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Categoría: Artes escénicas
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13/01/2018

CAMBALEO TEATRO

Entradas 8 €: a partir de media hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI
 
http://www.cambaleo.com/cambaleo/adultos/memoriaenblanco.html#
 
El espectáculo parte de una premisa “todo es recordar” y bajo esta premisa (falsa o no) se articula toda la acción y la dramaturgia.
En el imaginario colectivo se considera a la memoria como una facultad que tenemos. Una especie de “sentido” como el tacto, el olfato, etc. Y es posible que así sea, pero la memoria no es algo que se tiene y ya está, se recurre a ella y ahí está: te da la información que necesitas.
La memoria es una acción, que se realiza hoy y que se alimenta del pasado.
El espectáculo es una aproximación física a la idea de memoria o a una idea de memoria, es una acción que parte de una hipótesis (falsa o no) y que recorre nuestra memoria (la de los miembros de Cambaleo) y que concluye en la Memoria colectiva (exista esta o no).
Intérpretes: Antonio Sarrió, Begoña Crespo, Carlos Sarrió, Eva Blanco, Julio C. García.
Técnico: Víctor Rodrigo
Fotografía y Vídeo: David Ruiz
Dramaturgia y Dirección: Carlos Sarrió
Colaboran: Oscar Rodríguez, voluntario fotógrafo con la Sociedad de Ciencias Aranzadi y con la ARMH. José Ignacio Casado, miembro de la Asociación para la recuperación de la Memoria Histórica.

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20/01/2018

PAULA QUINTANA

Entradas (8€): a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
 
Danza    .  PAULA QUINTANA, presenta: AMARGA-DULCE
 
TODA la  INFORMACIÓN AMARGA-DULCE aquí:
 
http://www.paulaquintana.com/amarga-dulce/
 
 
PAULA QUINTANA
www.paulaquintana.com
 
Actriz, bailarina, creadora.
Alterna el trabajo con compañías con su carrera como creadora basada en una
comunicación visceral, de persona que siente a persona que siente. Fondo y
forma constituyen un único elemento al servicio del cual se genera un lenguaje
propio.
Recibe el premio Especial a la Mejor Artista/Creadora Emergente “por la
madurez mostrada para integrar danza y teatro, con espectáculos depurados y
con grandes posibilidades de proyección”, Feria Umore Azoka 2015, Leioa,
Vizcaya.
Nacida en Tenerife, se forma desde la infancia en danza clásica,
contemporánea y flamenco. Tras licenciarse en Arte Dramático se traslada a
Madrid continuando con su formación como actriz y bailarina, estudiando y
colaborando con importantes directores, bailarines y coreógrafos: Yayo
Cáceres (cía. Ron Lalá), Fernando Soto, Gabriela Carrizo (cía. Peeping Tom),
Andrés Lima. En el ámbito de la danza contemporánea Daniel Abreu, Chevi
Muraday y Carmen Werner. En lo referente al Flamenco con maestros de la
emblemática escuela “Amor de Dios”
Todo ello la lleva a trabajar en diferentes montajes de teatro y danza, dentro y
fuera de España: Papel protagonista del largometraje “Cádiz,Cádiz” de Pedro
Loeb, 2017. Actualmente, segunda Coreógrafa e intérprete solista de la obra
“WE EARTH”, de la fundación Internacional Dancing for the Milllennium Goals,
en colaboración con la UNESCO y fundación SCHOLAS. Elenco actual de la
compañía de teatro “Pour Ainsi Dire” de París; “Delirare” y “La virtud de la
Torpeza” dir. Fernando Soto. Asesora de movimiento escénico de
“Trainspotting”, dir. Fernando Soto, de La Competencia TV, 2017. Destacan
también espectáculos en el Grand Palais de Paris; Royal Albert Hall de Londres
o Dubai y festivales como Fringe Madrid o Fira Tárrega, asi como en
numerosas salas del circuíto nacional.
En su carrera como creadora destaca la pieza corta “Sueño3”, gira nacional
Red A Cielo Abierto´15. Además, las obras PIELES, fest.MEYABE, Congo,
17; CEE MAIMI ´2016; fest.Spain Dance in Montevideo´15, Flamenco London
festival, Between the Seas festival, Nueva York, espacios no convencionales
como La CASA de la PORTERA en Madrid, entre otros. LATENTE, Candidata
Premio Max “Mejor Espectáculo Revelación” “Mejor autoría revelación” ´16,
catálogo AECID, DanzaEscena, Platea, premio Umore Azoka ´15; AMARGA
DULCE, dFeria 2016, Festival Internacional de Teatro Clásico Almagro Off,
Teatros del Canal, sala Negra, Madrid; Sociedad Cervantina 2015; Feria
Internacional de Teatro y Danza de Huesca 2016; SIEMPRE, EN ALGÚN
LUGAR (coproducción Auditorio Tenerife y com. Madrid); fest. Dansa Valencia
´17

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Categorías: Artes escénicas

Entradas (8 €): a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro.
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné universitario y  DNI
 
 
Teatro-debate
Laboratorio generación ARTes Artes Escénicas, presenta:
“En Alta Mar”
Autor: Slawomir Mrozek
Dirección: Rodrigo Puertas


La obra
‘En alta mar’ (titulada originalmente como ‘Na pelnym morzu’ y conocida en inglés como ‘At sea’) pertenece al estilo del teatro del absurdo, es decir con tramas que parecen no tener sentido e incluso secuencia dramática. Mrozek se caracterizaba por su humor surrealista para cuestionar a la sociedad.
La antropofagia es el tema central. La obra, escrita en los 60, parte de éste feroz conflicto para navegar por temas tan actuales como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.
A partir del irreverente humor de Slawomir Mrozek, la pieza plantea una visión crítica del mundo contemporáneo a través de unos personajes que, enfrentados a determinadas situaciones sociales, llevan hasta el límite la lógica de los estereotipos que simbolizan.
La obra, caracterizada por una singular carga irónica, explora el comportamiento humano, la alienación y el abuso de poder. “En alta mar”, en una atmósfera absurda y mediante un corrosivo humor está protagonizada por tres náufragos, extrañamente vestidos de manera elegante, que se ven obligados a tomar peculiares decisiones para sobrevivir. Partiendo de un feroz conflicto, la obra aborda asuntos de vigencia permanente como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.
Ironía, juegos, alianzas, estrategias, histrionismo, burlas y humor… son ingredientes de este espectáculo que permite dar rienda suelta a la imaginación y penetrar en un mundo que refleja la esencia primaria del ser humano. En definitiva, la obra, en una original puesta en escena, muestra un retrato de la naturaleza humana.
 
Sinopsis
Tres náufragos que se ven obligados a tomar decisiones “políticas” para sobrevivir y soportar las condiciones de vida correspondientes a su soledad y falta de medios, incomunicación, etc. Partiendo de un feroz conflicto derivado de la antropofagia, la obra aborda asuntos de vigencia permanente como la lucha de poder, la caprichosa organización de jerarquías y la distribución de la riqueza.
 
Ficha artística
Autor: Slawomir Mrozek
Dirección: Rodrigo Puertas
Música: Varios autores.
Diseño iluminación: Rodrigo Puertas
Diseño escenográfico y de vestuario: Laboratorio generaciónARTes
Construcción escenográfica: Laboratorio generaciónARTes
Vestuario: Laboratorio generaciónARTes
Reparto:
Vero Ramírez
Laia Costajussà
Ricardo Galán
 
EL AUTOR
Slawomir Mrozek (Borzecin, 1930), escritor polaco de culto. Su visión crítica del mundo contemporáneo se expresa en obras de teatro cuyos personajes, enfrentados a determinadas situaciones sociales, llevan hasta el límite la lógica de los estereotipos que simbolizan y caen en el absurdo.
Algunas de sus piezas más representativas son Striptease (1961), Tango (1964), Los Emigrados (1974), El Embajador (1981) y El Residente (1986). Ha publicado también varios volúmenes de
narraciones cortas, entre las que figuran: El Elefante (1957), El Progresista (1960) y Un Ratón en el Armario (1970).
 
 
Laboratorio generaciónARTes Artes Escénicas
 
El laboratorio de creación escénica generaciónARTes es un proyecto de experimentación e investigación teatral, dirigido por Rodrigo Puertas, creado a partir del entrenamiento actoral de varios intérpretes, en su búsqueda de nuevos lenguajes de expresión escénica.
El texto de Slawomir Mrozek fue el punto de partida de un trabajo en torno al teatro del absurdo. Se analizó la interpretación textual y gestual de los personajes a nivel espacial. Uno de los objetivos fundamentales fue descubrir nuevas formas de comunicación verbal y no verbal, en espacios muy reducidos, ya que toda la pieza transcurre en una balsa de cuatro metros cuadrados. Se realizó un trabajo corporal profundo, de contención, control, expresión a través del movimiento acompañado de piezas musicales. En éstas, concebidas como transiciones a las diferentes acciones que plantea la obra, se ve cómo los personajes se vas descomponiendo o desarmando a medida que avanza la obra.
 

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10/02/2018

GENERACIÓN TEATRO

Entradas (8 €): a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
EL PÁJARO AZUL
El pájaro azul es un cuento para adultos, que promete crear conciencia sobre la búsqueda de la felicidad. El pájaro azul es un estado de ánimo. Duración: 70 minutos. Recomendado: A partir de 12 años.
 
 
Rodrigo Puertas (Dirección Artística/ Soñador)
Actor, formado en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid de la mano de Nina Reglero y Ricardo Vicente. Diplomado en pedagogía creativa y dirección. Ha impartido clases en importantes espacios como la Escuela de Artistas del productor musical Jesús Yanes o la Escuela de Arte Dramático de Guadalajara. Entre sus trabajos de dirección destaca la ópera Il Fantástico Cavaliere Don Chischiotte della Mancia, del compositor Matteo Fania. Es responsable del departamento de teatro de la Caja del Arte de Torrejón y dirige el Centro de Artes Escénicas generaciónARTes, junto a compañía generaciónTeatro, su proyecto más personal.
 
Carlos Garbajosa (Ayudante Dirección y Dramaturgia)
Cursando estudios de Dramaturgia en la RESAD de Madrid. 2011. Es profesor de preparación para el acceso a la RESAD. Como dramaturgo destacan sus últimos trabajos “LOLA”. 2014.(Ed. Fundamentos). *“LAS AMISTADES PELIGROSAS”. 2014. Adaptación. Sala Gº Lorca. “BILL PASTRYCOOK”. 2013. Teatro Mínimo (Ed. RESAD); Salón del Libro Teatral 2014 (Matadero de Madrid).
 
 
GENERACIÓN TEATRO
Compañía
El proyecto nace en el año 2015 en el seno del Centro de Artes Escénicas La Caja del Arte de Torrejón de Ardoz como parte del programa de residencias de creación. Es una producción de generaciónARTes, Tritoma S.L, el Centro Cultural Sanchinarro y La Caja del Arte.
Todos los componentes, antiguos compañeros de la Escuela de Arte Dramático de Valladolid, en su mayoría, se han ido encontrando, con el paso del tiempo, y tras muchos proyectos, hasta el día de hoy, han decidido compartir su larga trayectoria en un proyecto común, fruto de un camino profesional y vital que busca profundizar en el lenguaje teatral, el autoconocimiento y la búsqueda de la felicidad a través de un viaje interior.
Ana Isabel Rodríguez - La Luz - Niño por nacer
Actriz formada en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid en interpretación textual. Titulada en Dramática creativa y Dramática plástica. Ha formado parte de importantes compañías como Corsario. Complementa su trabajo como actriz de doblaje, la locución publicitaria y la docencia, habiendo formado parte del equipo de profesores de la Escuela Artistas de Jesús Yanés.
 
 
Carlos Cañas - El Mal - Niño por nacer
Titulado en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid. Con amplia formación en el medio teatral y el audiovisual. Ha compaginado en estos 22 años como actor profesional su trabajo en el medio teatral con compañías como Rayuela, Yllana, CDN, Fauno… Ha participado en numerosas series de televisión y varios largometrajes.
 
 
Consuelo Garbajosa / Vero Ramírez-La Noche - Niño no nacido
Formada en teatro con Mar Navarro y en danza junto a Elena Córdoba, entre otros.
Actualmente cursa Interpretación en la Resad. Gran parte de su trayectoria está ligada
a la ciudad de Alcalá de Henares, en donde ha participado en numerosos eventos como
el Festival de la Palabra.seno del Centro de Artes Escénicas La Caja del Arte
de Torrejón de Ardoz. Situado al este de Madrid es un centro de 5.000 m2 dedicado a
la cultura, y fundamentalmente a las artes escénicas.
Isabel Garzo- Soñadora
Comenzó sus estudios de interpretación en la Escuela del Teatro Guindalera, para después completar su formación en Londres. Con una dilatada trayectoria en teatro, ha trabajado para diferentes compañías como Curtidores de Teatro o Cermar. Sus últimos trabajos están relacionados estrechamente con el microteatro, bajo la dirección de Diego Sanchidrián o Antonio Ponce.
 
 
Naty Martín - La Luna - Niño por nacer
Cubana de nacimiento. Estudios de Piano y Canto. Se forma en Teatro musical, clown, Comedia del Arte y en la Escuela de Mar Navarro y Andrés Hernández (Lecoq) escuela de improvisación y estilos teatrales (gestual, clown, máscaras...). Máster en improvisación y creación de personajes. Es la compositora de la música original del Pájaro Azul, junto al tema de la película En la ciudad sin límites de Víctor Reyes.
 
 
Ricardo Galán El Tiempo - Muerto
Actor de larga trayectoria. Su trabajo actoral ha estado especialmente vinculado a la vida cultural de Alcalá de Henares, formando parte de algunas de las compañías más importantes de la ciudad, y participando así misma en Festivales como El Don Juan de Alcalá o Festival de la Palabra. Su trabajo más reciente es Yerma, con la compañía Apuro Teatro, con la que continua de gira promocional.
 
 
 
Daniel Juste Producción, distribución y diseño
Tras licenciarse en Historia del Arte y realizar un Máster en gestión cultural en la Universidad de Alcaláde Henares comienza a trabajar como gestor cultural en diferentes proyectos musicales y escénicos paraFundación Magistralia y Tritoma
S.L. Actualmente es responsable de la programación cultural de éstaúltima empresa y coordinador de actividades culturales del Centro de Artes Escénicas La Caja del Arte yel Centro Cultural Sanchinarro.
 
 
Sol Curiel Vestuario
Formada en la Escuela de Diseño Goymar, ha trabajado para importantes directores de escena y compañías como Yllana, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Teatro Clásico o La RESAD. Ha sido nominada y premiada en numerosos festivales. Actualmente es gerente de Visteteatro, su taller de costura.
 
 
 
 
 
Autor belga, principal exponente del teatro simbolista y creador de El pájaro azul y Peleas y Melisanda. Maeterlinck nació en Gante, el 29 de agosto de 1862, y estudió leyes en la universidad de esta ciudad. Abandonó la profesión cuando se trasladó a París, en 1886, y conoció a los poetas simbolistas. Como reacción ante el naturalismo predominante en la literatura francesa, Maeterlinck escribió poesía simbolista, entre la que cabe destacar Invernaderos cálidos (1889). Se le conoce principalmente por sus obras de teatro, por las que recibió el Premio Nobel en 1911. Las obras de Maeterlinck se caracterizan por su estilo claro y sencillo para expresar ideas y emociones. Sus primeros escritos están marcados por una actitud profundamente melancólica y pesimista ante el mal y la muerte. Más adelante, esta actitud inicial da paso a la creencia en el poder redentor del amor y en la realidad de la felicidad humana que se refleja en La princesa Malena (1889) la fantasía melancólica Peleas y Melisanda (1892), transformada en ópera (1902) por el compositor francés Claude Debussy; y El pájaro azul (1909), que se ha convertido en un clásico infantil. Regresó a Europa después de la II Guerra Mundial y murió el 6 de mayo de 1949, en la localidad francesa de Niza.
 
 
El proyecto
Su producción nace de la necesidad de buscar y poner en práctica herramientas escénicas queayuden al espectador, de cualquier edad, a expresar y liberar emociones, positivas o negativas, en torno a laidea predominante de la obra: la búsqueda de la felicidad.
Desde el principio tuvimos muy clara la elección de un texto como el de Maurice Maeterlinck, complejo en cuanto a su estructura literaria, multitud de personajes y gran carga simbólica, pero claro y directo en cuanto al trasfondo de lo que se quiere transmitir.
Por otra parte, El Pájaro Azul de Maeterlinck se ha adaptado al cine y a la poesía, y se ha convertido en un clásico, en la línea de textos de gran profundidad filosófica, como el de su contemporáneo Antoine de Saint-Exupéry, El Principito, al que influyó considerablemente y que, como éste, han sido injustamente encasillados dentro del mundo de los niños/as. Por este motivo se ha querido crear un montaje que llegue a todo tipo de público, tanto al adulto como joven, con un lenguaje común, con los mismos códigos escénicos, pero con múltiples puntos de vista y significados.
El proyecto pretende conducir al espectador más adulto a una “catarsis” emotiva completamente liberadora, dentro de un entorno simbólico, y al público más pequeño hacia un mundo, con referencias a la naturaleza, lleno de música, sonidos, objetos, colores y personajes imaginarios que, a través de las palabras, y fundamentalmente, de la poesía, capten la atención del más joven.
El principio organizador, tanto del texto de Maeterlinck como de la adaptación de la obra, es hacer visible lo invisible, volver perceptible lo oculto, dejar que se vea el alma del mundo, aquello que no vemos, pero que intuimos que existe. En este contexto, Rodrigo Puertas, siguiendo las ideas del autor, apela a referencias plásticas y literarias provenientes de los libros para niños. Permanecen, por ejemplo, siguiendo las alusiones a su obra, las nieblas y las brumas, las luces frías y difusas que sugieren el misterio de los espacios metafísicos.
Rodrigo Puertas remite a lo arcaico, a la simplicidad plástica, a la abstracción geométrica de Mondrian en una gran tela, a modo de patchwork, que sugiere una organización sagrada del mundo. Así mismo la técnica del patchwork es una alusión al trabajo tradicional, a aquel humilde hogar que los niños abandonan en busca de un mundo más justo. Así es que como se configura un mundo imaginario, cargado de símbolos, de miedos, de emociones, sentimientos que fluyen a través de un viaje y que apuntan a la figura del pájaro.
 
 
Sinopsis
Dos personajes, Los Soñadores, cansados de jugar se van a dormir exhaustos. De repente, atrapados por el sueño, son despertados por La Luna para encomendarles una extraña misión: buscar El Pájaro Azul. En su viaje onírico, Los Soñadores serán guiados por La Luz que los llevará por extraños y fantásticos lugares, y donde encontrarán seres mágicos, como la Noche o el Mal, que tratarán de evitar que conozcan sus secretos, Los Muertos o el Padre del Tiempo. Así llegarán al Jardín de los Sueños, atravesando un misterioso y malicioso Bosque, y al Reino del Porvenir, donde encontrarán a Los Niños que aún no han nacido. En el camino entenderán que El Pájaro Azul se halla más cerca de lo que creían, pues descubrirán que la Felicidad, no hay que empeñarse en buscarla muy lejos, en lugares remotos, sino que está más cerca de lo que creen y en las cosas más cotidianas.”.
 
 
El Pájaro Azul es un estado de ánimo.
El Pájaro Azul en el cine
La fama del Pájaro Azul ha hecho que esta obra también se haya llevado a la gran pantalla. Existen muchas películas que pueden programarse como actividad en el aula con la asistencia a la obra del teatro.
- The Blue Bird, Dir. George Cukor. 1976.
- El Pájaro Azul, Dir. Walter Lang. 1940.
- The Blue Bird, Dir. Maurice Tourneur, 1918. Película muda. B/N
 
 
 
El Pájaro Azul en la literatura
Desde su publicación, El Pájaro Azul se ha adaptado a la literatura infantil y juvenil en numerosas ocasiones. Poetas como Rubén Darío o Bukovski han escrito en torno a la figura simbólica del pájaro azul, pues aparece representado en muchas ocasiones como un símbolo de la creatividad, del genio y el tormento que lo acompaña. Aparece varias veces como metáfora en poesías y obras literarias que sirvieron a sus autores para espantar a sus fantasmas.
 
Sí, seré siempre un gandul,
lo cual aplaudo y celebro,
mientras sea mi cerebro
jaula del pájaro azul!.

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Categorías: Artes escénicas

TEATRO. CREACIÓN INJUVE
Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla
 

ENCUENTRO CON EL PÚBLICO: DESPUÉS DE LA FUNCIÓN SE REALIZARÁ UN DEBATE SOBRE EL TRABAJO TEATRAL REPRESENTADO, CON LOS ESPECTADORES QUE QUIERAN PARTICIPAR EN EL MISMO.



LA TARARA, presenta: "LA DESCOMPOSICIÓN DEE COURTNEY"
 
TEXTO Y DIRECCIÓN - Marie Delgado
AYUDANTE DE DIRECCIÓN - Jose W Paredes
ELENCO
Carlos Agudo - Courtney
Alex Cortés - Kurt
Marie Delgado - Frances
ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN - Jose W Paredes y Alejandro Carrillo
ASISTENTE DE ESCENOGRAFÍA, CARACTERIZACIÓN Y VESTUARIO - Ana Rocío Dávila
DURACIÓN - 60 minutos
 
SINOPSIS
La descomposición de Courtney retrata la historia de una pareja de jóvenes roqueros; Kurt Cobain, Courtney Love, quienes deciden mudarse a un pequeño estudio donde ser felices y criar a su bebé Frances. No obstante, su deseo se truncará con la llegada repentina de un enorme éxito profesional y artístico, adentrándoles en el mundo de las drogas y sumergiéndose en todo tipo de excentricidades.
La tragedia se cierne sobre la familia Cobain cuando Courtney, poseída por los celos, decide asesinar a Kurt. A partir de este instante su hija Frances comienza a tramar una venganza contra su madre debido al trauma ocasionado. Courtney no parará de obsesionarse por la cirugía estética y ofrecer numerosos escándalos ante la prensa. Mientras, Frances, ya adolescente, vive sin piedad la maldad de su madre, cada vez de manera más malvada y grotesca con todos los que la rodean. Finalmente, la cara de Courtney llega a convertirse en una máscara de látex.
Frances termina abandonando a su madre y su hogar, desechando toda posibilidad de venganza, esperando un futuro más racional en soledad.
 
LA COMPAÑÍA
“Nos sentimos identificados con muchas cosas,
sobretodo, con todo lo peor”.
La Tarara se crea en 2011 de la mano de tres actores y un escenógrafo procedentes de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla, con el deseo de explorar nuevas fórmulas en las artes escénicas. Así como realizar espectáculos que engloben la danza, el canto y la interpretación desde una mirada fresca e inusual.
Han sido reconocidos por sus espectáculos en festivales nacionales e internacionales, obteniendo el premio a mejor espectáculo en el FITU de la Ciudad de México y el ITSELF Festival de Varsovia en 2015, donde además se les premió como mejores actores y mejor diseño de iluminación.
Recibieron la nominación a “Mejor compañía” por "El niño Adefesio" en los IV Premios Lorca del Teatro Andaluz en 2016 y se alzaron con el “Premio Revelación” en el Sevilla Fest 2017.

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Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

Encuentro con el público: después de la función se realizará un debate sobre el trabajo teatral representado,  con los espectadores que quieran participar en el mismo


Compañía artística… Colectivo VISCEPATIK

Nacimiento…………. 2012, Brujas. Bélgica

Proyecto…………….. BITS & BEATS



. “Bits & Beats” es la última pieza artística interactiva del grupo VISCEPATIK, galardonada con los premios nacionales de creación INJUVE. Un trabajo multidisciplinar basado en la combinación de las nuevas tecnologías digitales con el teatro tradicional, creando una pieza escénica repleta de recursos audiovisuales que van cambiando y evolucionando durante toda la obra.

Sobre la escena, la pieza recrea un taller de construcción de autómatas, uno muy especial, lleno de variopintos sensores digitales que foman parte del efectivo pero invisible equipo de trabajo.
Los protagonistas interactúan en directo con estas singulares máquinas a través de sus movimientos, creando a su vez la escena, sumergiendo a actores y espectadores en un espacio onírico que sobrepasa la imaginación. Audiovisuales, proyecciones, realidad virtual, elementos reactivos, … todos los contenidos digitales se crean en directo, complementando la escena real. Cada gesto humano de la obra tiene un eco único sobre la escénica audiovisual, creando con cada representación teatral una irrepetible pieza artística.

Los tres artistas residentes en Barcelona profundizan con este trabajo sus exploraciones en el campo de las nuevas tecnologías, iniciada en Bélgica, y que les han llevado por España, Francia o República Checa en diferentes eventos artísticos y colectivos creativos.

Contacto……    www.viscepatik.es /viscepatik@gmail.com

        @VISCEPATIK @ Facebook/Vimeo/Blogspot/SoundCloud
        @NOTMEVJ @ Facebook/Vimeo/Instagram/


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Entradas 8 €: a partir de media hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI


UNO DOS, ESTRELLA   cabaré poético   de Menuda Compañía:
Marcos García Barrero, textos;
Chefa Alonso, música.
Duración del espectáculo: 70´ aprox.

Sinopsis
Uno dos, Estrella es un diálogo entre un músico (Chefa Alonso), un actor (Marcos García Barrero) y el público. Chefa Alonso improvisa, lanza, redobla y responde a las palabras que Marcos García Barrero profiere, escupe, canta y evoca para el público, una realidad fantasmal o su propia memoria.
En Uno dos, Estrella hay cuarenta universos organizados en cinco movimientos. Cada uno de ellos tiene una atmósfera musical e interpretativa; cada uno de ellos contiene un conjunto de seres o presencias que acompañan a los intérpretes durante los setenta minutos que dura la función.
El espectáculo es un muestrario de fragmentos que poco a poco van cobrando sentido. Alonso y García Barrero edifican con ellos un paisaje urbano en el que vive una mujer llamada Yo, hay zombis que bailan con chicas guapas, un barco no sabe si querer a un padre o a su hija, los monstruos se desorientan, las discotecas recuerdan ciertos pasos de baile y un príncipe danés procura librarse de su padre. De la música sale el aroma del jazz, la música popular y los chirridos de un frenazo en seco.

MENUDA COMPAÑÍA está formado por:
Marcos García Barrero, actor y escritor y Chefa Alonso, compositora, músico e improvisadora.
Menuda Compañía nace con el propósito de aunar música y teatro mediante creaciones originales abordadas desde una mirada conpemporánea e interdisciplinar.
Los referentes musicales, además de la improvisación libre y el free jazz, son la música de raíz popular y la música de baile.
Los textos tienen como punto de partida el monólogo dramático, el stand-up comedy, la narración y la sátira.


FICHA ARTÍSTICA
MARCOS GARCÍA BARRERO (https://marcosgarciabarrero.wordpress.com)
Marcos García Barrero trabaja como actor profesional de forma ininterrumpida desde el año 2000. Como actor ha colaborado con los directores Juan Diego Botto (Hamlet, Teatro María Guerrero), Ana Kuntzelman (compañía Snomians), Darío Facal, Ana Contreras (King Lear) y Juanfra Rodríguez, entre otros; y, también, con el Premio Nacional de Danza Chevi Muraday (Morfología de la soledad), la cantante-performer Fátima Miranda (Per-versiones), el video-artista Miguel Espada (www.espadaysantacruzestudio.com) y el poeta Gonzalo Escarpa.
Como escritor se dedica a la creación de textos de ficción y a la escritura de investigación (teoría literaria y escena contemporánea) en la UNIR, el Instituto del Teatro de Madrid, la Universidad Complutense y la revista internacional The Theatre Times. Es Doctor en Literatura Comparada por la UAM y licenciado en interpretación textual por la RESAD. Tras terminar su formación teatral se especializa en la palabra hablada y cantada gracias a su trabajo con Concha Doñaque, Vicente León, Esperanza Abad, Vicente Fuentes, Ani Sun, Gyllyanne Kayes (Londres. http://vocalprocess.co.uk/), Tage Larsen (Teatro Odín) y Greg Hicks (Royal Shakespeare Company).
En el año 2001 funda –junto a Darío Facal– la compañía Metatarso Producciones, donde trabaja hasta el año 2009. Tras este periodo se inicia su etapa inglesa en Londres donde trabaja como actor e imparte clases de interpretación, improvisación y devised theatre (escritura colaborativa) en la RADA de Londres junto a la compañía anglo-francesa Echange Theatre.
A su regreso a Madrid estrena –como actor, dramaturgo y director– la obra teatral Que al fin respire (2011), una fabulación libre sobre el mito de Orfeo en el siglo XXI. El montaje se estrena en el Festival La Alternativa de la antigua Sala Triángulo. Ha participado en el festival Surge Madrid (la edición de 2015 en Espacio Labruc y la de 2014 en El sol de York –el actual teatro de la UNIR– con Javier Ortiz). Del año 2002 al 2006 es un habitual del Ciclo Autor de Escena Contemporánea donde estrena a Heiner Müller, Botho-Strauss, Jean-Luc Lagarce y Caryl Churchill, entre otros. Actúa en la Wolksbühne de Berlin (Madrid Laberinto XXI, 2008), en el Studiobühne del Festival de Colonia (2004), en el festival CIFET de El Cairo (2005) y en el Henley Festival de Londres (Men on the verge of an hispanic breakdown, 2010).


CHEFA ALONSO
Es doctora en Performing Arts por la Universidad de Brunel (Londres, 2007). Ha publicado los libros: Enseñanza y aprendizaje de la improvisación libre. Propuestas y reflexiones (Madrid, 2014, Editorial Alpuerto) e Improvisación libre. La composición en movimiento (2008. Editorial Dos Acordes).
Saxofonista y percusionista de free jazz e improvisación libre, compone música para espectáculos teatrales, de danza, poesía, circo y espectáculos audiovisuales. Además, como docente, imparte talleres interdisciplinares de improvisación a músicos, actores, bailarines, poetas y otros artistas de la escena. Dirige, también, orquestas de improvisadores como OMEGA (Orquesta de Música Espontánea de Galicia), Foco (Orquesta de improvisadores de Musicalibre) y Entenguerengue (Orquesta de improvisadores de Andalucía). Es cofundadora de Musicalibre y ha organizado durante varios años el Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel, en Madrid.
Realiza la dirección musical de CIRCO INTERIOR BRUTO, un espectáculo de circo contemporáneo español, estrenado en Amiens, Francia, en abril del 2015 y de AL FILO 2011 y AL FILO 2012, maratón de circo contemporáneo, producido por Escena Contemporánea y el Circo Price.
Crea y dirige la Orquesta Carníval, proyecto que mezcla la improvisación libre (con y sin conducción) y la composición previa, para integrar, con un espíritu libre, la música de circo, el free jazz, la poesía, la música electrónica y experimental y la danza.
https://vimeo.com/171215309 (2015. Festival Internacional Hurta Cordel. 3´:30´´).
Ha tocado en diferentes festivales europeos (Alemania, Inglaterra, Francia, Suiza, Bélgica, Rumania, España), en EEUU (Nueva York, Chicago) – y Canadá (Toronto); y ha dado cursos y talleres de improvisación en distintos países de Latinoamérica como Brasil (2026, 2014, 2012, 2011, 2010), Argentina (2010), Uruguay (2010), México (2015, 2013) y también en Indonesia (2000).
Sus últimos proyectos interdisciplinares son Bailar el agua –un proyecto para público con discapacidad intelectual, con Raquel Sánchez y Ana Erdozain (https://vimeo.com/194295447) 2016, Festival de Artes Escénicas e inclusión social–, Matar a Platón en concierto, con Chantal Maillard en la interpretación y Jorge Frías al contrabajo, la formación Tangram, un trío con Adrián Abril (visuales) y Jorge Frías (Si fuera un sueño, espectáculo audiovisual) y Menuda Compañía, con el actor y escritor Marcos García Barrero (Uno dos, Estrella).
Se puede consultar más información sobre sus proyectos, talleres, grupos, orquestas y publicaciones, en: http://chefaalonso.wordpress.com




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Categorías: Artes escénicas

Entradas 8 €: a partir de una hora antes de la función en la taquilla

VENTA ANTICIPADA: Desde el martes 6 de marzo en KANYA ENMARCACIÓN, BAR EL SIETE Y TABERNA BAR "EL CUERVO"

50% de descuento (*exclusivamente en taquilla): miembros de la comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI


LATELE TEATRO
Laboratorio Teatral Leonés
 presenta:
“Raices” de Lorca
Versión y Dirección: LATELE TEATRO


“Raíces, de Lorca”
¿Por qué este espectáculo?

“Raíces” es un homenaje a todas las mujeres que fuimos, somos y seremos… Mujeres que a través de la historia nos han marcado, nos han educado y nos ha fortalecido.
Mujeres que han sobrevivido más allá del tiempo y a las que queremos dotar nuevamente de voz, de una voz clara y profunda, para hacernos comprender a través de nuestras más arraigadas tradiciones las flaquezas y fortalezas a las que nos enfrentamos todavía.
Federico García Lorca pone letra a todo este montaje, donde narrado, recitado o musicalizado nos acerca a esos personajes femeninos que marcaron la historia de España con su lucha y su fuerza. La música en directo y la apasionada interpretación de ambas artistas dotan a este espectáculo de un sentimiento y un clima capaz de transportar al espectador a sus más profundos recuerdos y sueños.
“Raíces” es un grito desesperado, y también es un grito de esperanza.
Inés Diago y Diana Trigueros


SINOPSIS:
“Raíces” es una obra compuesta de textos y poemas de Federico García Lorca. Se trata de un cuadro vivo de mujeres lorquianas cuyos monólogos se conectan con diferentes poemas de Lorca.
Estas seis mujeres sienten y sufren por su sangre y por su tierra, sus raíces, dentro de una estructura social que las encadena.
La Madre, Yerma, Mariana, Rosita, Adela y Bernarda nutren sus esperanzas por su familia y su tradición, pero son también estas raíces las que las detienen en espacios trágicos donde sus deseos de vida, prosperidad y libertad se ven truncados.
En la narrativa de los monólogos, las seis mujeres enraízan unas en otras a través de su sufrimiento y su amor. Los poemas de Lorca se integran como bisagras que rescatan lugares de memoria y esperanza en esas soledades. De este modo, todos los textos nos brindan un dibujo de la mujer ligada a las tradiciones cuyas raíces son su sustento y su cadena.

Reparto:
Inés Diago
Diana Trigueros


“LATELE TEATRO”
LATELE TEATRO es una compañía de reciente creación, cuyo director y actores han formado parte de varias compañías teatrales con una larga trayectoria en las artes escénicas.
Tras un gran éxito con el montaje “El Ricachón en la Corte” de Moliére y “Debo haberlo matado yo”, comedia basada en “La Decente” de Miguel Mihura, en 2012, tres de los actores integrantes de Sana Locura Teatro convienen la creación de una nueva compañía. Junto con el director Jesús Prieto y el productor Eduardo Vicente se esboza por primera vez lo que más adelante será el LABORATORIO TEATRAL LEONÉS (LATELE TEATRO), una compañía cuyo fin principal es entretener, investigando distintas técnicas y géneros interpretativos para poder ofrecer un montaje vivo, alegre y que a su vez nos acerque a una complicidad entre el actor y el espectador.
Con estos conceptos e ideales claros, entra en escena el director y guionista leonés Samuel Gutiérrez, quien nos ofrece una comedia contemporánea e inédita que encaja perfectamente con nuestro proyecto. Esto da el último empujón para que en febrero de 2013 nazca LATELE TEATRO, y su primer montaje “GENOMAS Y GUISANTES”.
Durante el año 2014, Samuel Gutiérrez vuelve a colaborar con la compañía creando un texto de microteatro que es representado en varias salas, y que acerca este nuevo formato a los habitantes de León.
En este mismo año, motivados por los textos clásicos y las antiguas compañías de teatro itinerante, nace el proyecto “Entremés y mes, un paso” de manos de Jesús Prieto, que aúna entremeses de grandes autores del Siglo de Oro con piezas contemporáneas de cabaret, enlazados por una historia común entre nuestros tres protagonistas.
En 2017 trabajan en el montaje “Raíces, de Lorca”, pendiente de estreno, e interpretado por la actriz Inés Diago y la guitarrista Diana Trigueros.


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Categorías: Artes escénicas

Entradas 8 €: a partir de una hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

PERFIL TEATRO  inicia su andadura con esta versión teatral de "Cinco horas con Mario" realizada por Sonia Martínez y Javier Bermejo, estrenada en junio del año pasado y premiada este año en el Festival de Teatro Estrella Gil de Moratalla (Murcia).

“Con Carmen, cinco momentos” de Miguel Delibes
El núcleo de esta obra lo constituye el soliloquio de Carmen, una conservadora mujer de clase media alta, junto a la urna funeraria de su marido Mario recientemente fallecido. A través de los recuerdos observamos,
en muchos aspectos, una insatisfactoria vida en común. Delibes recrea la España provinciana de la época, los problemas de la falta de comunicación en el matrimonio, así como el conflicto de las “dos españas”.




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Categorías: Artes escénicas

Entradas 8 €: a partir de media hora antes de la función en la taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI

Encuentro con el público: después de la función se realizará un debate sobre el trabajo teatral representado,  con los espectadores que quieran participar en el mismo y tendrá lugar la presentación del libro EL CAMINO DEL ACTOR  A través del entrenamiento Psicofísico



Comedia, bululú farsesco…


“El Efecto Mariposa; una comedia sobre la teoría del caos”
de Alfonso Rivera
Introducción
¿Han oído hablar de la teoría del Caos? Es la idea de que pequeñas cambios pueden tener grandes consecuencias. Existe un proverbiochino que dice que el leve aleteo de alas de una mariposa puede crear untornado en la otra parte del mundo. Me pregunto si esta teoría también funciona al revés: ¿puede una tormenta emocional en algún lugar del tiempo general el batir de pestañas de la persona que se encuentra justo en frente de ti?

Sinopsis
Alfonso Rivera intenta explicarnos su peculiar visión del amor a través de la teoría del caos poniendo en cuestión si existe el determinismo en nuestras vidas. Para ello recurre a contar la historia del amigo de un amigo de su amigo. Se trata de la increíble peripecia de cómo Alfredo decide a pedirle matrimonio a Dafne, una mujer que ha conocido hace unas semanas en tinder y de la que se ha demorado perdidamente. Cuando Alfredo descubre que se ha olvidado el anillo en casa y regresa para cogerlo se cuela en esta cita Rodolfo Valentino, un famoso autor de libros de autoayuda y seducción que intenta robarle a su chica. Gracias a la ayuda de Doc y al Delorian

Estilo
A través de una disparatada comedia de enredo con pinceladas de canto y baile, Alfonso Rivera interpreta en este one-manshow a más de media docena de personajes que se buscan, se seducen, se siguen y se persiguen llegando incluso a viajar en el tiempo para lograr alcanzar el amor verdadero. Un hombre enamorado, una femme fatal, un seductor argentino, uncientífico loco, una heladera romántica y muchos más personajes se despliegansobre el escenario, por medio de la técnica interpretativa del desdoblamiento, para que el espectador disfrute de una divertidísima trama e clave de bululú farsesco.

Alfonso Rivera
Licenciado en Interpretación Gestual por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (1999-2003). Becado por el Ministerio de Culturacompleta sus estudios de mimo corporal dramático con los últimos asistentes de Etienne Decroux en la Ecole de Mime Corporel Dramatique de L´Ange Fou, Londres. Se especializa en la pedagogía de Jacques Lecoq en London-Berlin International School of Performing Arts, LISPA,(2016-2017).
Trabaja como actor en numerosas producciones de teatro físico mostrando su trabajo en países como España, Inglaterra, Francia, Italia, República Checa, Noruega, Polonia, Eslovaquia y Rumanía. Trabaja profesionalmente en Londres con compañías como Zecora Ura (y con la compañía Theatre du L´Ange Fou (The Grimm Files). En España hace más de 12 montajes con El Gato Negro con la cual recibe el Premio a los Jóvenes Creadores Comunidad de Madrid.
En el año 2014 decide crear su propia compañía estrenando espectáculos como “Momo” (2013), “Vincent” (ganador del 1º Premio Xuventude Crea 2014), “Siddhartha” (2015), “Kastha Kofta” (2016), “Good Luck” (2017) yahora su último espectáculo, el monólogo teatral “El Efecto Mariposa” (2017).

Equipo artístico
Alfonso Rivera: creación e interpretación
Sergio Macías: co-dirección / asesor dramaturgia
Diego Akselrad: co-dirección / asesor dramaturgia
José Piris: Asesor de gesto
Marión Sarmiento  y Sabela Cereijo: Asesoras de canto
Beba Gayoso y Laura Díez: Asesoras de danza
Carlos Pinilla: Asesor de vestuario
Javier Quintana: técnico de luces y sonido

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Categorías: Artes escénicas

Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro



Ainhoa Hernández Escudero, Ma d r i d
Laura Ramírez Ashbaugh, Mad r i d

Mov i l i dad , Ar t e s Es c én i c a s

P r o y e c t o : AL FINAL DE LOS BRAZOS ESTÁN LAS MANOS, AL FINAL DE LOS DEDOS NOSOTRAS ESTAMOS

¿ Que pasaría si en vez de preguntarnos quien quiero ser, nos
preguntásemos que clase de vida es la que quiero vivir con los otros?
Judith Butler
Conversar, conversar para que en el entre se produzca algo.
Generar un espacio donde convivir desde el afecto.
Darnos el tiempo.
Darse el tiempo para recuperar el espacio para el disfrute y también para la
confrontación, porque conversar es confrontar, porque encuentro es herida.
Jugar a las correspondencias para resignificarnos, pero todo el rato.
Hacer para nada.
Divagar para estar juntas.
Conversar un espacio y darnos el tiempo.
Generar el entre y confrontar.
Revisitar el disfrute donde convivir desde el afecto.
Dejar la herida abierta.
Jugar, jugar, jugar.
Correspondencias pero todo el rato, para resignificarnos, para nada, para
estar juntas.

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Entradas (8 €): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI


MANOLO FERRERO Y ALFONSO SALAS, presentan: “Europa en la Maleta”
Dir.: Manolo Ferrero

Europa en la Maleta.

Dos viajeros. Un continente que quiere dormir. La inocencia que esta dispuesta a cualquier cosa para despertarlo. Hombres intemporales en un lugar concreto, en un tiempo hecho de cuentos y canciones.  Un recorrido por los paisajes de la vieja Europa, o como ella misma suele decir la nueva Europa: “Tengan ustedes respeto que una es tan joven como el mundo”.
Francia, Alemania, España, Italia, Rusia, Portugal mirando su propia historia de modo alegórico. ¿Quién será ese chico que con una rosa en la mano es capaz de molestar y hacer sonreir a un continente entero? Vagabundear, cantar, sacar las alas y empezar de nuevo.

Europa- Me pesan aún viejas revoluciones y muchas guerras aún no curadas. Heridas en el corazón de mis hijos.
Viajero-  Lo que usted  necesita es un romance para llorar a gusto y luego volver a sonreir. Así curará viejas historias.
Europa- Eso son tonterías.
Viajero- Anda, Deje que pruebe con una canción...

La hija del molinero, el romance del Quintado, “Chanson d’avril”, Vagabong, el mito de Pandora dado la vuelta, la tarantela y cientos de palabras a ratos como copos de nieve y a ratos pétalos fragantes en un espectáculo de Alfonso Salas y Manuel Ferrero.

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ENTRDA LIBRE, hasta completar aforo

Propone: FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS ULE


Página oficial

Descarga el dossier de TEATRO CORSARIO "baratria" en el siguiente archivo adjunto

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Entrada libre, hasta completar aforo


VÍCTOR COLMENERO web


 “A wall is better than fencing, and it’s much more powerful, it’s more secure. It’s taller.”
Donald Trump

Trump asume que un muro es más seguro, potente y alto que una valla. Esta afirmación rebasa el material, mezcla cualidades físicas y sensaciones, la seguridad y la altura.

Mi trabajo trata el cortocircuito entre la construcción del concepto-imagen-lenguaje y la resistencia-agotamiento que presenta a éste el cuerpo y el material.

En la actualidad existen 14 muros materiales en proyección o construcción frente a los 21 ya existentes. El muro es un espacio que separa y aisla. El muro, como la esfinge, no está solo formado de piedra, tiene una identidad como arquetípo que hace que nos sintamos más seguros y que lo veamos más alto y robusto que una valla.

Muro es un proyecto de acumulación, de adición de capas que se producen en bucle o progresiones. Es una experiencia inmersiva, un espacio no habitable por la saturación de material pero que a la vez es configura identidades y conflictos entre ambos lados.

Colaboradores: Stefan Garrido, Ángela Losa y Elisabet Sánchez Altube.

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Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla


 “Perder la forma humana podría pensarse como una invitación a la mutación, como un salirse de sí mismo hacia nuevos parámetros de lo sensible. Perder la forma humana como una elección del camino de la auto creación permanente, del espíritu libre que se emancipa de la razón y de los dogmas modernos occidentales en busca de una sensibilidad diferente. Un modo de fuga del  sujeto sujetado a sentidos comunes rutinizados que definen cómo y qué deben ser los cuerpos, las almas, los pensamientos, las conductas, las voluntades.”

Encontré este texto escrito por Diana Lucena en el capítulo Estrategia de la alegría, del catálogo de la exposición Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Durante esos esos días pensaba en cómo las personas necesitan identificarse con algo para poder comprender lo que son. Al igual que cuando los otros te miran, que necesitan procesar la información que tu imagen despliega y relacionarla con algo que ya conocen para poder comprender lo que ven y para poder construir lo que eres.

Traté entonces de practicar el ejercicio contrario al que la sociedad propone buscando maneras para des identificarlo todo, para perder esa forma humana, con la intención de dotar de tal libertad al cuerpo que pueda transitar por todas las realidades posibles. Y así, hacer que las miradas que construyen la identidad desde fuera, no logren ser sedentarias.

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Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DOSSIER TEATRO ABIERTO en:

https://yoryo.com/varios/desiguales/Dossier.pdf

Como pasa con cualquier artista, Woody Allen puede gustar o no, pero está claro que plantea ideas muy suyas, junto a temas que pueden considerarse obsesivos por reiterados en toda su producción. Leyendo su obra “Adulterios”, nos resultó divertida la propuesta crítica sobre los derechos de autor, tema que padecemos quienes hacemos teatro. Pero al mismo tiempo nos preguntamos qué pasaría trasladando su visión masculina del sexo, el judaísmo, el psicoanálisis, etc., a una perspectiva femenina.
Esta visión se plasma en el encuentro de dos mujeres con vivencias opuestas, y la presencia de un músico que ejerce de testigo.
El resultado queda plasmado en esta obra que titulamos “Desiguales” y que esperamos despierte en el público algo de la polémica que nos motivó para montarla.
El elenco está integrado por Pepa Otero Feliz, Gonzalo Ordás y Renée Jaitt, con Alejandra Nieto como Ayudante de Dirección, y la Dirección General de Renée Jaitt, en esta nueva producción de TEATRO ABIERTO

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Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI


Danza contemporánea y teatro físico.
TAMBALEOS DE PERDIZ
VERTIGO AL AGUA

Duración: 50‘
Creación colectiva.
Dirección: Ángel Zotes Ramos   

Proyecto coreográfico que acoge el agua como uno de los elementos más transformables.
Desde  su simpleza puede pasar desapercibida y transformar todo cuanto toca o traviesa su zona, incluso  a la luz con su velocidad. Desde la más apacible ternura, a una de las fuerzas transformadoras más poderosas. Se la añora, se la respeta y se la teme.
Un paraíso, una frontera. Trascendencias y rituales de un estado a un no estado.
Trashumancia. Experiencia cíclica. Procesos, vivencias, encuentros y despedidas.
La indecisión, y el vértigo. Lo que deseamos y las trabas  invisibles que nos aploman.  Sobre la necesidad de asombro, el reto  y el riesgo.  Sobre lo desconocido.

Un no-poema:
Huyendo hacia la orilla.
Esta noche se formaron los charcos.
Amaneció un mundo de edificios y gentes.
Me atrapo.
Lo Sentí  al verme en el suelo, tan lejos.
Desde la altura.
Cierra los ojos y se deja caer.
Suena, sueño, me resuena.



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Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro



Aquí en la tierra
Hay un mensaje que llega cada tanto a esa periferia interior que es AQUÍ. Una reserva onírica, un mundo extraño en el que se mezclan la falta de esperanza, la rabia contenida y el hedonismo. El mensajero es el último hilo que une dos mundos irreconciliables. Pero hay una complicidad de los contrarios que siempre acaban pagando los inocentes.
Aquí en la tierra es una tragicomedia de otro mundo. Una distopía en la que gentes sin futuro dan rienda suelta a sus instintos más básicos. El espectador va descubriendo, en clave policíaca, qué se esconde bajo la aparente sensibilidad de quienes mantienen las tradiciones, tras la bondad del buen salvaje, en la arcadia feliz de nuestros orígenes… Pero, ¿somos los olvidados o los que olvidan? Descrubirlo puede herir nuestra sensibilidad.

AUTOR
Víctor M. Díez
Dramaturgia
Javier R. de la Varga, en colaboración con el autor

REPARTO                     
CARTERO    Manuel A O
JACINTO    Daniel L. Ferrero
ALICIA        Andrea Soto Vargues
ESTRELLA    Belén de la Viuda
PEDRO                 Alberto Vallejo
REMEDIOS    Lorena de Paz Carbajo
MARCELO    Luis Martínez Campo
DULCE        Diana Greño Trigueros
MARGARITA    Teresa G. Álvarez

VOCES en off 
Itziar Quirós
Víctor M. Díez


ESPACIOS SONORO y MÚSICA        
Daniel Spencer, Diana Greño Trigueros y Luis Martínez Campo
DISEÑO VESTUARIO            
Rakel Álvaro
VESTUARIO    
Rakel Álvaro y Susana González
ESPACIO ESCÉNICO  y ATREZZO
Teatro El Mayal
ILUMINACIÓN           
Javier R. de la Varga
SONIDO        
Daniel Cascón Mielgo

FOTOGRAFÍA           
Agustín Berrueta (portada) y juanluisgx
IMAGEN GRÁFICA       
Luis Soto

DIRECCIÓN           
Javier R. de la Varga

PRODUCCIÓN       
Teatro El Mayal - Área de Actividades Culturales. Universidad de León




Agradecimientos por su colaboración
Pablo Parra (La Pequeña Nave), Pablo Vega (Ruidostudios), María Murciego (Tratamiento de imágenes), Guadalupe Díez (Tarot), Ana Muñiz (Gráficas Qué arte!), Rodrigo Martínez, Concha González, Oscar de Paz, Evangelina Ferrero, Herminio González, Sandra Ordóñez y a Iván y Lola.

TEATRO EL MAYAL - ULE
En otoño de 2009, a propuesta del Área de Actividades Culturales de la Universidad de León y con la dirección de Javier R. de la Varga, se pone en marcha el Centro para el Desarrollo de las Artes Escénicas de la Universidad de León y la compañía TEATRO EL MAYAL - ULE. El objetivo es reactivar el siempre comprometido teatro universitario, acercar las artes escénicas a esta comunidad y revertir en la sociedad su compromiso intelectual, creativo y ético, en colaboración con artistas de otras disciplinas y con otros agentes de la propia Universidad, así como externos a la misma.
TEATRO EL MAYAL - ULE ofrece formación estable, talleres monográficos, encuentros con profesionales e intenta formar parte activa de la vida cultural de la ciudad y comparitir sus propuestas creativas también más allá del ámbito local.    
Desde su creación ha colaborado en proyectos audiovisuales (“KILL RATS”, “El Valor de escribir una historia”, “LA PROEZA”, “Canto de Fugaos…”), así como en propuestas de otras disciplinas artísticas como en “Del laberinto al treinta” (Laboratotorio Poético 2016. Ayuntamiento de León); El cuento musical de “Pedro y  El Lobo” de S. Prokofiev y la ópera “Brundibar” de Hans Krassa (Mayo 2016), ambas con Juventudes Musicales – Universidad de León.

ESTRENOS
“MÁQUINA HAMLET”de Heiner Müller. Marzo de 2011.
 “La Patada / DER KICK” de Andres Veiel y Gesine Schmidt. Estreno en España. Abril de 2013.
 “Pedro y El lobo (revisited)”. A partir de la obra de S. Prokofiev. En colaboración con La Orquesta de Jueventudes Musicales – ULE. Diciembre de 2014.
 “Pobre Janucá de Fiesta y Luz”. Creación propia a partir de narraciones de origen hebreo. Diciembre de 2015. (En Repertorio).
 “TESLA A TRAVÉS”. Serie de 8 acciones. “TESLA 2016. Festival de experimentación sonora”. Febrero de 2016.
"Hotel Las Vegas**". El 19 de abril de 2015 Teatro El Mayal - ULE (en coproducción con Acéfalo Narciso Teatro) estrena Hotel Las Vegas** en la 20ª Muestra Internacional de Teatro Universitario de Ourense (MITEU). Premio del Jurado al Mejor Espectáculo de esta edición.
 “La Ciudad Sitiada”, de Laila Ripoll. Abril de 2016.
“A golpe de Bardo”.  Acción a partir de textos de W. Shakespeare. Apertura de Urogallo. I Festival de Poesía Expandida. MUSAC, octubre de 2016.
“ALESTEDETESLA”. Serie de 13 acciones y 2 transiciones realizadas en el Teatro El Albéitar, el Pub Babylon, MUSAC, MUSEO DE LEÓN, Glam Theatre y algunas calles de León dentro de “TESLA 2017 Festival de experimentación sonora”. Febrero de 2017.
“Aquí en la tierra”, de Víctor M. Díez

TEATRO EL MAYAL – ULE ha participado en muestras de teatro universitario como Burgos, Lugo, Pamplona, Oviedo, la Muestra Internacional de Ourense (MITEU)… y en programaciones como la del Auditorio Ciudad de León, las Jornadas de Teatro de Éibar, Mu_danzas en el Teatro Bergidum de Ponferrada, MUSAC…




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Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

YA NO VOLVERÉ
con dramaturgia de Juan Luis Sáez.
Desde que comenzó el siglo XXI más de 30.000 personas han acabado sus días en las aguas del Mediterráneo intentando llegar a la vieja Europa. La escala de desplazamientos humanos debidos a la guerra, la pobreza, la hambruna, las enfermedades, la falta absoluta de proyecto de vida, es imparable y superior a las vividas en toda la historia de la humanidad. Los gobiernos, que en parte son los responsables de los conflictos que provocan este éxodo, son incapaces de dar soluciones al drama que se desarrolla en millones de personas a la deriva de los caminos y de las fronteras, intentando alcanzar un lugar donde puedan establecerse y llevar una vida digna. La condición humana, que siempre ha mantenido una lucha porque no se pudiera dividir entre ricos y pobres, ha pasado a establecer una nueva diferenciación: legales e ilegales, con papeles o sin papeles, dando así razones a los legisladores para realizar con total impunidad políticas discriminatorias, abusivas e inhumanas.
Las razones incuestionables que llevan a tanta gente a emprender un viaje abierto a la muerte forman parte del planteamiento de nuestro montaje; el vacío del emigrante que ha llegado a lo que en su sueño era un paraíso y la realidad es otra muy distinta, y la seguridad de que ya no volverá al lugar de sus ancestros, al lugar de sus raíces de su universo cultural y emocional.


Ficha técnica y artística:
Dramaturgia y dirección: Juan Luis Sáez / Reparto: Beatriz Isabel Bernal, Alicia de la Peña, Pedro Javier Díaz, Paula Fernández, Daniel García, John Halnan, Berta Pascual, Daniel Rodríguez y Javier San Eustaquio / Técnico de luz y sonido: José A. Pereda (Bisby) / Cartel (Imagen): Javier San Eustaquio / Máscaras: Román (Taller Guirigay).

El Aula de Teatro de la Universidad de Burgos, nace en 1997, pocos años después de la creación de la propia universidad burgalesa. Una de las ramas que se desarrolla dentro de la actividad del Aula es la producción teatral por medio de su Grupo Estable de Teatro, que complementa la actividad formativa en materia de artes escénicas, tanto a nivel cultural, estético, humanístico, como a nivel de compromiso con la sociedad y atendiendo a las tendencias y estilos que marcan los tiempos actuales. Los montajes son estrenados en la Muestra de Teatro Universitario que el Aula de Teatro organiza, promoviendo el intercambio de representaciones con otros Grupos de Teatro universitarios en todo el ámbito nacional.

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Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

TODA LA INFORMACIÓN en:

http://aulateatroourense.blogspot.com.es/2018/02/las-ondas-de-las-piedras-en-el-rio-cast.html


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Invitaciones: a partir de media hora antes de cada función en la taquilla del teatro

la obra
“Había una vez un pobre niño que no tenía padre ni madre, todos fallecieran y ya no quedaba nadie en el mundo. Todos fallecieran. El se puso a llorar día y noche. Y como ya no había nadie en la tierra quiso ir al cielo, y la luna era un pedacito de madera podrida. Entonces se fue al sol y, cuando llegó, era un girasol seco, y cuando llegó a las estrellas, estas eran pequeños mosquitos de oro que estaban prendidos
como los prende el halcón en el endrino, y cuando quiso volver a la tierra era una olla al revés y estaba completamente sólo, entonces se sentó y empezó a llorar. Aún sigue sentado y está completamente sólo”
Woyzeck se considera una de las primeras obras de teatro contemporáneo, en la que por primera vez encontramos un hombre de baja sociedad como protagonista.


Ficha
……………………….
Elenco
Enxhi Toska
Adrián del Rio
Pablo Fernández
Soraya Comba
Elba Fernandez
Giovanni Peixoto


Ficha artística
Luz y sonido: Alfredo Sarille
Diseño espacio escénico: Paloma Lugilde e Oscar Lago
Logística: Paz Fernández Freire
Corrección lingüística Xusto Rodríguez- Servizo de Normalización lingüística


El grupo

La compañía de Teatro USC-Lugo lleva como Aula de la USC en Lugo ya más de 25 años funcionando. Desde el 2003 los montajes son dirigidos por Paloma lugilde salvo 4 años . Ponemos aquí los últimos montajes dirigidos por la actual directora:
2004 Joan . Premio Na Vangarda de la comunidad autonóma Gallega y mención especial en la MITEU Ourensá. Premio mejor espectáculo, dramaturgia, dirección e interpretación en Valencia
2005 Nai? de Máximo Gorki, mención especial en la MITEU Ourensá.Premio mejor espectáculo, dramaturgia e dirección en Valencia
2006 KM 526 de Paloma Lugilde y Claudio Rodríguez, mención especial en la MITEU
Ourensá
2007 O Público de Lorca,mención especial en la MITEU Ourensá
2012 In Yer face. Na túa cara de Paloma lugilde basada en texto de Sarah Kane .
Premio del jurado de la MITEU Ourensá

2013 Animaliños de Roberto Vidal Bolaño. Premio del jurado y del público de la MITEU Ourensá. Premiomejor dirección , espectáculo, espacio escénico, interpretación femenina, iluminación en la Mostra Universitaria de Santiago

2014 Miosotis , non me esquezas . Basada en Comedia sin Título de Lorca, mención especial en la MITEU Ourensá
2015 Lear de nada nada sae basada el Rey Lear,mención especial en la MITEU Ourensá
2016 O Público de Lorca mención especial en la MITEU Ourensá. Premio a la mejor iluminación y dirección en el Festival Universitario Nacional de Toledo 2017
2017 Paz Perpetua de Mayorga,mención especial en la MITEU Ourensá
2018 WK

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Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en taquilla

Sinopsis:
"Tracking" es un espectáculo sobre el Big Data que trata de acercar, mediante las artes escénicas, una reflexión sobre los datos que genera nuestro cuerpo en su desplazamiento por el espacio. Mediante una serie de dinámicas participativas, se fomenta en el público algunas reflexiones sobre el intercambio de datos que establecemos cuando navegamos por internet o cuando usamos diferentes dispositivos tecnológicos. Además, una serie de piezas de danza contemporánea con sensores poetizan sobre el concepto del rastreo. Por último, se establece una conversación con el público en la que los ingenieros explican cómo funcionan los sistemas de control del espectáculo y permiten que los espectadores lo prueben con su propio cuerpo.

Equipo artístico:
Dirección: Alfredo Miralles
Creación tecnológica: Javier Picazas, Clara Gómez, Javier Talavante, Ramsés Salas.
Interpretación: Miguel Valentín, Clara Gómez y Alfredo Miralles.
Han inspirado el proceso: Andrea Perissinotto, Antonio Rodríguez de las Heras
Co-producen: INJUVE – Instituto Nacional de Juventud y Universidad Carlos III de Madrid.


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Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Al final de la función:  SE SORTEARÁ ENTRE EL PÚBLICO UN EJEMPLAR DE LA OBRA GRÁFICA CREADA PARA "GIRONDO", NUMERADA Y FIRMADA POR KARLOS VIUDA.


Oliverio Girondo

(Fecha de nacimiento: 17 de agosto de 1891, Buenos Aires, Argentina
Fallecimiento: 24 de enero de 1967, Buenos Aires, Argentina)

Presentación del espectáculo “GIRONDO”,  creado por Renée Jaitt, Rosario Granell, Gonzalo Ordás y Karlos Viuda, a partir de textos seleccionados de la obra de Oliverio Girondo.
Esta alianza interdisciplinar que encaran los artistas, integra sus visiones particulares desde las especialidades en que trabajan, buscando una resonancia global que transmita al público la sorprendente vigencia del pensamiento,  palabra,  imagen, musicalidad y sentir de quien fue un poeta provocador y vital.
Girondo conocía la vanidad de los éxitos literarios. De ahí su exigencia de una moral poética cada vez más intensa, identificando la degradación de la poesía con la degradación del mundo y del amor: “Nos sedujo lo infecto...
/ los poetas de moco enternecido”, toda  esa escoria “que confunde el amor con el masaje, / la poesía con la congoja acidulada”

A través del humor y la ternura, el lenguaje absurdo y surrealista, Oliverio Girondo sigue despertando nuevas formas de expresión en quienes hoy ahondan en su obra.

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Entradas (8€): a partir de una hora antes de la función en la taquilla del teatro
50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

SINOPSIS:
Un Barrio, nos cuenta la historia de unos personajes que viven en la calle Azucena nº 12.
Mezclan sus vidas cotidianas, con otros personajes que se cruzan por el barrio, todo en clave de humor y pasando por todas las estaciones; primavera, verano, otoño e invierno. Disfrute con las peculiaridades y el humor de los habitantes de este barrio.
¡El que vea este espectáculo, se verá obligado a divertirse sin poder evitarlo!

FICHA TÉCNICA:
Escenografía y vestuarios: Auta T de Teatro
Técnica de iluminación y Sonido: Tere Vera
Diseño gráfico: Javier Pemart
Textos: Karl Valentin y La Rue Teatro
Versión y Dirección: Mercedes Saiz

Elenco de actores:
Lola Vera
Javier Bermejo
Teresa González
Javier Pemart
Mayte García
Ricardo García



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Invitaciones: a partir de media hora antes de la función en la taquilla del teatro

NUDO
Una civilización sin nudos es una civilización quizás superhumana, y para algunos también apetecible, pero en todo caso es una civilización no humana.
Santiago Alba Rico.

KABCHURI
¿Dónde están los nudos?
¿Dónde están mis nudos?
Quizás en las palabras, en lo que como, en mi cuerpo, en lo que creo con mis manos, en mis relaciones con las demás, en el paso interminable del tiempo sobre mi piel o en las miradas que se enredan.

HAKARREVEDA
¿Cómo construir a partir del nudo?
Apretando fuerte, bailando, sumando mis nudos a los nudos de otra, acumulando nudos en círculos grande y pequeños, decidiendo nudos, cantándoles mientras (tú y yo) nos desanudamos, saltando, volviendo a los 17 o convirtiéndonos (tú y yo) en palomitas de maíz.

MUCHIKOPOUAK
¿Para qué sirven los nudos?
Para conversar con nuestras palabras y nuestros cuerpos, para atarnos a las demás, para volver a ser manos, para sostenernos todas juntas, para separarnos de las otras, para impedir que lo logremos, para afectar a las demás o para sentirnos juntas.

¿Dónde están tus nudos?
Esperando para que los ates a otros nudos.

Una creación de Marta Alaiz, Mónica Alonso, Alfredo Escapa, Beatriz Gutiérrez, Raquel Juste, Víctor Martínez, Soraya Parrado y Pablo Pino.

Coproducida por somospezes, Actividades Culturales Universidad de León, Satélite Residencia en Movimiento (Ecuador), Arte Actual Flacso (Ecuador), Pujinostro (Ecuador) y La Pequeña Nave (León).


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Categorías: Artes escénicas

ENTRADA LIBRE, hasta completar aforo

Lectura-performance músico-poética

Música: David M. Campelo (violín)

Poesía: Gustavo Vega Mansilla




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Categorías: Artes escénicas

ENTRADA LIBRE, hasta  completar aforo

COLA PARA GENOCIDIO
suite en do m para piano voz cuadro relato poesía vídeo y grito
Velpister (Jens Peter Jensen)
Recital de piano con vídeo-proyección, declamación de textos y escenografía (musicoplastidrama).
El espectáculo consta de una suite para piano en do menor con el título de COLA PARA GENOCIDIO, y otras piezas musicoplastidramáticas.

En él se trata de manera artística la cotidianidad del horror y la conflictividad bélica teniendo muy en cuenta el sufrimiento de l@s niñ@s, aunque también el de adolescentes y adultos. Se trata el tema del éxodo por motivos de guerra, los refugiados y también la vida cotidiana de cualquier familia normal en nuestro Estado del Bienestar.

Todo el contenido, desde textos, piezas musicales, montaje de vídeo, las imágenes de dibujos y pinturas del vídeo, la puesta en escena y la voz, así como la interpretación actoral, son obra y están llevadas a cabo en el escenario por Velpister de manera solista

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Categorías: Artes escénicas

Entradas: (8 €)
Abonos: 4 funciones (24 €), 3 funciones (20 €), 2 funciones (14 €)
a partir de media hora antes de cada función en taquilla.

Miembros de la Comunidad Universitaria: 50% de descuento
previa presentación del Carnet Universitario y del DNI

WEB LA MONA ILUSTRE

La Mona Ilustre de Chile, es una compañía de teatro cuyos integrantes tienen orígenes, formaciones y nacionalidades diversas. Pronto son siete años de dedicación en los que estas diversidades se han ido conjugando. Ahora presentan cuatro trabajos: Los Peces No Vuelan (2009), Las Cosas También Tienen Mamá (2012), Juan Salvador Tramoya (2013) y El Fantasma de Canterville (2015). Todos creados a fuerza de cariño, respeto, tesón, y mucho trabajo. En sus espectáculos intentan hablar del ser humano, de sus fragilidades, de sus miserias, de sus tesoros ocultos. El teatro es un muy buen camino para tratar las cosas que nos interesan y nos conmueven. Relatos sencillos, populares, cotidianos, esperanzados y que se caracterizan por una visualidad cuidada y lúdica, un fuerte aporte gestual con manipulación de objetos y marionetas, y una imagen narradora, solidaria con los contenidos que se presentan.

La niña de Canterville

En pocas palabras, La Niña de Canterville es un muy buen trabajo, sólido, preciso, compacto, entretenido, familiar, pero no fácil. Muy buena obra”
Cesar Farah. El Mostrador


Esta es la historia de una amistad improbable, que se establece entre una niña en los albores de la adolescencia y un centenario fantasma, decadente y olvidado. El relato comienza con la llegada de la familia Otis a la tenebrosa mansión de Canterville, cuyo único habitante vivo es una polvorienta criada que vive profiriendo amenazas de muerte. Pese a los evidentes síntomas de embrujo del lugar, los Otis, que no creen en la existencia de fantasmas, deciden instalarse.
Una noche, Virginia, la hija mayor, huyendo de las macabras bromas de sus hermanos gemelos, tropieza con Simón de Canterville, un espectro deprimido, brusco y solitario que, pese a sus malos modos, suscita la inmediata curiosidad de la joven. Entre los dos se irá tejiendo una relación que traerá consecuencias inesperadas para todos los habitantes de la casa, desvelando además el oscuro secreto que se oculta tras los muros de Canterville.
Inspirada en el relato de Oscar Wilde, esta obra habla del valor de la amistad y del desapego, a través de las delicadas formas teatrales de la compañía La Mona Ilustre.

Elenco: Isidora Robeson, Diego Hinojosa y Paula Barraza
Producción y asistente de dirección: Loreto Vilches
Realización de marionetas, máscaras y utilería: Tomás O’ Ryan (La Matriarca Teatro)
Construcción escenografía: Nicolás Covarrubias, Eduardo Jiménez y Tomás O’ Ryan
Confección de vestuario: Sergio Aravena
Iluminación: María José Laso
Asesoría mágica: Juan Esteban Varela
Composición musical: Camilo Salinas
Diseño integral: Eduardo Jiménez
Fotografías: Rodrigo Lisboa, Teatro UC, Gabriela Larraín
Dramaturgia: Andrea Gutiérrez
Dirección: Miguel Bregante
Agradecimientos: Felipe Peña y Patricia Raths
Una producción La Mona Ilustre
Obra financiada con el aporte de FONDART 2015
Público: Familiar
Duración: 60 min

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Categorías: Artes escénicas

Entradas (8 ): a partir de media hora antes de la función en taquilla | Abonos: 3 funciones (20 €), 2 funciones (14 €)

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carné Universitario y DNI

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Archivos adjuntos: Categorías: Actividades culturales , Artes escénicas

PÁGINA WEB TRYO TEATRO BANDA pincha aquí

Entradas (8 ): a partir de media hora antes de la función en taquilla | Abonos:  2 funciones (14 €)

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TRYO TEATRO BANDA

C H I L E
Desde 2000, Tryo Teatro Banda ha creado más de 20 espectáculos, con gran éxito de crítica y público en todo Chile y el mundo. Contamos hechos reales fundantes de la historia mestiza de Chile, que nos han conformado como la comunidad multicultural que somos hoy. Definimos nuestro estilo como Juglaría Contemporánea,  nspirados el arte de los antiguos juglares, artistas populares que recorrían pueblos contando historias, noticias y mostrando “el mundo al revés” de las más profundas contradicciones de la naturaleza humana. Esto, haciendo uso de todas sus habilidades artísticas para encantar al espectador. La unión de historia y juglaría ha hecho que nuestras obras puedan ser vistas por públicos muy diversos, especialmente estudiantil, poniendo así los temas de nuestra cultura e identidad al alcance de todos los espectadores, con gracia, humor, dramatismo, música, etc.
El aspecto musical ha sido uno de los más determinantes del estilo de nuestra compañía. Al mismo tiempo, nuestro modelo de autogestión ha sido clave para alcanzar estos logros, y establecer vìnculos que sostienen nuestra permanente actividad.

FICHA TÉCNICA / ARTÍSTICA

Dirección: Andrés del Bosque
Dramaturga: Francisco Sánchez y Tryo Teatro Banda
Elenco: Daniela Ropert, Alfredo Becerra, Diego Chamorro, Eduardo Irrazabal,
Francisco Sáchez
Iluminación: Tomás Urra
Sonido: Julio Gennari
Producción: Carolina González
Asistente producción: Ignacia Goycoolea
Público: Jóvenes y adultos (a partir de 13 años)
Duración: 75 min


LA EXPULSIÓN DE LOS JESUITAS

Un espectáculo que se adentra en el territorio sagrado y misterioso de los bufones, para contar desde la llegada de la Compañía de Jesús a Chile en 1593 hasta su expulsión en 1767. En el transcurso, los bufones nos cuentan cómo estaba el reino en aquel entonces, dividido y destruido por la Guerra de Arauco.
Los jesuitas de inmediato se esfuerzan en detener esta guerra, y para ello no dudan en defender a los mapuches de la esclavitud de los españoles, que era el principal negocio del reino. Incluso llegan hasta donde el rey de España para pedir ayuda, y consiguen delimitar una frontera entre mapuches y españoles en el río Bío Bío. Una vez lograda la paz, los jesuitas comienzan a desarrollar la educación y la industria para beneficio de todos, especialmente los criollos chilenos, que son discriminados por los españoles. Pero es tarde, vientos de cambio soplan en Europa y los jesuitas son expulsados repentinamente por el rey de España de todos sus reinos, sin dar ninguna explicación y dejando al pueblo de Chile con la semilla de la independencia sembrada en el corazón.
Cinco bufones se inspiran en el estilo teatral de los jesuitas alemanes del barroco, y se lanzan a hacernos viajar en el tiempo con sus creaciones musicales, desde los
cantos polifónicos barrocos, hasta un concierto de rock.

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Entradas (6€ ): a partir de media hora antes de la función en taquilla


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COMPAÑÍA DE KATHAKALI MARGI: A FORUM FOR CLASSICAL ARTS
Margi es una de las instituciones más importantes de artes escénicas de la India que cuenta con el apoyo y subvención Gobierno de la India. Se constituyó en 1969 como escuela de Kathakali y Kutiyattam, teatro sánscrito, y como compañía profesional y estable de ambos estilos de teatro de Kerala.
Margi, como compañía, es la que más actuaciones de Kathakali tradicional presenta en los templos de Kerala. Es también una de las más prestigiosas de toda la India cuyos espectáculos se presentan por todo el país y el extranjero.
Ha realizado giras artísticas en Suecia, 1987, Japón, 1988 , Alemania y Francia, 1991, Sri Lanka, 1999, España, 2000 y 2002 y 2014, entre otros países.
En el año 2002 Margi fue seleccionada por el ICCR para realizar la gira de Kathakali más extensa que jamás se haya realizado por toda Europa: España, Italia, Polonia, Finlandia, Grecia, etc.

Margi es a la vez un centro de investigación en el que colaboran actores, famosos escritores, críticos literarios y eruditos profesores de diversas áreas. Sus principales objetivos son:
- mantener viva la tradición del Kathakali y Kutiyattam mediante la representación regular y la continua investigación.
- experimentar dentro de la tradición de ambas formas artísticas.
- recuperar y adaptar obras de Kathakali en desuso.
- crear personajes nuevos basados en los arquetipos tradicionales.
- restaurar la esencia de las artes clásicas.
Gracias a su labor de investigación y preservación de estas artes clásicas le fue concedido a Kutiyattam el título de “Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad” por la UNESCO en el año 2001.
Margi, como centro de formación, lleva funcionando más de tres décadas y es una de las más importantes en la India para el estudio de Kathakali. A la Escuela Margi asisten alumnos que realizan cursos por un periodo de tiempo indefinido, o alumnos que desean realizar cursos específicos en el ámbito de la Danza y el Teatro Tradicional.
Margi hace la función de centro de especialización para alumnos de Kathakali que han terminado sus cursos en otras escuelas y ofrece la participación de estos alumnos en las representaciones de la Compañía.
Cada año Margi acoge a un importante número de alumnos extranjeros que desean realizar investigación y aprendizaje de Kathakali, Kutiyattam y Nangiar Kottu.


Kathakali, que significa contar la historia en sánscrito, es una forma de danza-teatro de la provincia de Kerala al sur de la India. Lo más espectacular de esta danza-teatro es el maquillaje facial, el vestuario y los ornamentos, diseñados para diferentes tipos de personajes. Los colores, que se preparan mezclando pigmentos naturales con aceite y agua, tienen un papel importante en la representación de las características de los actores.
El uso de mudras (gestos de mano) enfatiza cada palabra en la forma lírica. El maquillaje facial es un componente muy importante para expresar el estado anímico de los personajes. Los actores se mueven en concordancia con la música, que es una mezcla de malayalam y sánscrito. Se utilizan varios instrumentos para la música como Chengila y Elathaalam para címbalo y Chenda, Madhalam y Edaykka para percusión.

La literatura de Kathakali comprende los slokas o versos, que son normalmente en sánscrito, y los padam o poemas, que se cantan en una mezcla de sánscrito y malayalam, la lengua de Kerala. Estos textos y sus interpretaciones dramatizadas que se ofrecen en muchos templos de Kerala mantienen vivos hasta nuestros días las historias más conocidas del Mahabharata. El Kathakali transmite estas leyendas con tanta intensidad, colorido y dramatismo, que el tema y el significado moral o la moraleja de cada leyenda (por ejemplo la vanidad de la ambición o la futilidad del odio) a menudo resultan impenetrables para el espectador no iniciado. Pues el espectador occidental está más acostumbrado a la identificación psicológica y a la catarsis que a la distancia estética que impregna las técnicas dramáticas del Kathakali, y que subyace a las artes clásicas de la comunicación y percepción estética (rasa) en la India


LA HISTORIA DEL ACTO
Antecedentes:
Los cinco Pandavas y los 101 Kauravas se apuestan el reino en un juego de dados. Los Kauravas vencen a costa de hacer trampas. Los cinco Pandavas y su esposa común son desterrados al bosque por un periodo de doce años. Si en estos doce años los Pandavas consiguen permanecer incógnitos, la mitad del reino les será devuelto. Antes de su partida, Draupadi, la esposa común de los cinco héroes, es humillada por Duryodhana y Dussasana, los más crueles Kauravas. Draupadi se salva por la intercesión divina de Krisna. Una vez cumplidos los doce años de destierro, los Pandavas reclaman la mitad del reino como les había sido prometido, y le piden al dios Krisna que interceda para evitar una guerra.


Créditos
Sukumara Pillai Sasikumar
Nelliyode Vishnu Vasudevan Namboodiri
Velayudhan Nair Vijayakumaran Nair
Krishna Pillai Raveendran Nair
Chenganakattil Pratheebukumar
Sadanandan Raveendran
Chavarcode Sahadevan Sureshkumar
Tharakathu Krishnadasan
Krishnapillai Sreedharan Sanakarankutty Karanvar
Krishna Kumar
Kuttan Pillai Balakrishna Pillai
Kizhakkekkara Bala Subramaniam
Anil Prabaha Mohan Sudeep
Udayasimhan Parthasaradhy
Madhavan Achari Sreekumar
Raghavan Gopan

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Entradas (8€ ): a partir de media hora antes de la función en taquilla

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TEATRO GALIANO108

  • Reparto:
    Vivian Acosta



  • Equipo de creación:
    Diseños –
    José González
  • Selección musical- Vivian Acosta
    Textos-
    Muhammad Rumi-Tomas González Pérez
  • Diseño gráfico- Zhandra Guilarte
    Dirección artística y general –
    José González



Duración: 60 minutos




LA JAULA ABIERTA

La Jaula Abierta. Espectáculo performático. Arte vivo cargado de energías que despliega la Actriz-médium – ejecutante - mediante la Danza Oráculo.
La actriz no se exhibe, se anula, se despoja de sus máscaras cotidianas, fluye, se entrega en un acto divino para convertirse en un canal abierto de las energías del público y así crear un Ritual de Liberación.

La Jaula abierta es un espectáculo Ritual, una exploración, fruto de la necesidad interior de hurgar en la naturaleza humana, siguiendo los preceptos del maestro Tomas González. La Actuación Trascendente. Técnica o caminos que viene poniendo en práctica desde sus inicios Galiano 108 para rescatar los valores más puros, la riqueza y la teatralidad que están presente en su cultura afrocubana y tomando de las fuentes de otras culturas. La Interculturalidad.

Esta vez danzamos y canalizamos energías a través de la Danza Oráculo, donde no solo se pone en juego el dominio de las emociones Cuerpo- Mente, sino también el dominio de la Técnica.
 
El trance abre  la  puerta no para actuar un rol establecido, sino para la creación y dar paso a las encarnaciones recreadas. El actor no está solo en el escenario, sus entidades o juego de roles comparten la experiencia con el público presente, sin premeditación, a través de un viaje interior que nos enseña el secreto de perder importancia. El rito tiene color, movimiento, misterio; es un proceso ligado a su esencia que lleva al éxtasis, al silencio interior, reflexión y participación orgánica de vivir una experiencia, de darle al cuerpo la libertad de expresión y movimiento creativo traspasando los límites del espacio para lograr lo Trascendente. Lo Divino.



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TEATRO DEL NORTE
LA GAVIOTA


FICHA TÉCNICA/ARTÍSTICA
Autor: Antón Chejov
Dramaturgia y Dirección: Etelvino Vázquez
Interpretes: Cristina Lorenzo, Cristina Alonso,  David González. y Etelvino Vázquez
Espacio escénico y atrezzo: Carlos Lorenzo
Vestuario: Manuela Caso
Música original: Alberto Rionda
Iluminación: Rubén Álvarez
Fotos: Rafa Pérez
Diseño de cartel y programa: Jorge García Rodríguez Galván
Maquillaje y peluquería: Gloria Romero
Grabación en video: La Huella
Producción: Teatro del Norte


Escenas para Antón Chejov y William Shakespeare

KOSTANTIN.- Me quiere, no me quiere, me quiere, no me quiere, me quiere no me quiere. Ya ves  que mi madre no me quiere. ¿Y como podría ser de otro modo? Ella quiere vivir, tener amoríos, ponerse blusas  de colores vistosos; y tú mírame a mí: tengo  ya veinticinco años  y le recuerdo a cada  momento  que ya no es joven.

HAMLET:- Madre, has  ofendido mucho a mi padre

La gaviota  se estrena en 1896  y fue un fracaso total. En 1898 se vuelve a estrenar en el Teatro  de Arte de Moscú bajo la dirección de Stanislavski y fue un éxito rotundo.
La gaviota  es una reflexión sobre el arte en general y el escénico en particular: Arkadina y Nina son actrices:   Trigorin y Treplyov son escritores, en diferentes grados de éxito  o fracaso profesionales. La historia de los triunfadores, personas con talento (Arkadina y Trigórin), detrás  de los que corren  los  personajes sin talento (Nina y Konstantin).
Pero, sobre todo, La gaviota  es una reflexión sobre la relación entre  padres e hijos. Malos padres y malos hijos. Unos  padres que no dejan crecer a sus hijos, que no permitan que estos creen y se desarrollen artísticamente. ¿Solo por miedo a que les quiten el puesto? Nina y Konstantin tienen que pagar un alto precio por si idealismo en medio de un mundo profundamente materialista.
La gaviota, junto con Hamlet, son las dos obras que mejor nos hablan de la juventud. Una juventud que, también como la de ahora, no tiene futuro; una juventud a la que los mayores no  quieren dejar sitio; una juventud sin pasado ni  horizonte profesional.

NINA.- Creo, Kóstya, que en nuestro trabajo, sea el de actriz o el de escritor, lo que importa es saber aguantar. Saber llevar la cruz que se nos ha venido encima y tener fe. Y yo la tengo ahora y no sufro tanto como antes. Y cuando pienso en mi vocación no le temo a la vida.

HAMLET.- Los tiempos están desquiciados: ay,  condenada desgracia, ¡haber nacido  para enderezarlos!
 




TEATRO DEL NORTE
HISTORIAL

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El Teatro del Norte fue creado por Etelvino Vázquez en febrero de 1985 como en grupo de encuentro, como un espacio de investigación y de búsqueda en torno al hecho teatral. Un lugar de experimentación, de confrontación con otras formas artísticas, de reflexión y aprendizaje de la practica escénica. Etelvino Vázquez ha formado parte de los grupos CATERVA  y  MARGEN  desde 1968 a 1984. Desde 1985 con el Teatro del Norte ha creado los siguientes espectáculos:

1985.- Malas noticias acerca de mi mismo , de Etelvino Vázquez y con dirección de Jesús Pérez y Etelvino Vázquez.
            Valle-Inclán, espectáculo pedagógico  sobre don Ramón del Valle-Inclán. Este espectáculo forma parte del Museo del Teatro.
             Los  Principios del Actor, demostración de carácter pedagógico sobre el uso del cuerpo en situación de representación. Este espectáculo forma  parte del Museo del Teatro

1986.- Carlota Corday, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez.

1987.- Viaje al profundo Norte , espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez.

1988.- El mío Coito o la épica del BUP de Maxi Rodriguez. Dirigio por Etelvino Vázquez.

1989.- Devocionario, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez.
            El Retablillo de Don Cristóbal  de Federico García Lorca, dirigido por Etelvino Vázquez.
            La Comedia del Arte, este espectáculo de carácter pedagógico. Forma parte del  Museo del Teatro.

1990.- Yerma de Federico García Lorca.

1991.- Las Tragedia  de Edipo, a partir de Sofocles. Dirigido por Etelvino Vázquez.
            Troyanas, a partir de Euripides. Dirigido por Etelvino Vázquez.

1992.- Mi Padre, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez.

1993.- Rincón Oscuro, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez,
           ¡Tierra a la vista!, espectáculo creado  y dirigido por Etelvino Vázquez a partir de “Memorias del fuego” de Eduardo Galeano.

1994.- Medea, de Euripides y Seneca en adaptación de José Luis García Martín. Dirigido por Etelvino Vázquez.

1995.- Lorca, espectáculo compuesto por obras cortas de García  Lorca. Dirigido por Etelvino Vázquez.
            Las Voces de la Voz, espectáculo demostración sobre el uso de la voz en situación de representación. Forma parte del Museo del Teatro.
            Laberinto, espectáculo creado a partir de Chejov e Ibsen. Dirigido por Etelvino Vázquez.

1996.- Sueños negros, sobre poemas de Angel  González.

1997.- Aventuras y desventuras de Lázaro de Tormes, dirigido por Etelvino Vázquez.
             Pasajero de las sombras, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez.

1998.- Despojados, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez.

1999.- Antigona, de Sofocles. Dirigido por Etelvino Vázquez. Premio Asturias de Teatro a la mejor dirección.
 
2000.- Solos, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez. Premio Asturias de Teatro a Ana Moran como mejor interprete femenina.

2001.- Hielo que Quema, espectáculo demostración sobre el uso de la emoción en situación de representación. Forma parte del Museo del Teatro
            Los Caminos Secretos del Actor, espectáculo demostración sobre el uso de la acción en situación de representación. Forma parte del Museo del Teatro.
             Federico García Lorca, espectáculo didáctico sobre el teatro de Lorca y sus diferentes estilos. Forma parte del Museo del Teatro.

2002.- Doña Rosita la soltera, de Federico García Lorca. Dirigido por Etelvino Vázquez.

2003.- Hotel Europa, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez

2004.- El viejo celoso, de Miguel de Cervantes. Dirigido por Etelvino Vázquez. Premio Asturias de Teatro al mejor espectáculo, mejor dirección, mejores interpretes femenino y masculino a  Ana Moran y Moisés González, y mejor vestuario a Manuela Caso. Finalista a los premios Max 2005 en la modalidad de espectáculo revelación.
    La gramática del actor , demostración de carácter pedagógico sobre el arte de la actuación

2005.- La sombra de Ifigenia , espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vázquez
           Iberia, espectáculo creado y dirigido por Etelvino Vazquez
 El actor iconográfico, espectáculo demostración sobre el trabajo del actor con la iconografía de Goya. Forma parte del Museo del Teatro.
            La más fuerte, de Strindberg. Dirigido por Etelvino Vazquez

2006.- Georgina, espectáculo para niños creado a partir de textos de Alberti y Gloria Fuertes. Dirigido por Etelvino Vázquez
             La sangre de Macbeth, espectáculo creado a partir del “Macbeth” de Shakespeare. Dirigido por Etelvino Vázquez
            ¿Para cuando son las reclamaciones diplomáticas? de Valle-Inclán. Dirigido por Etelvino Vázquez

2007.-  Retablo, espectáculo que muestra la relación entre Valle-Inclán y Federico García Lorca. Dirigido por Etelvino Vázquez.
             Historias de Martín de Villalba de Lope de Rueda. Dirigido por Etelvino Vázquez

2008.- Emma de Maxi Rodríguez. Dirigido por Etelvino Vázquez. Coproducción entre el Teatro del Norte y Cecilia Hopkins de Argentina.

2009.- Vania, la realidad y el deseo  de Antón Chejov. Dirigida por Etelvino Vázquez
2010.- La Zapatera prodigiosa de García Lorca. Dirigida por Etelvino Vázquez
2011-  Muerte De un poeta: Federico García Lorca. Dramaturgia y dirección de Etelvino Vázquez
2012.-   Homenaje a Valle-Inclán: Martes de Carnaval. Dramaturgia y dirección de Etelvino Vázquez
               Yo, Edipo, dramaturgia y dirección Etelvino Vázquez
2013.- Mariana Pineda   de Federico García Lorca. Dirigida por Etelvino Vázquez

2014.- Casa de muñecas  de Henrik Ibsen. Dirigida por Etelvino Vázquez

2015.- Yerma de Federico García Lorca. Dirigida por Etelvino Vázquez
            El Lazarillo de Tormes. Dirigida por Etelvino Vázquez
2016.- Elektra. Dirigida por Etelvino Vázquez. Premio Oh¡ al mejor espectáculo 2016
            La mujer perdida, Dirigida por Etelvino Vázquez
       La memoria de Federico, en coproducción con la compañía argentina Fervor de Buenos Aires. Dirección Etelvino Vázquez
2017.-   El amor de don Perlimplin con Belisa en su jardín de Federico García Lorca. Dirección Etelvino Vázquez
2018 .-  La Gaviota de Antón Chejov. Dirigida por Etelvino Vazquez



TEATRO DEL NORTE
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TEATRO DEL NORTE  ha participado desde su creación en los siguientes Festivales:

-    Festival Internacional de Expresión Ibérica  (FITEI) Oporto (Portugal)
-    “Persona” , Encuentro Internacional de Teatro de Ciudad Real.
-    Festival Internacional de Teatro de Hernani (Guipúzcoa)
-    Fira del Teatre al Carrer de Tárrega (Lérida)
-    Muestra de Teatro de Renteria (Guipúzcoa)
-    Festival Internacional de Teatro de Almada (Portugal)
-    Feria del Teatro de San Sebastián.
-    Jornadas de Teatro Asturiano en Lisboa.
-    Festival Internacional “Nantes carrefour de l´Europe” (Francia).
-    Festival Internacional Gran Teatro de Europa de Caseta (Italia)
-    Festival Internacional  “Wedken-Teatro” de Nápoles (Italia).
-    Festival Internacional “Mujeres a Escena” de Gijón.
-    Festival de Holanda, Amsterdam.
-    Muestra Nuevo Teatro Joven Español, Oviedo.
-    Festival de Teatro de Villacañas (Toledo)
-    Festival Internacional “Festa do Teatro do Tejo” de Chamusca (Portugal).
-    Mostra Internacional de Teatro de Cangas (Pontevedra)
-    Muestra de Nuevos Autores Españoles, Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas, Sala  Olimpia (Madrid).
-    Festival Internacional de Caracas (Venezuela)
-    Festival de Teatro de Toledo.
-    Jordanas Municipales de Teatro de Avilés.
-    Muestra Nacional de Teatro “Espiga de Oro”, Azuqueca de Henares (Guadalajara)
-    Festival de Teatro de Langreo (Asturias).
-    Muestra de Teatro Contemporáneo de Santander.
-    Festival Internacional de Teatro de Portalegre (Portugal).
-    Festival Internacional de Teatro Romano de Metida.
-    Muestra de Teatro de las Autonomías, Sala Beckett, Barcelona.
-    Festival “Don Quijote”, París.
-    I Festival de Teatro Nuevo , La Laguna (Tenerife).
-    Expo 92, Sevilla.
-    Ciclo de Teatro de las Comunidades Autónomas, Teatro Alhambra, Granada.
-    III Jornadas de Teatro de Laredo (Cantabria).
-    V Muestra Alternativa Internacional de Teatro de Madrid.
-    Festival Internacional de Teatro Contemporáneo de Badajoz.
-    Festival Internacional “Eugene Ionescu” de Chisinau (Moldavia)
-    Encontro Internacional de Investigaçao Teatral, Salvador de Bahía (Brasil).
-    Festival Internacional de Teatro de Sibiu (Rumania)
-    III Encuentro Nacional de Teatro de Cámara, Sala Atico  (Getafe).
-    FIAT, Festival Internacional Alternative Theatre, Podgorica  (Montenegro).
-    FETEN, Feria Internacional de Teatro para Niños, Gijón.
-    Festival de Teatro Clásico de Zamora
-    IX Festival de Teatro Clásico de Cáceres.
-    Feria del Sur, Palma del Río (Córdoba).
-    Theatropolis, Festival Internacional de Teatro de Moncalieri (Italia)
-    Festival Internacional de Teatro de Dallas (USA)
-    Festival  Internacional Teatro “a la bellísima maniera”, Trento (Italia)
-    Incontri Teatri Straordinari, Quingentole (Italia)
-    Semana de Teatro de Teruel
-    II Festival de Teatro y Música  ritual y sacro de Riogordo (Málaga)
-    V Muestra de Teatro de las Nacionalidades de Madrid
-    Feria de Teatro de Galicia (Santiago de Compostela)
-    Feria de Teatro de Aragón (Huesca)
-    II Mostra de Teatro Clásico de Lugo
-    Festival de Teatro Clásico de Hinojosa del Duque (Córdoba)
-    XV Festival Internacional de Teatro Experimental de El Cairo (Egipto)
-    VI Encuentros TEVEO, Zamora.
-    XVI Festival Internacional  de Teatro Experimental del Cairo (Egipto)
-    XXVIII Muestra de Teatro Independiente  del I:E.S. Andrés Laguna  de Segovia
-    XX Muestra de Teatro de Torreperogil (Jaen)
-    Curso de Verano de la Universidad de Córdoba
-    I Festival Internacional de Teatro  El  Galpón de Montevideo (Uruguay)
-    FETEN 2006 en Gijón, Asturias
-    VII Festival BITEI- Biennale du Théâtre “Eugene Ionesco”, Chisinau (Moldavia)
-    Primeros Encuentros Teatrales en La Raya . Alburquerque – Extremadura
-    IX Jornadas de Homenaje a Valle-Inclán , a Pobra do Caramiñal (Galicia)
-    FAT 5, Festival Argonautico de Teatro. Mendoza (Argentina)
-    XIX  Muestra Internacional de Teatro de  Caja Cantabria en Santander.
-    XIX Muestra de Teatro Latinoamericano  de la Universidad de León.
-    IX Festival Internacional de Teatro Carmen 2009, FITCA,  ciudad de El Carmen, Campeche, Mexico.
-    IV Encuentro Internacional  de Teatro Alternativo y de Investigación, EITAI, Santiago de Querétaro (México)
-    XVI  Festival Internacional de Teatro de El Salvador. Festival Centroamericano de Teatro “creatividad sin fronteras”.
-    IV Festival  Internacional de Teatro  Independiente Pirologías,  Argentina.
-    XI Experimenta, Festival Internacional de Teatro, Rosario (Argentina)
-    Escena Circulo. Circulo de Bellas Artes  de Madrid
-    XII Festival Internacional de Teatro de Grupo: 40 años de Cuatrotablas – Lima (Perú)
-    XVI Muestra de Teatro de las Autonomías. Circulo de Bellas Artes – Madrid-
-    Experimenta 13, Festival Internacional de Teatro de Grupo, Rosario (Argentina)
-    Lorca Fo rever, Pola de Siero (Asturias)
-    Solo Tú, II Festival Internacional de Teatro Unipersonal. Oruña de Piélagos (Cantabria)
-    Teatro en Ruta. Encuentro de poéticas  y lenguajes teatrales de Iberoamérica. San Salvador  (El Salvador)
Festival Internacional de Teat




CRÍTICA EXTREMADURA DE "LA GAVIOTA"

"La gaviota" de Teatro del Norte. El conflicto generacional, estético y político
publicado por José Juan M Bueso el noviembre 11, 2018


La representación teatral supone reinterpretación sobre la intencionalidad de un autor cuando no coinciden en la misma persona dramaturgo y director (rasgo tan propio del teatro alternativo), de ahí que el director (y actor) de teatro Agustín Iglesias me comentara hace años en una conversación (junto a él se encontraba su mujer, la actriz Magda García-Arenal) que la dramaturgia es carpintería.

Cuando el director de teatro dirige una obra ajena está adaptando y reinterpretando la esencia de una obra, ajustando los parámetros artísticos de esa obra original para convertirla en otra obra basada en el mismo texto referencial, reorientando o haciendo hincapié desde diversos ángulos comunicativos que al dramaturgo adaptador le hayan interesado en su propuesta artística. Este es el caso de Etelvino Vázquez, un exquisito director cuyas adaptaciones siempre exprimen al máximo el potencial expresivo de todos los textos adaptados, infundiéndoles además el propio estilo de Vázquez, dotándolas de una dimensión onírica o simbólica, siempre en diversos grados dependiendo de la naturaleza de las obras trabajadas, una constante en su ya dilatada y exitosa obra, como puso de manifiesto en la representación de La Gaviota en la Sala Guirigai de Los Santos de Maimona el pasado 9 de noviembre, una cita en Sala Guirigai a la que puntualmenteTeatro del Norte acude para atender a ese público que le espera con cariño. Y en esta ocasión de nuevo y como siempre, revalidaron su éxito.

Trigorin y Arkadina son un matrimonio compuesto por una experimentada actriz y un popular novelista, padres de Kostia, un joven escritor que sueña con la fama, enamorado de Nina, que sueña junto a su enamorado llegar a ser una gran actriz pero ambos acaban sucumbiendo ante un horizonte que les niega su realización vital, ahogados por la intransigencia de un ambiente dominado por los intereses de los veteranos simbolizados en los padres de Kostia.  De esta manera se plantean dos planos simétricos en las parejas protagonistas. Los sueños que persigue la pareja de jóvenes, estupendamente resueltos en la actuación de David González (Kostia), de gran potencia escénica, su personaje se va degradando progresivamente en una espiral de auto-destrucción al ver fracasados sus planteamientos al igual que su amiga Nina (interpretada porCristina Lorenzo con su gran fuerza actoral) ve también cómo todos sus sueños se desmoronan al contacto con la dura realidad, siendo utilizada por Trigorin, interpretado por Etelvino Vázquez en un papel muy complejo donde supo reflejar la complejidad de matices de su personaje, eje central sobre el cual se vertebra la obra, que se completa con Arkadina (realizada por Cristina Alonso con gran solvencia dramática).    

Etelvino Vázquez estructuró la obra de Chejov en ocho pasajes, subrayando diversas ideas en su título, motivos temáticos de dichas secciones a través de las cuales va a ir cayendo en progresión descendente los sueños de los jóvenes protagonistas enredados en un combate en el que los jóvenes aspiran a la fama de los mayores y estos les niegan su talento, aposentados en su status privilegiado. Celos y envidias motivadas por estéticas enfrentadas y también celos amorosos entre las dos parejas protagonistas, combate doble en el que vence la pareja veterana a costa de su malicia e intransigencia en un horizonte que no quieren compartir, generando honda y amarga frustración, como refleja la música (rock duro) de Alberto Rionda, miembro de los conocidosAvalanch (asturianos ellos también). De esta manera queda negada y borrada la nueva estética frente al academicismo instaurado y en un segundo plano, desde una dimensión política, elstablishment del sistema se perpetúa en el poder, marginando a todos aquellos que quedan en sus márgenes.

Una obra realista y desnuda en la que sin embargo Etelvino Vázquez introduce toques simbolistas propios de su dramaturgia en la escena primera y en la secuencia-epítome de la obra donde asistimos a la muerte de los sueños encarnados en esa gaviota (a la que se hace referencia en el título de la obra) que es muerta y luego disecada para aparentar una vida que a nadie va a engañar y cuya muerte asociada a la tragedia de la pareja de jóvenes artistas no repercute en nada, no significa nada para la pareja veterana y famosa, sólo preocupados de alimentar vanamente su egolatría.

No hay solución ni hay futuro alguno para las aspiraciones de los jóvenes cuyo espíritu está en lucha permanente con el aparato que les niega la estética y el poder. Un nihilismo el que ha puesto en escena Teatro del Norte del que desgraciadamente no podemos decir que sea absolutamente ficticio sino muy próximo a la realidad que inspiró a Chejov, tan actual siempre.



Imágenes:

Categorías: Artes escénicas

Entrada libre, hasta completar aforo. Recoger invitación a partir de quince minutos antes de la actuación en taquilla.



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DANCE TOUR 2018
Dance Studies Department University of Malta


Cada año, el departamento de Estudios de la Danza de la Universidad de Malta organiza un tour internacional, con coreografías de artistas locales e internacionales. Este programa sirve tanto como una experiencia profesional para nuestras estudiantes, como para una muestra del trabajo que han hecho durante los tres años en el departamento.
Las estudiantes trabajan en la preparación de este programa durante tres meses y luego presentan las piezas tanto en Malta como en otros países. Este año visitaremos España, con performances ya concertadas en Albacete, Madrid, León y Granada, con posibles fechas en Asturias y País Vasco.
El elenco se compone de seis bailarinas de diferentes países europeos (Malta, España, Hungría, y Finlandia), de tercer curso de grado (último año,  nivel avanzado, pero pre- profesional).


 
Este año el programa se compone de cuatro piezas, de los siguientes coreógrafos/as:

Jorge Crecis
El trabajo de Jorge se reconoce por su fusión de la energía de los deportes con el poder visual de una instalación artística. Le apasiona mostrar la capacidad de los/as bailarines/as como individuos virtuosos que forman un equipo compacto y fuerte. Jorge tiene un grado en ciencias del deporte y estudió danza contemporánea en el conservatorio real de Madrid. Después de trabajar como bailarín profesional en diferentes compañías de Europa, Jorge fue profesor a tiempo completo en London Contemporary Dance School (The Place) durante cuatro años. Ahora mismo, Jorge es un coreógrafo premiado cuyo trabajo se presenta en teatros en todo el mundo: desde el prestigioso New York City Centre (USA), hasta el vanguardista 798 District en Beijing (China) o Sadlers Wells y el Royal Opera House en Londres Reino Unido). Siguiendo sus ideas y con su unión característica de patrones de movimiento de deporte y de danza, Jorge fundó SQx (somoSQuien eXperience) dirigiendo talleres internacionalmente e instruyendo a compañías profesionales como Akram Khan Company, DV8, Punchdrunk, Rambert, etc. En los últimos años Jorge ha tenido comisiones de compañías como Scottish Dance Theatre (Reino Unido), Beijing 9 Contemporary Dance Theatre (China), Acosta Danza (Cuba), entre otras. Su trabajo se describe como “irrepressible good fun” (The Guardian), “perfect” (The Independent) o “a Sudoku brought to life” (Londondance.com). Su última pieza para la compañía dirigida por Carlos Acosta ha sido premiada como la mejor pieza de danza presentada en Cuba en 2017. En 2014, Jorge co-fundó min tala, una compañía pan-arábica que usa la danza contemporánea como una herramienta de desarrollo profesional, personal y por la paz en áreas de conflicto en el Oriente Medio. También fue director artístico de Aerowaves Festival en Burgos en 2011. Durante los últimos 20 años, Jorge ha estado trabajando para encontrar formas de replicar estados de consciencia alterados a través de rutinas corporales accesibles pero eficientes, con el resultado de una metodología innovadora que se ha publicado en forma de una tesis doctoral. En 2018, Jorge ha obtenido su doctorad (PhD) otorgado por Goldsmiths, University of London. Por su excelente trabajo en la investigación de danza, Jorge es también Visiting Fellow en la University of Derby. Jorge aplica su investigación a personalidades de la música o el cine.


Muestra de trabajo: https://www.youtube.com/watch?v=-W7vZQePHOE


Riccardo Buscarini
Coreógrafo premiado, centrado en cambios frecuentes de acercamiento creativo a la coreografía, también en interacción con otras disciplinas artísticas. Riccardo empexó su formación en la Accademia Domenichino de Piacenza, Italia, y en London Contemporary Dance School, de donde se graduó en 2009. Ganó el prestigioso premio The Place Prize  con su pieza Athletes, participó en los proyectos internacionales de investigación
danceWEB (Impulstanz, Viena), Creatives in Residence at The Hospital Club
(Londres), ArtsCross London 2013 (Reino Unido, Taiwan y China), Performing Gender (Italia, Croacia, España, Holanda), MAM-Maroc Artist Meeting en Marruecos. Su trabajo en el campo de las artes visuals incluye una exposición comisionada por Summerhall (Edinburgo), una instalación en el London Festival of Architecture 2016 y una colaboración con la galería
 
londinense Nahmad Projects presentada durante la exposición i’m NOT tino sehgal curada por Francesco Bonami y miart - fiera di arte moderna e contemporanea di Milano 2017.
En 2017 creó una pieza para Chelyabinsk Dance Theatre (Rusia), nominada para Mejor Coreografía, con Riccardo nominado como Mejor Coreógrafo en los Golden Mask Award de 2018, en Moscow. También ha hecho dirección de ópera en los últimos años. De 2011 a 2015 Riccardo enseñó coreografía y performance en Birkbeck University, Londres. También da clases a compañías y escueles en Italia, España, Suecia y Rusia.

Muestra de trabajo: https://www.youtube.com/watch?v=oZyQziKUM3g



Lucía Piquero
Lucía nació en Asturias, donde estudió danza clásica con Elisa Novo. Allí obtuvo un diploma de ballet (7 años), y la Licenciatura en Psicología. En 2006 se trasladó a Londres, donde estudió danza contemporánea en London Contemporary Dance School, y un Master en Coreografía en Middlesex University. En Reino Unido trabajó como bailarina independiente desde 2007.

En 2008 fundó Diciembre Dance Group, compañía que co-dirigió hasta su disolución en 2017. Participa en festivales en Reino Unido, Italia, España y Malta, con residencias artísticas en el Centro Coreográfico Gallego, la Compañía Nacional de Danza (España), y Le Performance (Burdeos). Coreografía para Junior Dance Company (Italia y Malta), y una de sus piezas está en repertorio en ZfinMalta Dance Ensemble, Compañía Nacional de Danza de Malta, desde 2016.

Es profesora residente  de Estudios de  Danza en la Universidad de Malta,  y estudia su Doctorado en la Universidad de Roehampton, Londres. Su investigación estudia la expresividad emocional en la danza, presentando artículos en diversas conferencias internacionales (Hong Kong, Reino Unido, EEUU, España, Malta). Lucía co-dirige desde 2015 el Proyecto de investigación Estancias Coreográficas en Asturias.

Muestra de trabajo: https://www.youtube.com/watch?v=lmq_jNBDK8s



Ilaria Lagna
Ilaria Lagna es graduada reciente del grado de estudios de la danza, ganó una nota de 95% con su coreografía final y se le ha otorgado la oportunidad de coreografiar para el tour como premio.

Imágenes:

Categorías: Artes escénicas