

Sólo cuando, despaciosamente, se interna el espectador en la senda que este relato le propone puede darse un insight de comprensión.

Las imágenes nunca se buscaron, se tomaron donde se encontraron y lo fueron, casi en su totalidad con la óptica limitada del teléfono móvil, lo que les hace resentirse en su calidad si bien en ocasiones una imagen imperfecta puede llegar a hacer pensar en el trazo desvaído de un pincel.

No hubo preparación, ni puesta en escena, ni trípodes, ni espera por l’instant décisif. Hubo, eso sí, hallazgo, inquietud, sorpresa, suerte. Por eso hay tantas tomas en viajes, en el extranjero, en las calles de ciudades donde llevas los ojos preparados para mirar, sin guía ni GPS, como un flâneur.

La obra, además de su perspectiva apropiacionista, presenta otra característica que la dota de interés. ¿Se hará realidad en ella la afirmación de Borges que conjeturó que un escritor puede influir en sus antecesores?. “Su labor modifica nuestra concepción del pasado, como ha de modificar el futuro”. La explicación de esta paradoja, extendida al mundo visual, se encuentra en el hecho de que los apropiacionistas nos fuerzan a mirar a sus epígonos a través de esos rasgos que han elegido para hacernos reconocible al autor de referencia. Así, la historia no opera sólo hacia el futuro sino que en cada momento una obra (de escritura pero, ¿por qué no?, también artística) puede constituir un acontecimiento que modifique el pasado y lo ilumine transformando la obra del autor inicial.

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Categorías: Exposiciones

12/04/2018

MANOLO FERRERO Y ALFONSO SALAS, presentan: “Europa en la Maleta”
Dir.: Manolo Ferrero

Europa en la Maleta.

Dos viajeros. Un continente que quiere dormir. La inocencia que esta dispuesta a cualquier cosa para despertarlo. Hombres intemporales en un lugar concreto, en un tiempo hecho de cuentos y canciones. Un recorrido por los paisajes de la vieja Europa, o como ella misma suele decir la nueva Europa: “Tengan ustedes respeto que una es tan joven como el mundo”.
Francia, Alemania, España, Italia, Rusia, Portugal mirando su propia historia de modo alegórico. ¿Quién será ese chico que con una rosa en la mano es capaz de molestar y hacer sonreir a un continente entero? Vagabundear, cantar, sacar las alas y empezar de nuevo.

Europa- Me pesan aún viejas revoluciones y muchas guerras aún no curadas. Heridas en el corazón de mis hijos.
Viajero- Lo que usted necesita es un romance para llorar a gusto y luego volver a sonreir. Así curará viejas historias.
Europa- Eso son tonterías.
Viajero- Anda, Deje que pruebe con una canción...

La hija del molinero, el romance del Quintado, “Chanson d’avril”, Vagabong, el mito de Pandora dado la vuelta, la tarantela y cientos de palabras a ratos como copos de nieve y a ratos pétalos fragantes en un espectáculo de Alfonso Salas y Manuel Ferrero.

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Categorías: Artes escénicas

15/04/2018

1945 Dir.: Ferenc Török

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: 1945
Año: 2017
Duración: 91 min.
País: Hungría
Dirección: Ferenc Török
Guion: Gábor T. Szántó, Ferenc Török
Música: Tibor Szemzö
Fotografía: Elemér Ragályi (B&W)
Reparto: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes, József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus
Productora: Katapult Film
Género: Drama | II Guerra Mundial. Holocausto
Sinopsis
Un sofocante día de agosto de 1945, recién acabada la guerra en Europa, los habitantes de un pueblo se preparan para la boda del hijo de un funcionario del ayuntamiento. Mientras, dos judíos ortodoxos llegan a la estación de tren portando dos misteriosas cajas. El funcionario teme que los hombres sean hijos de los judíos que fueron deportados, que vienen a reclamar las propiedades que ahora tienen ellos de manera ilegal, perdidas por sus dueños durante la guerra y el holocausto nazi. Otros lugareños tienen miedo de que vengan más supervivientes y de que éstos representen una amenaza para las tierras y las posesiones que ahora reclaman como suyas.

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Categorías: Cine

16/04/2018

Tú también eres Clown. Nivel II

TODA LA INFORMACIÓN Y MATRÍCULA EN:

http://extensionuniversitaria.unileon.es/euniversitaria/curso.aspx?id=1238

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Categorías: Talleres

17/04/2018

SONNY BOY Dir.: Maria Peters

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en la taquilla del teatro

Título original: Sonny Boy
Año: 2011
Duración: 130 min.
País: Países Bajos (Holanda)
Dirección: Maria Peters
Guion: Maria Peters, Pieter Van de Waterbeemd (Novela: Annejet van der Zijl)
Música: Henny Vrienten
Fotografía: Walther van den Ende
Reparto
Ricky Koole, Sergio Hasselbaink, Marcel Hensema, Micha Hulshof, Gaite Jansen, Martijn Lakemeier, Frits Lambrechts, Anneke Blok, Robbert Blokland, Ydwer Bosma, Katja Herbers
Productora: Shooting Star Filmcompany BV
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Basado en hechos reales. Años 20. II Guerra Mundial

Sinopsis
Adaptación de Sonny Boy, la novela homónima de Annejet van der Zijl, un bestseller basado en una descorazonadora historia real de un amor prohibido que tuvo lugar en los Países Bajos durante la primera mitad del s. XX. Sonny Boy empieza en 1928 y narra la tumultuosa historia de Waldemar, un estudiante negro de 19 años de Surinam (que por entonces pertenecía a los Países Bajos), y Rika, una mujer holandesa, casada y respetable, que ronda los cuarenta. A pesar de las diferencias, se enamoran perdidamente el uno del otro. Sin embargo, su amor se pondrá a prueba cuando, primero, ella se quede embarazada, y, después, diez años más tarde, escondan a varios judíos bajo su techo durante la Segunda Guerra Mundial.

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Categorías: Cine

18/04/2018

TEATRO CORSARIO “Barataria”

ENTRDA LIBRE, hasta completar aforo

Propone: FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS ULE

Página oficial

Descarga el dossier de TEATRO CORSARIO "baratria" en el siguiente archivo adjunto

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Archivos adjuntos:

5ab399d0cad01623103151.pdf

Categorías: Artes escénicas

19/04/2018

VÍCTOR COLMENERO Proyecto: Muro

Entrada libre, hasta completar aforo

VÍCTOR COLMENERO web

“A wall is better than fencing, and it’s much more powerful, it’s more secure. It’s taller.”
Donald Trump

Trump asume que un muro es más seguro, potente y alto que una valla. Esta afirmación rebasa el material, mezcla cualidades físicas y sensaciones, la seguridad y la altura.

Mi trabajo trata el cortocircuito entre la construcción del concepto-imagen-lenguaje y la resistencia-agotamiento que presenta a éste el cuerpo y el material.

En la actualidad existen 14 muros materiales en proyección o construcción frente a los 21 ya existentes. El muro es un espacio que separa y aisla. El muro, como la esfinge, no está solo formado de piedra, tiene una identidad como arquetípo que hace que nos sintamos más seguros y que lo veamos más alto y robusto que una valla.

Muro es un proyecto de acumulación, de adición de capas que se producen en bucle o progresiones. Es una experiencia inmersiva, un espacio no habitable por la saturación de material pero que a la vez es configura identidades y conflictos entre ambos lados.

Colaboradores: Stefan Garrido, Ángela Losa y Elisabet Sánchez Altube.

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

20/04/2018

LARA BROWN. Proyecto: Auto- o cómo generar multitud de maneras de mirar un cuerpo

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

“Perder la forma humana podría pensarse como una invitación a la mutación, como un salirse de sí mismo hacia nuevos parámetros de lo sensible. Perder la forma humana como una elección del camino de la auto creación permanente, del espíritu libre que se emancipa de la razón y de los dogmas modernos occidentales en busca de una sensibilidad diferente. Un modo de fuga del sujeto sujetado a sentidos comunes rutinizados que definen cómo y qué deben ser los cuerpos, las almas, los pensamientos, las conductas, las voluntades.”

Encontré este texto escrito por Diana Lucena en el capítulo Estrategia de la alegría, del catálogo de la exposición Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Durante esos esos días pensaba en cómo las personas necesitan identificarse con algo para poder comprender lo que son. Al igual que cuando los otros te miran, que necesitan procesar la información que tu imagen despliega y relacionarla con algo que ya conocen para poder comprender lo que ven y para poder construir lo que eres.

Traté entonces de practicar el ejercicio contrario al que la sociedad propone buscando maneras para des identificarlo todo, para perder esa forma humana, con la intención de dotar de tal libertad al cuerpo que pueda transitar por todas las realidades posibles. Y así, hacer que las miradas que construyen la identidad desde fuera, no logren ser sedentarias.

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Categorías: Artes escénicas

21/04/2018

TEATRO ABIERTO, presenta: "DESIGUALES"

Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DOSSIER TEATRO ABIERTO en:

https://yoryo.com/varios/desiguales/Dossier.pdf

Como pasa con cualquier artista, Woody Allen puede gustar o no, pero está claro que plantea ideas muy suyas, junto a temas que pueden considerarse obsesivos por reiterados en toda su producción. Leyendo su obra “Adulterios”, nos resultó divertida la propuesta crítica sobre los derechos de autor, tema que padecemos quienes hacemos teatro. Pero al mismo tiempo nos preguntamos qué pasaría trasladando su visión masculina del sexo, el judaísmo, el psicoanálisis, etc., a una perspectiva femenina.
Esta visión se plasma en el encuentro de dos mujeres con vivencias opuestas, y la presencia de un músico que ejerce de testigo.
El resultado queda plasmado en esta obra que titulamos “Desiguales” y que esperamos despierte en el público algo de la polémica que nos motivó para montarla.
El elenco está integrado por Pepa Otero Feliz, Gonzalo Ordás y Renée Jaitt, con Alejandra Nieto como Ayudante de Dirección, y la Dirección General de Renée Jaitt, en esta nueva producción de TEATRO ABIERTO

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

22/04/2018

PERDIDO (Francia) Dir.: Christian Carion

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Mon garçon
Año: 2017
Duración: 84 min.
País: Francia
Dirección: Christian Carion
Guion: Christian Carion
Música: Laurent Perez del Mar
Fotografía: Eric Dumont
Reparto: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Marc Robert
Productora: Nord-Ouest Production
Género: Drama | Secuestros / Desapariciones

Sinopsis
Un padre muy ocupado hace numerosos viajes por África, Sudamérica y Oriente Medio. La pasión que siente por su trabajo le ha distanciado de sus seres queridos. Hace tres años que se divorció, y desde entonces ha visto a su hijo en contadas ocasiones. Pero cuando éste desaparece, se ve obligado a aparcar su vida profesional, y comienza entonces a descubrir muchas cosas sobre su exmujer y su hijo. Un terrible sentimiento de culpa le invade, y decide encontrar a su hijo, cueste lo que cueste.

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Categorías: Cine

25/04/2018

LORE AMENÁBAR (acordeón)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en taquilla

LORE AMENABAR
Nace en Irura en 1995. A la edad de 8 años inicia sus estudios de acordeón y en 2009 pasa a ser alumna de Salvador Parada en el Conservatorio Francisco Escudero de San Sebastián. En 2013 comienza el Grado Superior con Matti Rantanen en Helsinki.
Estos son algunos de los premios que ha conseguido tanto a nivel individual como en música de cámara: Primer premio en el “Concurso de Acordeón de Arrasate” en categoría Infantil (2008) y Junior (2011); primer premio en el concurso de “Jóvenes Músicos de Euskadi” a nivel individual y segundo en música de cámara junto al clarinetista Iván Arostegui en 2013. Además, participó en la grabación de la obra de Francisco Escudero “Fantasía Geosinfónica” bajo la batuta de Iñaki Alberdi en 2010. En 2015 consiguió el cuarto puesto en “Klingenthal Accordion Competition”. Además, en 2016 interpretó la Premier de Helsinki de la obra “Niin kauan minä trampaan” de Paavo Korpijaakko junto al cuarteto de cuerdas de la Filarmónica de Helsinki. Finalmente, acaba de obtener el primer premio en el concurso Juventudes Musicales de España.
Actualmente, continúa sus estudios de postgrado en Sibelius Akatemia con el profesor Mika Väyrynen.

EXPERIENCES
Obras de:
Prière Op. 20 - C. Franck (12´)
Vento Op.58 - J. Kaipainen (12´)
Cuatro Diferencias (I, II, IV) - G. Erkoreka (8´)
Chacona en Fa menor – J. Pachelbel (10´)
Mephisto Maze – V. Kujala (10´)

Imágenes:

Categorías: Música

26/04/2018

LORE AMENÁBAR (acordeón)

LORE AMENABAR
Nace en Irura en 1995. A la edad de 8 años inicia sus estudios de acordeón y en 2009 pasa a ser alumna de Salvador Parada en el Conservatorio Francisco Escudero de San Sebastián. En 2013 comienza el Grado Superior con Matti Rantanen en Helsinki.
Estos son algunos de los premios que ha conseguido tanto a nivel individual como en música de cámara: Primer premio en el “Concurso de Acordeón de Arrasate” en categoría Infantil (2008) y Junior (2011); primer premio en el concurso de “Jóvenes Músicos de Euskadi” a nivel individual y segundo en música de cámara junto al clarinetista Iván Arostegui en 2013. Además, participó en la grabación de la obra de Francisco Escudero “Fantasía Geosinfónica” bajo la batuta de Iñaki Alberdi en 2010. En 2015 consiguió el cuarto puesto en “Klingenthal Accordion Competition”. Además, en 2016 interpretó la Premier de Helsinki de la obra “Niin kauan minä trampaan” de Paavo Korpijaakko junto al cuarteto de cuerdas de la Filarmónica de Helsinki. Finalmente, acaba de obtener el primer premio en el concurso Juventudes Musicales de España.
Actualmente, continúa sus estudios de postgrado en Sibelius Akatemia con el profesor Mika Väyrynen.

EXPERIENCES
Programa
Prière Op. 20 - C. Franck (12´)
Vento Op.58 - J. Kaipainen (12´)
Cuatro Diferencias (I, II, IV) - G. Erkoreka (8´)
Chacona en Fa menor – J. Pachelbel (10´)
Mephisto Maze – V. Kujala (10´)

Imágenes:

Categorías: Música

26/04/2018

TODO ES AMOR. Dir.: Joram Lürsen

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

Título original: Alles is liefde
Año: 2007
Duración: 110 min.
País: Países Bajos (Holanda)
Dirección: Joram Lürsen
Guion: Kim van Kooten
Música: Melcher Meirmans, Merlijn Snitker, Chrisnanne Wiegel
Fotografía: Lex Brand
Reparto
Michiel Romeyn, Thomas Acda, Anneke Blok, Carice van Houten, Jeroen Spitzenberger, Wendy Van Dijk, Daan Schuurmans, Paul de Leeuw, Peter Paul Muller, Chantal Janzen, Valerio Zeno, Marc-Marie Huijbregts, Lies Visschedijk, Viggo Waas, Marisa Van Eyle, Bas Keijzer
Productora: Motel Films / Fu Works / Verenigde Arbeiders Radio Amateurs (VARA)
Género: Comedia. Romance | Comedia romántica

Sinopsis
John y su mujer Elena, un mundialmente famosa patinadora sobre hielo, están a punto de firmar los papeles del divorcio, pero cuando el mundo está a punto de sufrir un colapso cósmico, ambos se dan cuenta de que quizá merece la pena luchar por su amor...

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Categorías: Cine

27/04/2018

LAS CHICAS DE AMANECER DORADO

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

LAS CHICAS DE AMANECER DORADO
Håvard Bustnes
2017 - 95 min.
VO en griego e inglés subtitulada en castellano
Dinamarca, Finlandia, Noruega
mujer, política

Ficha técnica
Dirección: Håvard Bustnes
Producción: Christian Falch, Håvard Bustnes
Coproducción: Faction Film, House of Real, Napafilms
Producción ejecutiva: Nick Broomfield
Fotografía: Lars Skree, Viggo Knudsen
Edición: Anders Teigen
Sonido: Håkon Lammetun
Compositor: Jonas Colstrup

SINOPSIS
“¿Qué ha pasado en Grecia?”, se pregunta en voz alta el cineasta Håvard Bustnes al inicio de este inquietante documental. En los últimos años, la imagen de un país con playas soleadas y gente amigable ha sido oscurecida por ideologías políticas cercanas al nazismo que se encarnan en Amanecer Dorado, el partido que en las elecciones de 2012 consiguió 21 escaños en el parlamento griego.
Cuando numerosos miembros destacados del partido son encarcelados, sus mujeres (entre ellas, la hija del líder Nikos Michaloliakos) toman las riendas de la formación y continúan transmitiendo su mensaje. Todas ellas tienen la suficiente experiencia para evitar grietas en el discurso oficial y se aseguran de que las entrevistas que les hacen queden como tal y como quieren. Pero, en un momento de distracción, el director huye corriendo con la cámara y consigue grabar imágenes comprometidas del partido neonazi. El material resultante, complementado con imágenes de archivo, no deja ninguna duda sobre el lado depravado de este partido político y revela el abismo, cada vez más claro, entre la realidad y la imagen que pretenden dar.

Sobre la dirección (Håvard Bustnes)
Håvard Bustnes es director y productor, licenciado en Dirección para Televisión por la Escuela de Cine y TV de Lillehammer, Noruega. Sus primeras películas fueron Two Raging Granni, Health Factory y Big John, con la que ganó el prestigioso premio a Mejor Documental en los Amanda Awards de Noruega. Su nueva película Golden Dawn Girls (Las chicas de Amanecer Dorado) se estrenó en el festival IDFA en noviembre de 2017.

Premios y Festivales
Nominación en:
IDFA - Países Bajos, 2017
Tromsø International Film Festival - Noruega, 2018
Göteborg International Film Festival - Suecia, 2018

Imágenes:

Categorías: Cine

28/04/2018

TAMBALEOS DE PERDIZ, presenta: "Vértigo al agua"

Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Danza contemporánea y teatro físico.
TAMBALEOS DE PERDIZ
VERTIGO AL AGUA

Duración: 50‘
Creación colectiva.
Dirección: Ángel Zotes Ramos

Proyecto coreográfico que acoge el agua como uno de los elementos más transformables.
Desde su simpleza puede pasar desapercibida y transformar todo cuanto toca o traviesa su zona, incluso a la luz con su velocidad. Desde la más apacible ternura, a una de las fuerzas transformadoras más poderosas. Se la añora, se la respeta y se la teme.
Un paraíso, una frontera. Trascendencias y rituales de un estado a un no estado.
Trashumancia. Experiencia cíclica. Procesos, vivencias, encuentros y despedidas.
La indecisión, y el vértigo. Lo que deseamos y las trabas invisibles que nos aploman. Sobre la necesidad de asombro, el reto y el riesgo. Sobre lo desconocido.

Un no-poema:
Huyendo hacia la orilla.
Esta noche se formaron los charcos.
Amaneció un mundo de edificios y gentes.
Me atrapo.
Lo Sentí al verme en el suelo, tan lejos.
Desde la altura.
Cierra los ojos y se deja caer.
Suena, sueño, me resuena.

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

01/05/2018

III MEMORIAL DIEGO PÉREZ. BANDA DE MÚSICA DE LA SOCIACIÓN DE ESCUELAS MUNICIPALES DE MÚSICA DE LEÓN Y BANDA DE MÚSICA JUVENTUDES MUSICALES UNIVERSIDAD DE LEÓN

ENTRADA LIBRE (Se realizará control de aforo en el acceso)

ESTRENO THE GOST SHIP

Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

YA NO VOLVERÉ
con dramaturgia de Juan Luis Sáez.
Desde que comenzó el siglo XXI más de 30.000 personas han acabado sus días en las aguas del Mediterráneo intentando llegar a la vieja Europa. La escala de desplazamientos humanos debidos a la guerra, la pobreza, la hambruna, las enfermedades, la falta absoluta de proyecto de vida, es imparable y superior a las vividas en toda la historia de la humanidad. Los gobiernos, que en parte son los responsables de los conflictos que provocan este éxodo, son incapaces de dar soluciones al drama que se desarrolla en millones de personas a la deriva de los caminos y de las fronteras, intentando alcanzar un lugar donde puedan establecerse y llevar una vida digna. La condición humana, que siempre ha mantenido una lucha porque no se pudiera dividir entre ricos y pobres, ha pasado a establecer una nueva diferenciación: legales e ilegales, con papeles o sin papeles, dando así razones a los legisladores para realizar con total impunidad políticas discriminatorias, abusivas e inhumanas.
Las razones incuestionables que llevan a tanta gente a emprender un viaje abierto a la muerte forman parte del planteamiento de nuestro montaje; el vacío del emigrante que ha llegado a lo que en su sueño era un paraíso y la realidad es otra muy distinta, y la seguridad de que ya no volverá al lugar de sus ancestros, al lugar de sus raíces de su universo cultural y emocional.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgia y dirección: Juan Luis Sáez / Reparto: Beatriz Isabel Bernal, Alicia de la Peña, Pedro Javier Díaz, Paula Fernández, Daniel García, John Halnan, Berta Pascual, Daniel Rodríguez y Javier San Eustaquio / Técnico de luz y sonido: José A. Pereda (Bisby) / Cartel (Imagen): Javier San Eustaquio / Máscaras: Román (Taller Guirigay).

El Aula de Teatro de la Universidad de Burgos, nace en 1997, pocos años después de la creación de la propia universidad burgalesa. Una de las ramas que se desarrolla dentro de la actividad del Aula es la producción teatral por medio de su Grupo Estable de Teatro, que complementa la actividad formativa en materia de artes escénicas, tanto a nivel cultural, estético, humanístico, como a nivel de compromiso con la sociedad y atendiendo a las tendencias y estilos que marcan los tiempos actuales. Los montajes son estrenados en la Muestra de Teatro Universitario que el Aula de Teatro organiza, promoviendo el intercambio de representaciones con otros Grupos de Teatro universitarios en todo el ámbito nacional.

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Categorías: Artes escénicas

05/05/2018

AULA DE TEATRO UNIVERSITARIA DE OURENSE. GRUPO MARICASTAÑA, presenta: "Las ondas de las piedras en el Río"

Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

TODA LA INFORMACIÓN en:

http://aulateatroourense.blogspot.com.es/2018/02/las-ondas-de-las-piedras-en-el-rio-cast.html

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

06/05/2018

COMPAÑÍA DE TEATRO USC-LUGO, presenta: "WK"

Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

la obra
“Había una vez un pobre niño que no tenía padre ni madre, todos fallecieran y ya no quedaba nadie en el mundo. Todos fallecieran. El se puso a llorar día y noche. Y como ya no había nadie en la tierra quiso ir al cielo, y la luna era un pedacito de madera podrida. Entonces se fue al sol y, cuando llegó, era un girasol seco, y cuando llegó a las estrellas, estas eran pequeños mosquitos de oro que estaban prendidos
como los prende el halcón en el endrino, y cuando quiso volver a la tierra era una olla al revés y estaba completamente sólo, entonces se sentó y empezó a llorar. Aún sigue sentado y está completamente sólo”
Woyzeck se considera una de las primeras obras de teatro contemporáneo, en la que por primera vez encontramos un hombre de baja sociedad como protagonista.

Ficha
……………………….
Elenco
Enxhi Toska
Adrián del Rio
Pablo Fernández
Soraya Comba
Elba Fernandez
Giovanni Peixoto

Ficha artística
Luz y sonido: Alfredo Sarille
Diseño espacio escénico: Paloma Lugilde e Oscar Lago
Logística: Paz Fernández Freire
Corrección lingüística Xusto Rodríguez- Servizo de Normalización lingüística

El grupo

La compañía de Teatro USC-Lugo lleva como Aula de la USC en Lugo ya más de 25 años funcionando. Desde el 2003 los montajes son dirigidos por Paloma lugilde salvo 4 años . Ponemos aquí los últimos montajes dirigidos por la actual directora:
2004 Joan . Premio Na Vangarda de la comunidad autonóma Gallega y mención especial en la MITEU Ourensá. Premio mejor espectáculo, dramaturgia, dirección e interpretación en Valencia
2005 Nai? de Máximo Gorki, mención especial en la MITEU Ourensá.Premio mejor espectáculo, dramaturgia e dirección en Valencia
2006 KM 526 de Paloma Lugilde y Claudio Rodríguez, mención especial en la MITEU
Ourensá
2007 O Público de Lorca,mención especial en la MITEU Ourensá
2012 In Yer face. Na túa cara de Paloma lugilde basada en texto de Sarah Kane .
Premio del jurado de la MITEU Ourensá

2013 Animaliños de Roberto Vidal Bolaño. Premio del jurado y del público de la MITEU Ourensá. Premiomejor dirección , espectáculo, espacio escénico, interpretación femenina, iluminación en la Mostra Universitaria de Santiago

2014 Miosotis , non me esquezas . Basada en Comedia sin Título de Lorca, mención especial en la MITEU Ourensá
2015 Lear de nada nada sae basada el Rey Lear,mención especial en la MITEU Ourensá
2016 O Público de Lorca mención especial en la MITEU Ourensá. Premio a la mejor iluminación y dirección en el Festival Universitario Nacional de Toledo 2017
2017 Paz Perpetua de Mayorga,mención especial en la MITEU Ourensá
2018 WK

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

09/05/2018

MARTA FEMENÍA (flauta) y KARLA MARTÍNEZ (piano)

Pincha aquí para mas información

Imágenes:

Categorías: Actividades culturales , Música

09/05/2018

EXPOSICIONES

9 – 31 mayo 2018

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Facultad de Educación

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Escuela Superior y Técnica de Ingeniería Agraria

PORTADAS DE VINILOS EN LA COLECCIÓN PERMANTENTE DE MANUEL TEJADA
(fotografía y diseño)
Comisarios: Agustín Berrueta y Carlos Carro
Centro de Idiomas

15 mayo – 21 junio 2018

ADRIAN DE LA TORRE (fotografías)
Biblioteca del Campus de Ponferrada

Imágenes:

Categorías: Exposiciones

10/05/2018

EL NAÁN

ENTRADAS (8 €): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del Teatro.

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné universitario y DNI

Descarga el DOSSIER del NAÁN en este pdf

Imágenes:

Archivos adjuntos:

5aec4bf51bd23150423868.pdf

Categorías: Música

11/05/2018

ALFREDO MIRALLES, presenta: "Tracking"

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

Sinopsis:
"Tracking" es un espectáculo sobre el Big Data que trata de acercar, mediante las artes escénicas, una reflexión sobre los datos que genera nuestro cuerpo en su desplazamiento por el espacio. Mediante una serie de dinámicas participativas, se fomenta en el público algunas reflexiones sobre el intercambio de datos que establecemos cuando navegamos por internet o cuando usamos diferentes dispositivos tecnológicos. Además, una serie de piezas de danza contemporánea con sensores poetizan sobre el concepto del rastreo. Por último, se establece una conversación con el público en la que los ingenieros explican cómo funcionan los sistemas de control del espectáculo y permiten que los espectadores lo prueben con su propio cuerpo.

Equipo artístico:
Dirección: Alfredo Miralles
Creación tecnológica: Javier Picazas, Clara Gómez, Javier Talavante, Ramsés Salas.
Interpretación: Miguel Valentín, Clara Gómez y Alfredo Miralles.
Han inspirado el proceso: Andrea Perissinotto, Antonio Rodríguez de las Heras
Co-producen: INJUVE – Instituto Nacional de Juventud y Universidad Carlos III de Madrid.

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

12/05/2018

ROSARIO GRANELL, GONZALO ORDÁS, KARLOS VIUDA Y RENÉE JAITT, presentan: "Girondo"

Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

FOTOGRAFÍAS

Imágenes:

Categorías: Exposiciones

17/05/2018

ROMÁN MONTESINOS “Nada es lo que parece ni era lo que está”

Román Montesinos
“Nada es lo que parece ni era lo que está”

La exposición:
“Nada es lo que parece ni era lo que está” muestra una colección de fotografías en la que se establece una simbiosis entre objetos en busca de una metáfora, un universo en que las contingencias conducen a greguerías y transportan hacia visiones imaginarias donde el humor, la crítica social y/o la ironía, son hilos conductores. La asociación de objetos dispares, puede surgir, de golpe, aleatoria o contingente, al descubrir un objeto en cualquier lugar, y otras veces es buscada, al sostener un objeto en las manos y dejar que la mente divague en pos de una nueva imagen compuesta de ambas. Las fotografías de Nada es lo que parece ni era lo que está tienen propuesto un título, pero la capacidad de cada observador y sus vivencias harán que surjan interpretaciones dispares: la mente humana compone caleidoscopios a partir de una sola imagen.

El autor:
Román Montesinos, natural de A Coruña (España), geólogo, fue profesor universitario hasta su reciente jubilación. La que fue su especialidad, la Paleontología, condicionó su forma de pensar a la hora de establecer paralelismos críticos entre las formas, buscando analogías y diferencias. Un largo aprendizaje le ha llevado a recalar desde hace años en la fotografía. Más de cincuenta muestras individuales, varias colectivas y su participación en varios proyectos artístico-fotográficos, le han hecho un hueco entre los creadores de imágenes.
En el proyecto que presenta la Universidad de León mantiene vigente su línea de indagación y expositiva, las “metáforas visuales”, que el autor lleva desarrollando como proyecto creativo desde hace años, y que se ha relacionado –más o menos acertadamente- con la “poesía visual” de Joan Brossa o de Chema Madoz, referencias en este campo en España. El autor propone al espectador un juego basado en alusiones y contingencias entre objetos, un diálogo entre espectador y autor en el cual, el primero es libre de reinterpretar lo expuesto adaptándolo a su singular forma de pensar. Si bien se las ha descrito como “imágenes visionarias”, pertenecen más bien al ámbito de la metáfora. Son fotografías desnudas en las cuales los objetos toman el protagonismo sobre fondos blancos, negros o neutros, mostrando el concepto sin distracciones. La imagen choca directamente con los ojos y la mente del espectador y genera una reacción.

Imágenes:

Categorías: Exposiciones

17/05/2018

LUIS MIGUEL SANTOS UNAMUNO "Ceci n'est pas un Magritte"

   Este es un proyecto de apropiacionismos, capturas en la realidad cotidiana de reminiscencias, reflejos de la obra de artistas y corrientes con una identidad reconocible. La nómina de ellos es extensa y puede incluir también ismos, vanguardias, que se recuerdan mejor que los propios nombres de sus autores (casos del Land art, el Minimalismo, el Arte Conceptual, el Arte feminista, etc.). La sociedad de la imagen ha deglutido ya a muchos de ellos (caso de Miró en los carteles publicitarios, Calder en las lámparas de los pisos de estudiantes, Kandinsky en telas y tejidos llamativos, Munch y su Grito,…) y aquí se intenta ir un poco más allá. Pero por eso mismo la obra presentada no se sostiene por sí sola en cada una de las fotografías, no siempre efectistas, no siempre estéticamente bellas, no siempre técnicamente trabajadas, la mayoría de las veces encontradas en lugares inesperados, mal iluminados. No sería, pues, el caso de fotografías “bonitas, pero casi mudas” de las que nos hablaría Luigi Ghirri. Se busca que sean precisamente locuaces. Este Proyecto tiene un relato, un por qué, y por ello debe contemplarse como un todo. Sólo cuando, despaciosamente, se interna el espectador en la senda que este relato le propone puede darse un insight de comprensión.
   Las imágenes nunca se buscaron, se tomaron donde se encontraron y lo fueron, casi en su totalidad con la óptica limitada del teléfono móvil, lo que les hace resentirse en su calidad si bien en ocasiones una imagen imperfecta puede llegar a hacer pensar en el trazo desvaído de un pincel. No hubo preparación, ni puesta en escena, ni trípode, ni espera por l’instant décisif. Hubo, eso sí, hallazgo, inquietud, sorpresa, suerte. Por eso hay tantas tomas en viajes, en el extranjero, en las calles de ciudades donde llevas los ojos preparados para mirar, sin guía ni GPS, como un flâneur. En palabras de Elliot Erwitt: La fotografía es el arte de la observación. Se trata de encontrar algo interesante en un lugar ordinario. […] tiene poco que ver con las cosas que ves y mucho con cómo las ves.
   La obra, además de su perspectiva apropiacionista, presenta otra característica que la dota de interés. ¿Se hará realidad en ella la afirmación de Borges que conjeturó que un escritor puede influir en sus antecesores?. “Su labor modifica nuestra concepción del pasado, como ha de modificar el futuro”. La explicación de esta paradoja, extendida al mundo visual, se encuentra en el hecho de que los apropiacionistas nos fuerzan a mirar a sus epígonos a través de esos rasgos que han elegido para hacernos reconocible al autor de referencia.

   Luis Miguel Santos Unamuno se inició en la fotografía amateur gracias a contar en el hogar familiar con una sencilla ampliadora en blanco y negro y a que a principios de los 70 circularan por allí los ejemplares de una clásica revista, AF (Arte Fotográfico). Le fue así sencillo pasar de la foto de recuerdo a la fotografía con pretensiones artísticas si bien casi siempre para consumo privado. Su concepción estética, arraigada en lo abstracto, se acerca al expresionismo con ausencia casi total de personas, animales o paisajes rurales. Su herramienta ahora es el teléfono móvil, siempre en el bolsillo, poca calidad en el sensor pero dispuesto a ser disparado con celeridad. El escenario, por el contrario, sigue siendo el mismo: la ciudad, lo cotidiano, lo artificial, las luces de neón, los plásticos y metales.

Imágenes:

Categorías: Exposiciones

18/05/2018

FORMAN'S DRIVEWAY

ENTRADAS (8): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro
VENTA ANTICIPADA. Desde el martes 9 de mayo en: Bar Belmondo. La Buscona C/ San Lorenzo nº1
50% de descuento (*exclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Forman’s Driveway es el nombre tras el que se esconde el interior de Mario J. Delgado (Madrid, 1981), integrante de diferentes grupos en la escena nacional y leonesa, donde está afincado desde hace años. Fan efervescente de los setenta y la vida contemplativa de las pequeñas ciudades en las que se inspira su música, Forman’s Driveway es creado en 2011 como proyecto en solitario.

Mario J. Delgado combina elementos electrónicos en sus bases con canciones de corte tradicional basadas en potentes sonidos de guitarra eléctrica, que beben del blues de los setenta y el alt country independiente de finales de los noventa, teniendo entre sus referentes grupos como: Whiskeytown, Songs: Ohia y la innegable sonoridad en sus guitarras de Hendrix, Ray Vaughan o Peter Green entre otros.
En sus directos se incorporan a las filas de esta formación los leoneses: Alex Modia (Batería), María González Arija (Voz), Carlos Arede (Bajo).

Su Ep homónimo, compuesto por siete canciones procedentes de etapas pasadas, ha sido elegido mejor disco editado Demoscópicos 2017 Mondo sonoro (Castilla y León-Galicia).

- Tradición y vanguardia cohabitan en plena armonía dentro del debut de Mario Delgado al frente de este proyecto en el que en compañía de otros músicos va tejiendo con gran riqueza instrumental distintas capas sonoras sobre las que deslizar su voz, y cómo sucede en Runnin’Out, conmoverte sin remisión.

https://www.facebook.com/FormansDriveway/

https://soundcloud.com/formansdriveway/

https://vimeo.com/formansdriveway

http://formansdriveway.com

Forman’s Driveway se define con el imposible apelativo de ‘pseudocountryfunkypopstoper’, lleno a rebosar “de canciones bonitas y diversión para todos los públicos”

Imágenes:

Categorías: Música

19/05/2018

LA RUE TEATRO, presenta: "UN BARRIO"

Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

SINOPSIS:
Un Barrio, nos cuenta la historia de unos personajes que viven en la calle Azucena nº 12.
Mezclan sus vidas cotidianas, con otros personajes que se cruzan por el barrio, todo en clave de humor y pasando por todas las estaciones; primavera, verano, otoño e invierno. Disfrute con las peculiaridades y el humor de los habitantes de este barrio.
¡El que vea este espectáculo, se verá obligado a divertirse sin poder evitarlo!

FICHA TÉCNICA:
Escenografía y vestuarios: Auta T de Teatro
Técnica de iluminación y Sonido: Tere Vera
Diseño gráfico: Javier Pemart
Textos: Karl Valentin y La Rue Teatro
Versión y Dirección: Mercedes Saiz

Elenco de actores:
Lola Vera
Javier Bermejo
Teresa González
Javier Pemart
Mayte García
Ricardo García

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

19/05/2018

CORO de la UNIVERSIDAD de BURGOS & CORO “ÁNGEL BARJA” JJMM-ULE

P R O G R A M A

CORO “ÁNGEL BARJA” JJMM-ULE

J. Gutiérrez de Padilla
Domine ad adiuvandum me

C. V. Stanford
Beati quorum via (Salmo CXIX) op. 38

Texto: S. Groves. Ad. coral: S. LaBarr
Fly
Solista: Caroline Gowen

J. Busto/ P. Neruda
Soneto LXVI

Adap. coral: J. Hairston
Elijah rock

D. Paich -J.Porcaro. Ad. coral: P. Lawson
África (Toto)

Josu Elberdin
Segalariak

CORO de la UNIVERSIDAD de BURGOS

J. Busto/ P.M. Sancho
Hilando el sueño

C. Guastavino/ A. Vázquez
Bonita rama de sauce

E. Sanz/ L. Felipe
Más sencilla

J. Centeno
Da pacem, Domine
Solistas: Lucía Alejos y Susana Saiz

C. Guastavino/ R. Alberti
Se equivocóla paloma

A. Yagüe
Si fueras mía
Solista: Maddie Sapp

J. Busto/ F. Pino
Esta tierra

J. Centeno/ M. Benedetti
Necesito tu voz

CORO de la UNIVERSIDAD de BURGOS & CORO “ÁNGEL BARJA” JJMM-ULE

A. Ramírez/ Ad. Coral: A. Barja/ F. Luna
Alfonsina y el mar

Imágenes:

Categorías: Música

20/05/2018

SERGIO & SERGUÉI (Cuba) Dir.: Ernesto Daranas

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: Sergio & Serguéi
Año: 2017
Duración: 93 min.
País: Cuba
Dirección: Ernesto Daranas
Guion: Ernesto Daranas, Marta Daranas
Música: Tom Linden, Micka Luna
Fotografía: Alejandro Menéndez
Reparto: Camila Arteche, A.J. Buckley, Ana Gloria Buduén, Tomás Cao, Yuliet Cruz, Idalmis Garcia, Mario Guerra, Armando Miguel Gómez, Héctor Noas, Ron Perlman, Dayna Posada, Rolando Raimjanov, Ailín de la Caridad Rodriguez, Luis Manuel Álvarez
Productora: Coproducción Cuba-España-Estados Unidos; ICAIC / Mediapro / RTV Comercial / Wing and a Prayer Pictures
Género: Drama
Sinopsis
Año 1991. La antigua URSS se desintegra y Cuba entra en una gran crisis económica. Sergio, radioaficionado y profesor de Marxismo, no sabe qué hacer para reorientar su vida. Por su parte, Serguéi, el último cosmonauta soviético, se encuentra casi olvidado en la averiada estación orbital Mir. Sergio y Serguéi se comunican, dando inicio a una amistad que les ayudará a enfrentar los cambios que tienen lugar en sus respectivos países.
Premios
2018: Festival de Málaga: Sección oficial Largometrajes a concurso
2017: Festival de La Habana - Premio del público (Premio de la Popularidad)

Imágenes:

Categorías: Cine

22/05/2018

5º FESTIVAL DE CINE Y TELEVISIÓN REINO DE LEÓN

página oficial https://festivalcineytvleon.com/

Martes 22
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
CORTOMETRAJES DE ANIMACIÓN, 20 H.
LARGOMETRAJE “Blue Rai”, 22 h.
Teatro el Albéitar

Miércoles 23
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
CORTOMETRAJES FICCIÓN, 20 H.
DOCUMENTAL “Owino” “Porteadoras”, 22 h.
Teatro el Albéitar

Jueves 24
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
HISTORIAS CON SENTIDO
“Los hombres de verdad no lloran”, “Sergio”, “Cisco”, 20 h.
LARGOMETRAJE “Nosotros”, 22 h.
Teatro el Albéitar

Imágenes:

22/05/2018

5º Festival de Cine y Televisión Reino de León

web oficial https://festivalcineytvleon.com/

Martes 22
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
CORTOMETRAJES DE ANIMACIÓN, 20 H.
LARGOMETRAJE “Blue Rai”, 22 h.
Teatro el Albéitar

Miércoles 23
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
CORTOMETRAJES FICCIÓN, 20 H.
DOCUMENTAL “Owino” “Porteadoras”, 22 h.
Teatro el Albéitar

Jueves 24
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
HISTORIAS CON SENTIDO
“Los hombres de verdad no lloran”, “Sergio”, “Cisco”, 20 h.
LARGOMETRAJE “Nosotros”, 22 h.
Teatro el Albéitar

Imágenes:

Categorías: Cine

22/05/2018

La Pila “¡Ups! Ilustradores recopilados”

La Pila

La exposición “¡Ups! Ilustradores recopilados” muestra los últimos trabajos de algunos de sus socios de la PiLA, en torno a la ilustración y el diseño gráfico. Una muestra que sirve de presentación de la asociación en el Bierzo después de su fundación en 2015 en la ciudad de León.

La PiLA (Profesionales de la Ilustración y el Diseño de León Asociados) nace bajo la puesta en común de las inquietudes, experiencia profesional y aspiraciones de un pequeño, pero heterogéneo, grupo de ilustradores de la ciudad de León. Cómic, ilustración, diseño gráfico y docencia son algunas de las habilidades interconectadas que estos profesionales colocan sobre la mesa para poner en marcha la PiLA, que reivindica, aglutina y representa el trabajo de un número mayor de profesionales de toda la provincia. El objetivo esencial de la asociación es el de contribuir al enriquecimiento de la cultura gráfica y plástica de la sociedad leonesa, promoviendo el conocimiento de la ilustración y disciplinas afines, y reclamando su importancia como valor cultural, artístico y económico para los propios profesionales, para las empresas y las instituciones.

Nuestros objetivos son:

• Representar, promocionar, defender y difundir los intereses comunes de todos nuestros asociados.

• Reconocer y defender los derechos que nos corresponden como autores y velar por su cumplimiento.

• Potenciar el valor de los autores leoneses dentro y fuera de los límites geográficos de la provincia.

• Trabajar para hacer llegar a la sociedad el valor de la ilustración y el diseño gráfico a través de actividades tales como exposiciones, publicaciones, colaboraciones, conexiones en red, etc.

• Facilitar la formación continua de nuestros socios a través de cursos y conferencias, así como facilitar el contacto, el conocimiento y la colaboración mutuos.

• Fomentar la investigación, experimentación y desarrollo de la ilustración y diseño gráfico, bien a través de las nuevas tecnologías, bien mediante sistemas tradicionales.

Artistas que exponen en el Campus ULE de Ponferrada

Louis “Firioss” Gómez
Estudió Bellas Artes en la Universidad de Vigo, Pontevedra y completó su formación con varios cursos de edición y producción de video en el Richmond Adult Community College, Londres.
Actualmente vive en Ponferrada y trabaja como artista e ilustrador freelance.
Se especializa en ilustración gastronómica aunque también es un apasionado del arte de fantasía.
Trabaja con técnicas tradicionales, tales como tintas, rotuladores, lápices acuarelables, óleo y grafitos. En medios digitales utiliza tanto MAC como PC, tabletas gráficas tipo Wacom en programas como Photoshop, Illustrator e InDesign.
Y para edición de video utiliza Final Cut Pro X, Premiere y After Effects.

Laura G. Bécares
Es licenciada en Bellas Artes por la UPV/EHU y diplomada en Arte Terapia. Se dedica desde el 2013 de pleno al mundo de la ilustración editorial infantil y juvenil y la educación no reglada con niños y niñas, a través de talleres de arte, investigando en las posibilidades creativas propias de los más peques, además de la mediación artística para proyectos de intervención socioeducativa con diferentes colectivos en riesgo de exclusión social.

el abrelatas
El abrelatas es el nombre bajo el que trabaja la diseñadora e ilustradora Katia Prada, natural de Priaranza del Bierzo y reubicada en la misma localidad tras recorrer durante más de 10 años nuestra geografía para formarse educativa y profesionalmente.
Realiza sus estudios de Bellas Artes en Salamanca y se especializa en Diseño y Usabilidad de páginas web en Barcelona. En 2004 se traslada en Madrid donde comienza a desarrollar su carrera como diseñadora.
Como culo inquieto que es, colabora con otros artistas, participa en exposiciones colectivas e individuales exponiendo trabajos y creando instalaciones artísticas.
Imparte, organiza y/o participa en talleres de fotografía, dibujo, encuadernación, serigrafía y collage entre otros.
Actualmente está centrada en la ilustración, infografía y diseño de marca.

Beatriz Larepa
Hace del mezclum técnico su medio de expresión, creando como resultado un estilo multivalente y ecléctico. Compagina su labor profesional en ilustración y diseño con la investigación artística y el artivismo.

Patricia Gutiérrez
Ilustradora incansable y amante de la literatura y de la ilustración infantil y juvenil. En la actualidad trabaja como ilustradora para le revista cultural y de literatura Continuidad de Los Libros que compagina con diferentes trabajos de publicidad así como proyectos y talleres en torno a la ilustración infantil. Le encanta dibujar gallinas y personajes varios. Ten cuidado si te cruzas con ella, puedes acabar formando parte de una de sus ilustraciones.

Sara Potxemutxka
Licenciada en Bellas Artes. Realiza exposiciones, tanto individuales como colectivas. Su obra recoge vídeo-arte, pintura, dibujo con variedad enorme de técnicas gráficas, escultura objetual con intervenciones de otras artes plásticas, fotografía narrativa, performance, proyectos didácticos no convencionales y un amplio etcétera. Respecto a las artes aplicadas, podríamos destacar las facetas de retratista, pintora por encargo, ilustradora (tanto de proyectos gráficos, como de patronaje textil) o creadora de escenografía, entre otras.

Raquel Ordóñez Lanza
Técnico Superior de Grabado Artístico, diplomada en E. Musical y Lengua Extranjera, Graduada en Educación Primaria y Máster de Especialización en Educación Artística. Se dedica en la actualidad a la docencia y la investigación de la Educación Artística como herramienta de aprendizaje impartiendo cursos en centros de profesores y a la ilustración infantil , donde ha publicado con editoriales como EVEREST,MAREDITOR, RIMPEGO y GEU entre otras.

Isabel Medarde
Isabel Medarde es productora, realizadora y profesora de cine y vídeo. Estudió Dirección de Cine en el TAI (Madrid), Arte Dramático en la ESAD (Madrid) y Fotografía en EFTI (Madrid).
Aficionada al dibujo desde pequeñita. De resultas de ambas pasiones, cine y creación plástica, realiza trabajos de animación stop motion. A futuro, proyecta realizar animaciones en técnicas mixtas con los personajes de sus dibujos. El primero de estos proyectos es Smaug, historia de un dragón alcohólico, realizado a medias con Sergio González (Laboratorio Bambara).

Laura Lunaycuarto
Laura Rodríguez Rodríguez es historiadora del arte y restauradora de Bienes Culturales de Pintura.
Apasionada de la ilustración y la comunicación visual, a través de su marca Lunaycuarto busca aportar originalidad y creatividad a lo cotidiano.

Don Ricardo
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Gran aficionado a la historia y la etnografía, sobre todo al mundo de las creencias mágicas populares. Actualmente se dedica a producir obra gráfica en su taller de grabado. Como ilustrador ha publicado “Esbardu, vocabulariu llionés ilustráu” y “Llión Máxicu, pequeña mitoloxía llionesa”.

Oscar de la Huerga
Empecé como Aerografista, me actualicé a Infografista 3D, después fui reconvertido en Fotógrafo y he terminado como Diseñador Gráfico y Publicador web. Sólo me falta ser malabarista, que equilibrista lo hago bastante bien también.

JuanMa Salvi
Eterno inspirante a todo. Regular, Roman, Book o Bold, dependiendo del día. A veces Italic. Cazador silencioso de ideas y coleccionista de instantes. Devoto de la Virgen de la Creatividad y practicante en Salvi Design. Desubicado en el noroeste.

Minemore
Mireia, bajo el nombre artístico de minemore, es diplomada en Diseño de Moda en Madrid y Técnico en Diseño Gráfico, Web y Multimedia en León.
Ha trabajado de infografista en medios impresos y digitales y de diseñadora gráfica e ilustradora en estudios de diseño y agencias de comunicación, compaginándolo con trabajos freelance y proyectos de diseño social.
¿Ahora? Diseñadora gráfica y creativa en la agencia de marketing La Central (León y Madrid) y en la ONG Mundo Ético.

Categorías: Cine

29/05/2018

5º FESTIVAL DE CINE Y TELEVISIÓN REINO DE LEÓN

web oficial https://festivalcineytvleon.com/

Martes 29
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
CORTOMETRAJES DE ANIMACIÓN, 20 H.
DOCUMENTAL “La Batalla Desconocida”, “El Tesoro”, 22 h.
Teatro el Albéitar

Miércoles 30
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
HISTORIAS CON SENTIDO
“La niña bonita”, “Senegal”, “Princesa de hielo”, 20 h.
CORTOMETRAJES DE FICCIÓN, 22 h.
Teatro el Albéitar

Jueves 31
5º Festival de Cine y Televisión Reino de León
HISTORIAS CON SENTIDO
“Anormal”, “Gigantes Descalzos”, 20 h.
CORTOMETRAJES DE FICCIÓN, 22 h.
Teatro el Albéitar

Imágenes:

Categorías: Cine

01/06/2018

PETITET (Catalunya, España) Dir.: Carles Bosch

Invitaciones: a partir de quince minutos antes de la proyección en taquilla

Año: 2017
Duración: 103 min.
V.O. en catalán y castellano subtitulada en castellano
Catalunya, España
música y danza

Ficha técnica
Dirección: Carles Bosch
Guion: Carles Bosch, David Vidal
Producción: Tono Folguera, Sergi Moreno, Carles Bosch
Dirección de fotografía: Sofia Amadori
Sonido directo: Guillem Lira
Música original: Josep Sanou
Montaje: Carlos Prieto, Ernest Blasi
Diseño de sonido y mezclas: Dani Zacarías
Coproducción: Lastor Media, Turkana Films

Sinopsis
Joan Ximénez Petitet, un corpulento gitano del barrio del Raval de Barcelona, había acompañado —tocando los bongos— a muchos de los grandes músicos de rumba. Su padre fue palmero del famoso ídolo de la rumba catalana, Peret, ya muerto igual que todos los grandes nombres de su generación que popularizaron e internacionalizaron la rumba catalana.
Antes de morir su madre, Petitet le prometió que algún día devolvería la rumba catalana a la cima, a ser posible en uno de los escenarios más importantes como es el Gran Teatro del Liceo. Es hijo único y padece miastenia gravis, una enfermedad de las llamadas “raras” que solamente se diagnostica a una de cada 50.000 personas en todo el mundo y cuya cura aún no se ha investigado lo suficientemente.
Ahora, para poder cumplir su promesa, deberá reunir a una veintena de músicos gitanos —geniales, aunque indisciplinados— y conseguir el milagro que supone ponerse de acuerdo con una orquesta sinfónica. Los ensayos, ciertamente, son un caos: sus gitanos no han leído nunca una partitura. A pesar de las dificultades, Petitet aprovecha tanto los días buenos como los malos, dispuesto a cumplir la promesa que le hizo a su madre.

Sobre la dirección (Carles Bosch)
Carles Bosch, cineasta y periodista, ha obtenido el reconocimiento nacional e internacional por su nominación en los Oscar por el documental Balseros (2003), y ha sido ganador de los premios Goya y Gaudí por el documental Bicicleta, cuchara, manzana (2010), donde relata la lucha contra el alzhéimer de Pascual Maragall, expresidente de la Generalitat. Anteriormente trabajó como reportero internacional en la guerra entre Irán e Iraq, la ocupación soviética de Afganistán, la guerra de los Balcanes, la primera guerra del Golfo y los enfrentamientos en Irlanda del Norte, entre otros. Fue cofundador del mítico programa de Televisión de Catalunya “30 minuts”.

Premios y Festivales
• Película inaugural, DocsBarcelona – España, 2018.

Imágenes:

Categorías: Cine

02/06/2018

SOMOSPECES, (ECUADOR-LEÓN), presenta: "Nudo"

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro

NUDO
Una civilización sin nudos es una civilización quizás superhumana, y para algunos también apetecible, pero en todo caso es una civilización no humana.
Santiago Alba Rico.

KABCHURI
¿Dónde están los nudos?
¿Dónde están mis nudos?
Quizás en las palabras, en lo que como, en mi cuerpo, en lo que creo con mis manos, en mis relaciones con las demás, en el paso interminable del tiempo sobre mi piel o en las miradas que se enredan.

HAKARREVEDA
¿Cómo construir a partir del nudo?
Apretando fuerte, bailando, sumando mis nudos a los nudos de otra, acumulando nudos en círculos grande y pequeños, decidiendo nudos, cantándoles mientras (tú y yo) nos desanudamos, saltando, volviendo a los 17 o convirtiéndonos (tú y yo) en palomitas de maíz.

MUCHIKOPOUAK
¿Para qué sirven los nudos?
Para conversar con nuestras palabras y nuestros cuerpos, para atarnos a las demás, para volver a ser manos, para sostenernos todas juntas, para separarnos de las otras, para impedir que lo logremos, para afectar a las demás o para sentirnos juntas.

¿Dónde están tus nudos?
Esperando para que los ates a otros nudos.

Una creación de Marta Alaiz, Mónica Alonso, Alfredo Escapa, Beatriz Gutiérrez, Raquel Juste, Víctor Martínez, Soraya Parrado y Pablo Pino.

Coproducida por somospezes, Actividades Culturales Universidad de León, Satélite Residencia en Movimiento (Ecuador), Arte Actual Flacso (Ecuador), Pujinostro (Ecuador) y La Pequeña Nave (León).

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

03/06/2018

LA FÁBRICA DE NADA (Portugal) Dir.: Pedro Pinho

Entradas (5 €): a partir de quince minutos antes de cada proyección en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Título original: A fábrica de nada
Año: 2017
Duración: 177 min.
País: Portugal
Dirección: Pedro Pinho
Guion: Tiago Hespanha, Luisa Homem, Leonor Noivo, Pedro Pinho (Idea: Jorge Silva Melo)
Fotografía: Vasco Viana
Reparto: Carla Galvão, Dinis Gomes, Américo Silva, José Smith Vargas
Productora: Terratreme Filmes
Género: Drama | Trabajo/empleo

Sinopsis
Una noche, un grupo de trabajadores se da cuenta de que la administración está robando maquinaria y materiales de su propia fábrica. Cuando se preparan para organizar el equipo y la producción, se les obliga a no hacer nada, como represalia, mientras las negociaciones para su despido están en marcha. La presión desencadena una revuelta entre los trabajadores, lo que afectará a todo lo que les rodea.

Premios
2017: Festival de Cannes: Premio FIPRESCI - Quincena de los realizadores
2017: Festival de Mar del Plata: Selección oficial largometrajes a concurso
2017: Premios Fénix: Mejor montaje
2017: Festival de Sevilla: Giraldillo de Oro (Mejor película)

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Categorías: Cine

06/06/2018

Carlos Marín. Concierto de piano

Carlos Marín. Concierto de piano

Carlos Marín (Madrid, 1994) ha sido descrito por la crítica española como un pianista de “poderosa técnica”, “refinada musicalidad” y “madurez musical sorprendente” (Mundo Clásico, Roberto San Juan). El programa está inspirado en la fascinación entre Albéniz por Liszt y del compositor húngaro por lo español.

Organizado con Juventudes Musicales de España y el Secretariado de Actividades Culturales de la Universidad de León, con el apoyo deInaem, Injuve, Generalitat de Catalunya-Dept. de Cultura, AIE, la ayuda de Fundación SGAE y la colaboración del Conservatorio Cristóbal Halffter

Más información: www.jmconciertos.com

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Categorías: Música

30/06/2018

CONCIERTO FIN DE CURSO JUVENTUDES MUSICALES

ENTRADA GRATUITA, control de aforo en el acceso

CORO JUVENIL “ÁNGEL BARJA”

Ola Gjeilo
Ubi Caritas
(con improvisación del piano)

Gunnar Eriksson
To The mothers in Brazil (Salve Regina)

Jake Runnestad
Nyon Nyon

Albert Hernández
Goza mi Calipso

Elena Fernández Delgado y Aitor Olivares Garcia, Directores
Antonio Escoriza, piano

ORQUESTA
JUVENTUDES MUSICALES
UNIVERSIDAD DE LEÓN

J. Sibelius
Valse Triste
de la música incidental para Kuolema Op. 44

Coro "Ángel Barja" JJMM-ULE & Orquesta JJMM-ULE
G. F. Haendel
Tres coros de la segunda parte de El Mesías HVW 56
(Arr. W. A. Mozart K. 572)
Behold the Lamb of God
Lift up your heads, O ye gates
Hallelujah

Juan Luis García Diez, Director

CORO “ÁNGEL BARJA”
JUVENTUDES MUSICALES
UNIVERSIDAD DE LEÓN

Arvo Pärt
Bogoroditse Djévo

Josep Vila i Casañas
In Paradisum

Sara Groves (Arr: Susan LaBarr)
Fly

Ariel Ramírez (Arr. Ángel Barja)
Alfonsina y el mar

David Paich & Jeff Porcaro (Arr. Philip Lawson)
África (toto)

Aitor Olivares García, Director

BANDA DE MÚSICA
JUVENTUDES MUSICALES
UNIVERSIDAD DE LEÓN

Emilio Rosillo
Santander (Pasodoble)

A. Malando
Ciclo de Ríos
-Río Negro
-Orinoco
-Chubut

E. Morricone (Arr. Johan de Meij)
Moment for Morricone

Luis Martínez García de Longoria, Director

Imágenes:

Categorías: Música

07/08/2018

XXXII Curso Internacional de Composición de Villafranca del Bierzo 2018

pincha aquí toda la INFORMACIÓN y MATRÍCULA

El Curso Internacional de Composición Cristóbal Halffter de Villafranca del Bierzo, cuenta con una historia muy prestigiosa tanto de alumnos como de profesores, en este curso de 2018, queremos darle un nuevo impulso enfocándolo sobre todo en la relación intérprete alumno y compositor/ intérprete.

Esta relación es absolutamente novedosa y única a nivel internacional y se establece a través de la presencia del compositor Cristóbal Halffter, en las clases impartidas durante la interpretación de su obra.

Profesores:
Cristóbal Halffter Jiménez. Compositor
Pedro Halffter Caro. Director de Orquesta y Compositor
Lagoba Fanlo . Jefe del Departamento de cuerda de RCSM en Madrid. Associate of the Royal Academy of Music of London.

FOLLETO INFORMATIVO en este pdf

Imágenes:

Archivos adjuntos:

5b5ad67774137889706142.pdf

Categorías: Otros

03/09/2018

CORO MOZART y CORO JUVENIL "ÁNGEL BARJA" JJMM-ULE

P R O G R A M A

CORO JUVENIL “ÁNGEL BARJA” JJMM - ULE

Jubilate Deo - Arild Sandvold
Al Shlosha d’varim - Allan E. Naplan
Ubi Caritas - Ola Gjeilo
To The Mothers In Brazil (Salve Regina) - Gunnar Eriksson
Nyon Nyon - Jake Rubestad
Goza mi Calipso - Albert Hernández

Pianista: Antonio Escoriza
Directores: Elena Fernández Delgado y Aitor Olivares García

C O R O M O Z A R T

WEB OFICIAL CORO MOZART

The Greatest Show
Música e Letra: Benj Pasek e Justin Paul
Arr: Mark Brymer
Adapt: Dionísio Vila Maior

New York, New York
Fred Ebb & John Kander
Harm. vocal SATB: Mac Huff
Adapt.: Dionísio Vila Maior

It Had Better Be Tonight
Henri Mancini e Johnny Mercer
Arr: Kirby Shaw
Arr. e Adapt: Dionísio Vila Maior

The Mad Hatter
Música: Frank Wildhorn; letra: Jack Murphy
Adaptação: Dionísio Vila Maior

Prince Ali
Alan Menken; Chad Beguelin
Arr: Mac Huff

You Raise Me Up
Rolf Lovland e Brendan Graham
Arr: Mark Hayes

Stand By Me
Ben E. King; Jerry Leyber; Mike Stoller
Arr: Kirby Shaw
Arr. e adapt.: Dionísio Vila Maior

Gospel Magnificat
Patti Drennan
Ao PIANO: Tiago Ribeiro

Lean on Me
Bill Withers
Adapt: Roger Emerson
Arr. e adapt: Dionísio Vila Maior

Amen, Go Tell It
Tradicional | Gospel | Espiritual
Arr: Donald Moore
Adapt: Dionísio Vila Maior

All Night, All Day - Spiritual
Arr: Greg Gilpin
Adapt: Dionísio Vila Maior

Bye And Bye
Milton Biggham
Arr: Lari Gross
Adapt: Dionísio Vila Maior

Les Misérables (Musical) | Adaptação Essencial
Música: Claude-Michel Schönberg; Letra: Herbert Kretzmer; Texto original: Alain Boublil, Jean-Marc Natel; Arr: Mac Huff, Ed Lojeski; Adaptação: Dionísio Vila Maior

Director: Dionísio Vila Maior

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Categorías: Música

11/09/2018

PRESENTACIÓN DEL LIBRO "SPLENDOR LUNA" DE LA ARTISTA PILAR COSSÍO

Presentación del libro de artista: “SPLENDOR LUNA” (Diario Paris-Beirut)

Editado por la Consejería de Cultura del Gobierno de Cantabria y la Galería Juan Silió.
Texto de presentación del músico PAOLO FRESU, (escrito en francés, español y traducido al árabe)

Coordinación del evento: KORÉ ESCOBAR

He tenido el placer de ser invitada a presentar la obra y el libro de Pilar Cossío, una artista con una larga trayectoria profesional tanto en España como en el extranjero, que cuenta con obra en las colecciones de las más importantes instituciones nacionales e internacionales.
Pilar ha vivido en lugares tan dispares cómo Londres, París, Beirut, El Cairo, Turín, Marruecos, Florencia etc, y se puede decir que concibe su obra como un diario de viaje y un diario vital en el que plasma sus vivencias, intereses, y preocupaciones utilizando, para ello, todos los lenguajes plásticos que considera oportunos. Así se expresa desde la palabra, la pintura, el collage, la instalación y los objetos ready made, siempre en busca de la materialización formal perfecta, de la misma manera que la alquimia busca la substancia perfecta.
En su obra abarca conceptos como el exilio, la distancia, la nostalgia y su fuerza creadora y creativa, la multiplicidad de identidades... y lo hace desde un punto de vista tan íntimo que es por ello universal.
Trabaja también desde su experiencia de mujer sin militar en nada que no sea su libertad, y lo hace, además, de una cuidada manera poética y sutil.
Es la vivencia, la emoción y el pensamiento el que requiere la formalización material y en su realización, Pilar, se entrega obsesivamente en modelar la materia hasta que alcance la perfección… si es que ésta existe.
En la exposición que ahora presenta Fractal Sand, Pilar incluye una selección de obras en las que indaga sobre la duplicidad, sobre la imagen que devuelve el espejo y que crea otra más compleja, sobre la repetición permanente de formas similares que forman un entero, de los fractales que incluyen en sí mismos muchos otros para ser uno. En palabras de la propia Pilar; “Querría ser todas las identidades a la vez” o como ella cita a Baltasar Gracián “de ser todos los seres que nos habitan”.

Junto a la Exposición, y como continuación de la misma, la artista presenta el libro “Splendor luna”, un íntimo diario de viaje con el que, como la propia Pilar dice, vuelve a la palabra como un retorno a casa, a su hogar. Con Splendor luna la artista da continuación a Splendor solis, editado en 2012.
Este diario visual y poético puede ser considerado como una exposición expandida ya que con él la artista prolonga y completa la muestra Fractal sand, pero es, además, un todo en sí mismo, que permite conocer los intereses conceptuales de Pilar y su delicada, sutil y concienzuda materialización formal.
El libro ha sido editado por el Gobierno de Cantabria y la Galería Juan Silió de Santander. Está escrito en francés y español y ha sido traducido al árabe, por Ziad Chakaroum. Cuenta con textos del músico Paolo Fresu. Los poemas han sido inicialmente escritos en francés y luego se han traducido al castellano y al árabe. Haberlos escrito en francés y pasarlos al castellano ha permitido a Pilar ahondar sobre el significado de las palabras y darse cuenta que un idioma no sólo acoge sino que es fuerza motriz del pensamiento y de la forma en que se concibe la realidad.
Se trata de una edición exquisitamente cuidada cuyos primeros 75 ejemplares están numerados y firmados por la artista. El libro está forrado en tela color Púrpura de Tiro, que ha sido elegido por la artista como recuerdo y evocación de su vida en Beirut.

Además de todo lo señalado anteriormente y, para terminar antes de ceder la palabra a Pilar, quería hacer hincapié a un latir permanente de dos realidades en su obra, de la permanente presencia de Oriente y Occidente que en la obra de Pilar no se traduce en dicotomía o contraste sino que aparecen integrados completamente como dos partes esenciales del mismo ser.

Koré Escobar

NOTA BIOGRÁFICA / PILAR COSSÍO
Nace en Obeso, Cantabria.

1976 Licenciada en Filosofía y Letras: Universidad Central de Barcelona. España.
1976 Fija su residencia en Florencia, Italia.
1981 Licenciada en Pintura/ Escuela de Bellas Artes de Florencia. Italia.
1981 Estancia en el Cairo, Egipto: Tesis de laurea para la Escuela de Bellas Artes de Florencia, en la Universidad Al-Ashar del Cairo.
( “Frescos Omeyas en el Palacio Califal de Qusayr’Amra”, Desierto de Jordania).
1989 - 1991 Residencia Internacional para artistas en Londres, Seleccionada por la Fundación Delfina Studios Trust, Inglaterra. Junto a los artistas Xomin Badiola y Dario Urzay.
1991 - 1992 Premio de Roma (Pintura). Residencia en la Academia de España en Roma. (Ministerio de Asuntos Exteriores), Italia.
1994 - 1999 Vive en Turín, Italia. Inicia su relación con la galería Paolo Tonin ArteContemporanea.
En el 2000 Se traslada a París, Francia.
2010 Estancia y exposición en Beirut (Libano). Aquí nace su libro “Splendor Solis”. Escrito en Francés y Español y traducido al Árabe.
2011 - 2012 Art Workshops en las escuelas Ibn Khaldoum de Essaouira, Marruecos.
2012- Festival de Jazz de Berchidda, Time in Jazz.
- Abbazia di Spineto, Sarteano, Siena. Italia.
2012 - 2013 “Ifitry Project”. Marruecos: Residencia Internacional de artistas contemporáneos. Bienal de Casablanca.
Galeria Juán Silió , Santander.

2015 Weiller Project, Paris.
Galeria La Fábrica Madrid (Splendor Solis)
2016 - Viaje y estancia en Beirut. Realización del libro “Splendor Luna”. Libro de artista escrito en Francés, Español y traducido al Árabe por Ziad Chakaroum .
www.pilarcossio.com

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Categorías: Mensaje informativo

11/09/2018

MARÍA DIEZ

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

María Diez Ruiz.
En los años 80s comienza el aprendizaje en su ciudad natal, donde asiste a cursos y talleres impartidos por los estudios locales de fotografía.
Se inicia en la técnica de revelado en blanco y negro en Josanz Fotografía de León. Durante este periodo sólo realiza fotografías en blanco y negro, revelándolas en su propio laboratorio.
A finales de los 80s empieza a utilizar diapositivas en color, exclusivamente, hasta la era digital, en la que la edición, en color y blanco y negro, desde un Pc, le abre un mundo nuevo de posibilidades en la creación fotográfica.
Asiste a los cursos de fotografía avanzada que se imparten en el MUSAC .
Realiza talleres con Angel Marcos y Gabriel Brau.
Pertenece al colectivo el Clik, que pública una revista de fotografía trimestal con el mismo nombre. Ha colaborado en la exposición colectiva Naturaleza en Blanco y Negro que ha sido expuesta en diferentes capitales españolas.
Cuenta entre otras con publicaciones en el Libro de Oro de la Música Española, de ediciones Orfeón y en la revista Patrimonio. Así mismo sus fotografías han ilustrado las cubiertas de distintas ediciones de música en formato CD.
En la actualidad y entre otras actividades fotográficas, colabora con la Fundación Eutherpe, realizando los reportajes fotográficos de los conciertos y cursos que esta Fundación organiza.
Carteles con fotos de su autoría han sido expuestos en Italia, Gran Bretaña, Alemania, Francia, anunciando conciertos.

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Categorías: Exposiciones

11/09/2018

PILAR COSSÍO

EXPOSICIÓN

PILAR COSSÍO

"FRACTAL SAND"

(fotomontaje, fotografía, dibujo e instalaciones)

web oficial www.pilarcossio.com

Pilar Cossio
Decía Italo Calvino que «las ciudades son un conjunto de muchas cosas:
memorias, deseos, signos de un lenguaje; son lugares de trueque, como
explican todos los libros de historia de la economía, pero estos
trueques no lo son sólo de mercancías, son también trueques de palabras,
de deseos, de recuerdos». Y en Pilar Cossío hay muchas ciudades y muchos
trueques.
El suyo es arte de lugares y no lugares. De fragmentos y tránsitos. De
visiones fugaces e imaginarios. Somos restos, collages, pecio, andenes,
estaciones, lugares de paso. A Pilar siempre la he conocido así, de paso
y a pasos, en una danza de destinos imposibles, azares, viajes y
mundos familiares. Por eso quizás nunca se ha detenido.
No existe una foto fija de su creación. Puedo recordar dibujos que
tratan de escapar de su propio trazo, coreografías de manchas, imágenes
rotas de sitios que nunca conoceremos. En
su obra, como refleja el contenido del libro. caben…
Pequeñas distancias. Travesías. Y trayectos.
La caligrafía de Pilar rezuma una poética de voyeur, de viajera
accidental que combina cicatrices con heridas, tatuajes con collages,
ciudades con estaciones. Pilar es Turín, París, Florencia, Beirut,
Essaouira, Roma, Londres, Santander…Un viaje interior de destinos en
el mapa, equipajes de luces y sombras y una cartogafía de sueños y
deseos, pero también de desiertos, puertos, costas y cafés. En Pilar
siempre habita un rastro de jazz, una improvisación alada, como todas
las que merecen la pena, inasible, pero que, como la vida, mancha y
luego ya no puedes dejar de preguntarte por esos colores desmayados, ni
por las figuras que tratan de escapar de la instalación, ni por esas
ciudades invisibles, inventadas, habitadas, vacías que integran nuestra
memoria de arena.
El paisaje, cotidiano o ajeno, reinventado o extraño, es siempre un
ready made, una emoción entrecortada, un lugar de silencio, susurro,
luna e ingravidez, porque el/la artista, todo artista es refugiado,
exiliado y pasa de puntillas como ella entre quimeras, espejos y laberintos.
Con Pilar uno pasea descalzo dejando huellas en el papel, en una postal,
en cielos sobre ciudades, en cielos protectores, en objetos, en poemas,
en hojas muertas, en flores del mal, en ventanas que miran lejos, muy
lejos, sin retorno.
A veces la vida es simplemente eso como, ‘Madeleine’, una de sus
exposiciones y una estación de metro de París,
una mujer de pelo rojo que lavaba los pies de su amado y que, con
enorme sensualidad, nunca olvidada, secaba aquellos pies adorados con su
pelo rojizo, con su trenza deshecha,
En Pilar surgen imágenes grabadas desde la infancia que tienen un enorme
poder de seducción…una Alicia que nunca acaba de traspasar el espejo, una necesidad de
encontrar los rasgos dejados, las huellas del caminar. Nos ofrece una
elaboración personal de nuevos signos, nacientes, a partir de los
lugares en los que se han demorado las vivencias para proponérnoslos y
así poder compartir los posos de la intensidad poética prendida con
hilos casi invisibles en esos lugares.
Baile aéreo, iluminado en mitad de la estancia, danza pausada,
mujer-pájaro que vuela entre pasillos, playas, ascensores, invertida
hacia el interior del pozo-espejo, generando misterio, la distancia que
hace necesaria la recreación y la evidencia del sentido de la
instalación que nos llama desde el fondo del abismo; o la de la postura
transgresora, la que opta por la vivencia directa, de una imagen
virtual, por la mirada en el fondo del espejo, mejor o peor que la
imaginada, siempre distinta porque su naturaleza es de otro orden. Hay
una construcción sobre el vértigo en esos trajes o cuerpo suspendidos,
invertidos, que se miran y se abisman .
Lo que queda del devenir, los puntos de anclaje de la memoria, que se
convierten en nuevos seres para dejar su huella en el recuerdo: zapatos
y baile, caminos recorridos por calles, edificios, ciudades, pasos de
baile o de vida.
Pilar Cossío deja siempre la sensación de ser una creadora que pasa al
lado de la obra, que no la hace, sino que la siente o la padece, que
interviene menos de lo que parece. Y de que intervienen más, que la
hacen, los objetos, el espacio, la gente que la mira, y siempre de
manera distinta a la que se pudo prever, como ocurre con esos vacíos,
ese juego de presencias y ausencias donde flotan las criaturas y sus
insignificantes significados o lo inverso.
Hay mucho de ceremonia en sus piezas, de altar dedicado al tránsito del
amor, del duelo, del dolor, repetido y reflejado, multiplicado por ejes
de simetrías, que crean ecos, pulsaciones, y la necesidad de pasar al
otro lado de lo imaginario, para renacer purificado.
Los contornos, las líneas, la doble imagen, lo difuso, el encanto y el
pas du tout, los cuerpos sólo son fragmentos, solo se revelan desde la
ausencia o el ocaso, desvanecidos o en desmayo, en desazón continua.
Sobreimpresión sobrecogedora de todo, levedad, con Pilar somos fantasmas
viajeros, náufragos hacia Itaca, argonautas escapados de los frescos de
una bóveda barroca derruida.
Tiempo y memoria, fetichismo y metáfora. Suite Cossío, collages,
instalaciones, ready-mades, dibujos, fotomontajes, una danza de
psicología y autobiografía de traje de diario y vestido de domingo. Un
relato de sensibilidad, densidad erótica, sutilezas y sensualidad, con
el referente constante de lo urbano, en una suerte de cartografía sobre
lo femenino, la memoria, el imaginario poético y el espacio. Un
movimiento continuo de aire y en el aire, aleatorio y azaroso, un
tránsito vital incesante antes de subir a un tren sin más trayecto que
las imágenes fragmentadas, deshechas y desnudas.
«El verdadero lugar de nacimiento es aquel donde por primera vez nos
miramos con una mirada inteligente», escribió Marguerite Yourcenar. Y
una de esas miradas es la de Pilar.
GUILLERMO BALBONA
Poeta y Periodista

NOTA BIOGRÁFICA / PILAR COSSIO
Nace en Obeso, Cantabria.

1976 Licenciada en Filosofía y Letras: Universidad Central de Barcelona. España.
1976 Fija su residencia en Florencia, Italia.
1981 Licenciada en Pintura/ Escuela de Bellas Artes de Florencia. Italia.
1981 Estancia en el Cairo, Egipto: Tesis de laurea para la Escuela de Bellas Artes de Florencia, en la Universidad Al-Ashar del Cairo.
( “Frescos Omeyas en el Palacio Califal de Qusayr’Amra”, Desierto de Jordania).
1989 - 1991 Residencia Internacional para artistas en Londres, Seleccionada por la Fundación Delfina Studios Trust, Inglaterra. Junto a los artistas Xomin Badiola y Dario Urzay.
1991 - 1992 Premio de Roma (Pintura). Residencia en la Academia de España en Roma. (Ministerio de Asuntos Exteriores), Italia.
1994 - 1999 Vive en Turín, Italia. Inicia su relación con la galería Paolo Tonin ArteContemporanea.
En el 2000 Se traslada a París, Francia.
2010 Estancia y exposición en Beirut (Libano). Aquí nace su libro “Splendor Solis”. Escrito en Francés y Español y traducido al Árabe.
2011 - 2012 Art Workshops en las escuelas Ibn Khaldoum de Essaouira, Marruecos.
2012- Festival de Jazz de Berchidda, Time in Jazz.
- Abbazia di Spineto, Sarteano, Siena. Italia.
2012 - 2013 “Ifitry Project”. Marruecos: Residencia Internacional de artistas contemporáneos. Bienal de Casablanca.
Galeria Juán Silió , Santander.
2015 Weiller Project, Paris.
Galeria La Fábrica Madrid (Splendor Solis)
2016 - Viaje y estancia en Beirut. Realización del libro “Splendor Luna”. Libro de artista escrito en Francés, Español y traducido al Árabe por Ziad Chakaroum .

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11/09/2018

JAVIER ENJUTO exposición fotográfica CL-605

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

CL-605

Descripción:
Exposición de fotografías de Javier Enjuto García
Durante los últimos años el artista ha transitado frecuentemente por esta carretera CL-605 y fue este ir y venir lo que le fue mostrando paisajes característicos que ofrecían una amplia paleta de color, luz, líneas y sensaciones que los tornaban de cotidianos a interesantes. La idea de esta exposición es transformar los paisajes hasta llevarlos a una abstracción de líneas y colores.

Las obras seleccionadas recorren el paisaje de tal forma que la representación del mismo puede ser objeto de distintas interpretaciones. El objetivo puede igualmente ser de una lectura que invite a la reflexión: ¿puede ser el paisaje descontextualizado y al mismo tiempo, ser reconocido en su forma más clásica? No es que haya o no respuestas que logren satisfacer, simplemente porque la idea es, básicamente, generar las preguntas correctas.

Javier Enjuto García (Jerez de la Frontera 1973) reside actualmente en San Ildefonso, Segovia. Autodidacta en el mundo de la fotografía, ha participado en diferentes exposiciones colectivas como miembro de la AFS, en 2011 en la Casa de Cultura Sánchez Díaz, en INCUBARTE 2012 y en solitario en SEGOVIAFOTO 2015.

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