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11/01/2018

ANNA TAMAYO

Caería una tormenta que arrastraría  rencores, limpiaría  calles, barrería medias sonrisas y hablaría de tú a las fachadas de una ciudad que sufría los efectos de demasiados días sin lluvia.
Con la garganta seca, necesitada de aquello que lubrica deseos contradictorios…
El agua amorosa que ya llovía por todas partes, limpiando, arrastrando papeles en su pasar.  Practicaba un sexo sucio con las tapas de las cloacas, haciendo sonrojarse a una niña a la cual la cascada de gotas  de fiesta, como  confetti loco y líquido, había sorprendido en medio de la calle.
 
                                                                                   Fragmento del texto “Caería una tormenta”
                                                                     
  Anna Tamayo

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11/01/2018

TÁPIES


La exposición, bajo el título Tàpies (colección del grabador Barbarà), está formada por 31 obras, en su mayoría grabados Bon à Tirer del pintor catalán Antoni Tàpies pertenecientes a la colección del grabador Joan Barbarà, quien trabajó con Tàpies y también fue el grabador de Miró y Picasso, entre otros nombres destacados. Los Bon à Tirer son las piezas que el artista considera perfectas y se usan como modelo para las tiradas de grabados, que deben acercarse al máximo a su calidad. Son el número 0, que con frecuencia se queda el grabador y tienen anotaciones a lápiz del propio artista.
 
Las obras que componen la exposición abarcan un amplio repertorio estilístico del autor, pudiéndose apreciar las diversas fases creativas de Antoni Tàpies, aunque predominan obras de la década de los años 80, en la que Tàpies recibió homenajes como el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), o la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983).
 
En la exposición encontramos un grabado  de gran tamaño, que ya fue expuesto en la ciudad de León como parte de la muestra ‘Maestros Modernos’.(2009)
 
La exposición “Tàpies (colección del grabador Barbarà)” ha sido adquirida en su totalidad a los herederos del grabador Joán Barbará y constituye un homenaje y un reconocimiento a la figura de este destacado grabador quien afirmaba disfrutar con la colaboración con Tápies por su enorme exigencia y su espíritu de vanguardia.
 
Federico Fernandez.
Director cultural de FUNIBER.
 

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11/01/2018

EXPOSICIONES


 
II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO



 
INFORMACIÓN en:
https://www.unileon.es/noticias/la-ule-entrega-los-premios-del-concurso-de-fotografia-contra-la-violencia-de-genero

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08/02/2018

EXPOSICIONES

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)
Facultad de Filosofía y Letras

REFUGIADOS BIENVENIDOS (documental)
Facultad de Educación

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Hall de la Casa del Estudiante “Albéitar”




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POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS (de ORIENTE a OCCIDENTE)
Pintura, fotografía y obra gráfica.

Consulta la INFORMACIÓN DE CADA UNO DE LOS ARTISTAS  en los siguientes archivos adjuntos:

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El Grupo 0´19, formado por tres artistas leoneses, Luis Carlón López, Iñaki Zabala Herrero y Carlos G. Aláiz, que ya cuentan, de manera individual o agrupados, con un bagaje expositivo, Presentan la exposición  “¿Dónde está León en tu obra?”, en la que muestran obras de diferentes influencias artísticas, figurativas y abstractas, que abarcan el minimalismo, el expresionismo, el arte conceptual, la ilustración infantil y el surrealismo, con técnicas como el grabado, el óleo y la mezcla de acrílico con cemento. Gran número de dichas obras son inéditas. Estos artistas pretenden trasladar al espectador el interrogante que plantean en el título, pues a veces el lugar donde se ha nacido o se vive aparece en las obras de un autor sin que este sea realmente consciente de ello.

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07/03/2018

EXPOSICIONES

ESPACIOS ULE
7 – 27 Marzo

REFUGIADOS BIENVENIDOS (documental)
Centro de Idiomas ULE

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Escuela Superior y Técnica de Ingeniería Agraria

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)

Casa del Estudiante “Edificio Albéitar”

ADRIAN DE LA TORRE (fotografías)
Facultad de Filosofía y Letras


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11/04/2018

EXPOSICIONES

MARCOS ANA (documental)
Facultad de Filosofía y Letras

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)

Centro de Idiomas

ADRIÁN DE LA TORRE (fotografías)
Casa del Estudiante Albéitar

PREMIO NACIONAL DE FOTOPERIODISMO 2016
Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Biblioteca Campus de Ponferrada

PORTADAS DE VINILOS EN LA COLECCIÓN PERMANTENTE DE MANUEL TEJADA  (fotografía y diseño)
Comisarios: Agustín Berrueta y Carlos Carro

Biblioteca Universitaria San Isidoro



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Román Montesinos

“Nada es lo que parece ni era lo que está”


La exposición:

“Nada es lo que parece ni era lo que está”  muestra una colección de fotografías en la que se establece una simbiosis entre objetos en busca de una metáfora, un universo en que las contingencias conducen a greguerías y transportan hacia visiones imaginarias donde el humor, la crítica social y/o la ironía, son hilos conductores. La asociación de objetos dispares, puede surgir, de golpe, aleatoria o contingente, al descubrir un objeto en cualquier lugar, y otras veces es buscada, al sostener un objeto en las manos y dejar que la mente divague en pos de una nueva imagen compuesta de ambas. Las fotografías de Nada es lo que parece ni era lo que está tienen propuesto un título, pero la capacidad de cada observador y sus vivencias harán que surjan interpretaciones dispares: la mente humana compone caleidoscopios a partir de una sola imagen.

 El autor:

Román Montesinos, natural de A Coruña (España), geólogo, fue profesor universitario hasta su reciente jubilación. La que fue su especialidad, la Paleontología, condicionó su forma de pensar a la hora de establecer paralelismos críticos entre las formas, buscando analogías y diferencias. Un largo aprendizaje le ha llevado a recalar desde hace años en la fotografía. Más de cincuenta muestras individuales, varias colectivas y su participación en varios proyectos artístico-fotográficos, le han hecho un hueco entre los creadores de imágenes

En el proyecto que presenta la Universidad de León mantiene vigente su línea de indagación y expositiva, las “metáforas visuales”, que el autor lleva desarrollando como  proyecto creativo desde hace años, y que se ha relacionado –más o menos acertadamente- con la “poesía visual” de Joan Brossa o de Chema Madoz, referencias en este campo en España. El autor propone al espectador un juego basado en alusiones y contingencias entre objetos, un diálogo entre espectador y autor en el cual, el primero es libre de reinterpretar lo expuesto adaptándolo a su singular forma de pensar. Si bien se las ha descrito como “imágenes visionarias”, pertenecen más bien al ámbito de la metáfora. Son fotografías desnudas en las cuales los objetos toman el protagonismo sobre fondos blancos, negros o neutros, mostrando el concepto sin distracciones. La imagen choca directamente con los ojos y la mente del espectador y genera una reacción.




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Quizá el Arte, y especialmente la fotografía que parece una de sus sucursales más proclives a la denuncia, no debe ser siempre combativo y proponer modificaciones sociales, propuestas impactantes, reflexiones sobre lo efímero y la inanidad de la existencia. A veces el arte puede querer desafiar a los grandes gurús que comisarían las selectas documentas y preferir instalarse en la calle, en lo vulgar, en la sorpresa cotidiana y tomar sus fuentes de la belleza, la forma, la mímesis, la experiencia estética. A veces el arte se basa tan solo en una manera de mirar, de reconocer lo que antes has visto y ha calado en ti -aunque no recuerdes dónde-, lo que el tiempo ha consolidado como clásico. En palabras de Elliot Erwitt: La fotografía es el arte de la observación.
Se trata de encontrar algo interesante en un lugar ordinario. […] tiene poco que ver con las cosas que ves y mucho con cómo las ves.

Este es un proyecto de apropiacionismos, una captura, en la realidad cotidiana, de reminiscencias, reflejos, formas, composiciones de artistas que, al contemplar las fotografías, permiten su reconocimiento. La nómina de éstos es extensa y puede incluir también ismos, vanguardias, corrientes que se recuerdan mejor que los propios nombres de sus autores (casos del Land art, el Minimalismo, el Arte Conceptual, el Arte feminista, etc.). Pero se intenta ir un poco más allá de esos autores ya deglutidos por esta sociedad de la imagen (caso de Miró en los carteles publicitarios, Calder en las lámparas de los pisos de estudiantes, Kandinsky en telas y tejidos llamativos, Munch y su Grito,…). La obra aquí presentada no se sostiene por sí sola en cada una de las fotografías, no siempre efectistas, no siempre estéticamente bellas, no siempre técnicamente trabajadas, la mayoría de las veces encontradas en lugares inesperados, mal iluminados. En ocasiones se habla de fotografías “bonitas, pero casi mudas” mientras aquí se busca que, si bien no impactantes, sí sean locuaces. Este Proyecto tiene un relato, un por qué, y por ello debe contemplarse como un todo. Una simple fotografía separada, salvo algunas excepciones, no suscitaría un suspiro de admiración ni la contemplación extática ni siquiera el juicio de ser “una buena fotografía”.

Sólo cuando, despaciosamente, se interna el espectador en la senda que este relato le propone puede darse un insight de comprensión.

Las imágenes nunca se buscaron, se tomaron donde se encontraron y lo fueron, casi en su totalidad con la óptica limitada del teléfono móvil, lo que les hace resentirse en su calidad si bien en ocasiones una imagen imperfecta puede llegar a hacer pensar en el trazo desvaído de un pincel.

No hubo preparación, ni puesta en escena, ni trípodes, ni espera por l’instant décisif. Hubo, eso sí, hallazgo, inquietud, sorpresa, suerte. Por eso hay tantas tomas en viajes, en el extranjero, en las calles de ciudades donde llevas los ojos preparados para mirar, sin guía ni GPS, como un flâneur.

La obra, además de su perspectiva apropiacionista, presenta otra característica que la dota de interés. ¿Se hará realidad en ella la afirmación de Borges que conjeturó que un escritor puede influir en sus antecesores?. “Su labor modifica nuestra concepción del pasado, como ha de modificar el futuro”. La explicación de esta paradoja, extendida al mundo visual, se encuentra en el hecho de que los apropiacionistas nos fuerzan a mirar a sus epígonos a través de esos rasgos que han elegido para hacernos reconocible al autor de referencia. Así, la historia no opera sólo hacia el futuro sino que en cada momento una obra (de escritura pero, ¿por qué no?, también artística) puede constituir un acontecimiento que modifique el pasado y lo ilumine transformando la obra del autor inicial.


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12/04/2018

JORGE CASTILLO


JORGE CASTILLO.

A finales de los 80 yo solía frecuentar la galería de los anticuarios en el Paseo de Gracia de Barcelona donde hice las primeras compras de mi colección de grabados. Dali, Miró, Picásso… pero en los escaparates había también pinturas sobre lienzo, entre las que nunca faltaba una o más obras de Jorge Castillo.

Siempre me sorprendieron sus mesas flotantes con frutas, ramas, objetos y personajes en una atmosfera ingrávida sin asentamiento posible sobre un cielo de grises de colores azulados, rosáceos, verdes….

Castillo ha sido siempre un gran dibujante y un imaginativo pintor figurativo con una alquimia surrealista propia que combina sus figuras predilectas en formas caprichosas en equilibrio inestable. Así como partículas que se encuentran en la atmosfera de suaves colores y quedan fijadas en una composición flotante, como detenida en su devenir para ser contemplada en ese estadio concreto.

Figuras del circo, pájaros, caballos, seres imaginarios, cabezas escultóricas, mujeres, pajes juegan en el espacio y se nos ofrecen en un instante congelado por la magia del cuadro, como si el autor nos regalase un apunte atrapado en el aire escogido entre el inabarcable fluir de los frutos de su fantasía.

Jorge Castillo fue, es y seguirá siendo uno de nuestros grandes artistas figurativos, dominador del dibujo, del grabado, la pintura y la escultura en los que derrama sin medida el don de su original fantasía creadora.

Dr.Federico Fernández Diez

Director de la Obra Cultural de Funiber

 

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Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León

Exposición colectiva de fotografía de las obras premiadas y seleccionadas en la V edición de los Premios de Fotoperiodismo 2017, convocados por la Asociación Nacional de Informadores Gráficos de Prensa y Televisión (ANIGP-TV).

El primer premio y ‘Foto del año’ ha recaído en Santi Palacios, con una imagen donde se aprecia a un voluntario que sostiene a un bebé mientras otros tratan de ayudar a un grupo de refugiados que acaba de alcanzar las costas de la isla griega de Lesbos tras permanecer varias horas a la deriva.

El segundo premio ha recaído en Juan Carlos Rojas con la fotografía en la que el exvicepresidente del Gobierno Rodrigo Rato mira tras una verja, ante la presencia de un policía,  durante  un registro en su despacho.

Olmo Calvo ha obtenido el tercer premio con una imagen de una familia procedente de Siria que espera junto a un pequeño bosque una señal para salir a tomar un taxi ilegal, entrando en Hungría por el paso de Roszke tras escapar de la policía a través de una plantación de maíz.

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09/05/2018

EXPOSICIONES

9 – 31 mayo 2018

II CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ULE CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Facultad de Educación

MARINA ESCUDERO
DABBER BHATA (fotografías India)

Escuela Superior y Técnica de Ingeniería Agraria

PORTADAS DE VINILOS EN LA COLECCIÓN PERMANTENTE DE MANUEL TEJADA
(fotografía y diseño)

Comisarios: Agustín Berrueta y Carlos Carro
Centro de Idiomas


15 mayo – 21 junio 2018

ADRIAN DE LA TORRE (fotografías)
Biblioteca del Campus de Ponferrada

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FOTOGRAFÍAS

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Román Montesinos
“Nada es lo que parece ni era lo que está”


La exposición:
“Nada es lo que parece ni era lo que está”  muestra una colección de fotografías en la que se establece una simbiosis entre objetos en busca de una metáfora, un universo en que las contingencias conducen a greguerías y transportan hacia visiones imaginarias donde el humor, la crítica social y/o la ironía, son hilos conductores. La asociación de objetos dispares, puede surgir, de golpe, aleatoria o contingente, al descubrir un objeto en cualquier lugar, y otras veces es buscada, al sostener un objeto en las manos y dejar que la mente divague en pos de una nueva imagen compuesta de ambas. Las fotografías de Nada es lo que parece ni era lo que está tienen propuesto un título, pero la capacidad de cada observador y sus vivencias harán que surjan interpretaciones dispares: la mente humana compone caleidoscopios a partir de una sola imagen.

 El autor:
Román Montesinos, natural de A Coruña (España), geólogo, fue profesor universitario hasta su reciente jubilación. La que fue su especialidad, la Paleontología, condicionó su forma de pensar a la hora de establecer paralelismos críticos entre las formas, buscando analogías y diferencias. Un largo aprendizaje le ha llevado a recalar desde hace años en la fotografía. Más de cincuenta muestras individuales, varias colectivas y su participación en varios proyectos artístico-fotográficos, le han hecho un hueco entre los creadores de imágenes.
En el proyecto que presenta la Universidad de León mantiene vigente su línea de indagación y expositiva, las “metáforas visuales”, que el autor lleva desarrollando como  proyecto creativo desde hace años, y que se ha relacionado –más o menos acertadamente- con la “poesía visual” de Joan Brossa o de Chema Madoz, referencias en este campo en España. El autor propone al espectador un juego basado en alusiones y contingencias entre objetos, un diálogo entre espectador y autor en el cual, el primero es libre de reinterpretar lo expuesto adaptándolo a su singular forma de pensar. Si bien se las ha descrito como “imágenes visionarias”, pertenecen más bien al ámbito de la metáfora. Son fotografías desnudas en las cuales los objetos toman el protagonismo sobre fondos blancos, negros o neutros, mostrando el concepto sin distracciones. La imagen choca directamente con los ojos y la mente del espectador y genera una reacción.

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   Este es un proyecto de apropiacionismos, capturas en la realidad cotidiana de reminiscencias, reflejos de la obra de artistas y corrientes con una identidad reconocible. La nómina de ellos es extensa y puede incluir también ismos, vanguardias, que se recuerdan mejor que los propios nombres de sus autores (casos del Land art, el Minimalismo, el Arte Conceptual, el Arte feminista, etc.). La sociedad de la imagen ha deglutido ya a muchos de ellos (caso de Miró en los carteles publicitarios, Calder en las lámparas de los pisos de estudiantes, Kandinsky en telas y tejidos  llamativos, Munch y su Grito,…) y aquí se intenta ir un poco más allá. Pero por eso mismo la obra presentada no se sostiene por sí sola en cada una de las fotografías, no siempre efectistas, no siempre estéticamente bellas, no siempre técnicamente trabajadas, la mayoría de las veces encontradas en lugares inesperados, mal iluminados. No sería, pues, el caso de fotografías “bonitas, pero casi mudas” de las que nos hablaría Luigi Ghirri. Se busca que sean precisamente locuaces. Este Proyecto tiene un relato, un por qué, y por ello debe contemplarse como un todo. Sólo cuando, despaciosamente, se interna el espectador en la senda que este relato le propone puede darse un insight de comprensión.
   Las imágenes nunca se buscaron, se tomaron donde se encontraron y lo fueron, casi en su totalidad con la óptica limitada del teléfono móvil, lo que les hace resentirse en su calidad si bien en ocasiones una imagen imperfecta puede llegar a hacer pensar en el trazo desvaído de un pincel. No hubo preparación, ni puesta en escena, ni trípode, ni espera por l’instant décisif. Hubo, eso sí, hallazgo, inquietud, sorpresa, suerte. Por eso hay tantas tomas en viajes, en el extranjero, en las calles de ciudades donde llevas los ojos preparados para mirar, sin guía ni GPS, como un flâneur. En palabras de Elliot Erwitt: La fotografía es el arte de la observación. Se trata de encontrar algo interesante en un lugar ordinario. […] tiene poco que ver con las cosas que ves y mucho con cómo las ves.
   La obra, además de su perspectiva apropiacionista, presenta otra característica que la dota de interés. ¿Se hará realidad en ella la afirmación de Borges que conjeturó que un escritor puede influir en sus antecesores?. “Su labor modifica nuestra concepción del pasado, como ha de modificar el futuro”.  La explicación de esta paradoja, extendida al mundo visual, se encuentra en el hecho de que los apropiacionistas nos fuerzan a mirar a sus epígonos a través de esos rasgos que han elegido para hacernos reconocible al autor de referencia.

   Luis Miguel Santos Unamuno se inició en la fotografía amateur gracias a contar en el hogar familiar con una sencilla ampliadora en blanco y negro y a que a principios de los 70 circularan por allí los ejemplares de una clásica revista, AF (Arte Fotográfico). Le fue así sencillo pasar de la foto de recuerdo a la fotografía con pretensiones artísticas si bien casi siempre para consumo privado. Su concepción estética, arraigada en lo abstracto, se acerca al expresionismo con ausencia casi total de personas, animales o paisajes rurales. Su herramienta ahora es el teléfono móvil, siempre en el bolsillo, poca calidad en el sensor pero dispuesto a ser disparado con celeridad. El escenario, por el contrario, sigue siendo el mismo: la ciudad, lo cotidiano, lo artificial, las luces de neón, los plásticos y metales.


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La Pila

La exposición “¡Ups! Ilustradores recopilados”  muestra los últimos trabajos de algunos de sus socios de la PiLA, en torno a la ilustración y el diseño gráfico. Una muestra que sirve de presentación de la asociación en el Bierzo después de su fundación en 2015 en la ciudad de León.

La PiLA (Profesionales de la Ilustración y el Diseño de León Asociados) nace bajo la puesta en común de las inquietudes, experiencia profesional y aspiraciones de un pequeño, pero heterogéneo, grupo de ilustradores de la ciudad de León. Cómic, ilustración, diseño gráfico y docencia son algunas de las habilidades interconectadas que estos profesionales colocan sobre la mesa para poner en marcha la PiLA, que reivindica, aglutina y representa el trabajo de un número mayor de profesionales de toda la provincia. El objetivo esencial de la asociación es el de contribuir al enriquecimiento de la cultura gráfica y plástica de la sociedad leonesa, promoviendo el conocimiento de la ilustración y disciplinas afines, y reclamando su importancia como valor cultural, artístico y económico para los propios profesionales, para las empresas y las instituciones.

Nuestros objetivos son:

• Representar, promocionar, defender y difundir los intereses comunes de todos nuestros asociados.

• Reconocer y defender los derechos que nos corresponden como autores y velar por su cumplimiento.

• Potenciar el valor de los autores leoneses dentro y fuera de los límites geográficos de la provincia.

• Trabajar para hacer llegar a la sociedad el valor de la ilustración y el diseño gráfico a través de actividades tales como exposiciones, publicaciones, colaboraciones, conexiones en red, etc.

• Facilitar la formación continua de nuestros socios a través de cursos y conferencias, así como facilitar el contacto, el conocimiento y la colaboración mutuos.

• Fomentar la investigación, experimentación y desarrollo de la ilustración y diseño gráfico, bien a través de las nuevas tecnologías, bien mediante sistemas tradicionales.


Artistas que exponen en el Campus ULE de Ponferrada

Louis “Firioss” Gómez
Estudió Bellas Artes en la Universidad de Vigo, Pontevedra y completó su formación con varios cursos de edición y producción de video en el Richmond Adult Community College, Londres.
Actualmente vive en Ponferrada y trabaja como artista e ilustrador freelance.
Se especializa en ilustración gastronómica aunque también es un apasionado del arte de fantasía.
Trabaja con técnicas tradicionales, tales como tintas, rotuladores, lápices acuarelables, óleo y grafitos. En medios digitales utiliza tanto MAC como PC, tabletas gráficas tipo Wacom en programas como Photoshop, Illustrator e InDesign.
Y para edición de video utiliza Final Cut Pro X, Premiere y After Effects.

Laura G. Bécares
Es licenciada en Bellas Artes por la UPV/EHU y diplomada en Arte Terapia. Se dedica desde el 2013 de pleno al mundo de la ilustración editorial infantil y juvenil y la educación no reglada con niños y niñas, a través de talleres de arte, investigando en las posibilidades creativas propias de los más peques, además de la mediación artística para proyectos de intervención socioeducativa con diferentes colectivos en riesgo de exclusión social.

el abrelatas
El abrelatas es el nombre bajo el que trabaja la diseñadora e ilustradora Katia Prada, natural de Priaranza del Bierzo y reubicada en la misma localidad tras recorrer durante más de 10 años nuestra geografía para formarse educativa y profesionalmente.
Realiza sus estudios de Bellas Artes en Salamanca y se especializa en Diseño y Usabilidad de páginas web en Barcelona. En 2004 se traslada en Madrid donde comienza a desarrollar su carrera como diseñadora.
Como culo inquieto que es, colabora con otros artistas, participa en exposiciones colectivas e individuales exponiendo trabajos y creando instalaciones artísticas.
Imparte, organiza y/o participa en talleres de fotografía, dibujo, encuadernación, serigrafía y collage entre otros.
Actualmente está centrada en la ilustración, infografía y diseño de marca.

Beatriz Larepa
Hace del mezclum técnico su medio de expresión, creando como resultado un estilo multivalente y ecléctico. Compagina su labor profesional en ilustración y diseño con la investigación artística y el artivismo.

Patricia Gutiérrez
Ilustradora incansable y amante de la literatura y de la ilustración infantil y juvenil. En la actualidad trabaja como ilustradora para le revista cultural y de literatura Continuidad de Los Libros que compagina con diferentes trabajos de publicidad así como proyectos y talleres en torno a la ilustración infantil. Le encanta dibujar gallinas y personajes varios. Ten cuidado si te cruzas con ella, puedes acabar formando parte de una de sus ilustraciones.

Sara Potxemutxka
Licenciada en Bellas Artes. Realiza exposiciones, tanto individuales como colectivas. Su obra recoge vídeo-arte, pintura, dibujo con variedad enorme de técnicas gráficas, escultura objetual con intervenciones de otras artes plásticas, fotografía narrativa, performance, proyectos didácticos no convencionales y un amplio etcétera. Respecto a las artes aplicadas, podríamos destacar las facetas de retratista, pintora por encargo, ilustradora (tanto de proyectos gráficos, como de patronaje textil) o creadora de escenografía, entre otras.

Raquel Ordóñez Lanza
Técnico Superior de Grabado Artístico, diplomada en E. Musical y Lengua Extranjera, Graduada en Educación Primaria y Máster de Especialización en Educación Artística. Se dedica en la actualidad a la docencia y la investigación de la Educación Artística como herramienta de aprendizaje impartiendo cursos en centros de profesores y a la ilustración infantil , donde ha publicado con editoriales como EVEREST,MAREDITOR, RIMPEGO y GEU entre otras.

Isabel Medarde
Isabel Medarde es productora, realizadora y profesora de cine y vídeo. Estudió Dirección de Cine en el TAI (Madrid), Arte Dramático en la ESAD (Madrid) y Fotografía en EFTI (Madrid).
Aficionada al dibujo desde pequeñita. De resultas de ambas pasiones, cine y creación plástica, realiza trabajos de animación stop motion. A futuro, proyecta realizar animaciones en técnicas mixtas con los personajes de sus dibujos. El primero de estos proyectos es Smaug, historia de un dragón alcohólico, realizado a medias con Sergio González (Laboratorio Bambara).

Laura Lunaycuarto
Laura Rodríguez Rodríguez es historiadora del arte y restauradora de Bienes Culturales de Pintura.
Apasionada de la ilustración y la comunicación visual, a través de su marca Lunaycuarto busca aportar originalidad y creatividad a lo cotidiano.

Don Ricardo
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca.  Gran  aficionado a la historia y la etnografía, sobre todo al mundo de las creencias mágicas populares. Actualmente se dedica a producir obra gráfica en su taller de grabado. Como ilustrador ha publicado “Esbardu, vocabulariu llionés ilustráu” y “Llión Máxicu, pequeña mitoloxía llionesa”.

Oscar de la Huerga
Empecé como Aerografista, me actualicé a Infografista 3D, después fui reconvertido en Fotógrafo y he terminado como Diseñador Gráfico y Publicador web. Sólo me falta ser malabarista, que equilibrista lo hago bastante bien también.

JuanMa Salvi
Eterno inspirante a todo. Regular, Roman, Book o Bold, dependiendo del día. A veces Italic. Cazador silencioso de ideas y coleccionista de instantes. Devoto de la Virgen de la Creatividad y practicante en Salvi Design. Desubicado en el noroeste.

Minemore

Mireia, bajo el nombre artístico de minemore, es diplomada en Diseño de Moda en Madrid y Técnico en Diseño Gráfico, Web y Multimedia en León.
Ha trabajado de infografista en medios impresos y digitales y de diseñadora gráfica e ilustradora en estudios de diseño y agencias de comunicación, compaginándolo con trabajos freelance y proyectos de diseño social.
¿Ahora? Diseñadora gráfica y creativa en la agencia de marketing La Central (León y Madrid) y en la ONG Mundo Ético.


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11/09/2018

MARÍA DIEZ

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

María Diez Ruiz.
En los años 80s comienza el aprendizaje en su ciudad natal,  donde asiste a cursos y talleres impartidos por los estudios locales de fotografía.
Se inicia en la técnica de revelado en blanco y negro en Josanz Fotografía de León. Durante este periodo sólo realiza fotografías en blanco y negro, revelándolas en su propio laboratorio.
A finales de los 80s empieza a utilizar diapositivas en color, exclusivamente, hasta la era digital, en la que la edición, en color y blanco y negro, desde un Pc, le abre un mundo nuevo de posibilidades en la creación fotográfica.
Asiste a los cursos de fotografía avanzada que se imparten en el MUSAC .
Realiza talleres con Angel Marcos y Gabriel Brau.
Pertenece al colectivo el Clik, que pública una revista de fotografía trimestal con el mismo nombre. Ha colaborado en  la exposición colectiva Naturaleza en Blanco y Negro que ha sido expuesta en diferentes capitales españolas.
Cuenta entre otras con publicaciones en el Libro de Oro de la Música Española, de ediciones Orfeón y  en la revista Patrimonio. Así mismo sus fotografías han ilustrado las cubiertas de distintas ediciones de música en formato CD.
En la actualidad y entre otras actividades fotográficas, colabora con la Fundación Eutherpe, realizando los reportajes fotográficos de los conciertos y cursos que esta Fundación organiza.
Carteles con fotos de su autoría han sido expuestos en Italia, Gran Bretaña, Alemania, Francia, anunciando conciertos.

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11/09/2018

PILAR COSSÍO

EXPOSICIÓN

PILAR COSSÍO

"FRACTAL SAND"

(fotomontaje, fotografía, dibujo e instalaciones)

web oficial  www.pilarcossio.com



Pilar Cossio
Decía Italo Calvino que «las ciudades son un conjunto de muchas cosas:
memorias, deseos, signos de un lenguaje; son lugares de trueque, como
explican todos los libros de historia de la economía, pero estos
trueques no lo son sólo de mercancías, son también trueques de palabras,
de deseos, de recuerdos». Y en Pilar Cossío hay muchas ciudades y muchos
trueques.
El suyo es arte de lugares y no lugares. De fragmentos y tránsitos. De
visiones fugaces e imaginarios. Somos restos, collages, pecio, andenes,
estaciones, lugares de paso. A Pilar siempre la he conocido así, de paso
y a pasos, en una danza de destinos imposibles, azares, viajes y
mundos familiares. Por eso quizás nunca se ha detenido.
No existe una foto fija de su creación. Puedo recordar dibujos que
tratan de escapar de su propio trazo, coreografías de manchas, imágenes
rotas de sitios que nunca conoceremos. En
su obra, como refleja  el contenido del libro. caben…
Pequeñas distancias. Travesías. Y trayectos.
La caligrafía de Pilar rezuma una poética de voyeur, de viajera
accidental que combina cicatrices con heridas, tatuajes con collages,
ciudades con estaciones. Pilar es Turín, París, Florencia, Beirut,
Essaouira, Roma, Londres, Santander…Un viaje interior de destinos en
el mapa, equipajes de luces y sombras y una cartogafía de sueños y
deseos, pero también de desiertos, puertos, costas y cafés. En Pilar
siempre habita un rastro de jazz, una improvisación alada, como todas
las que merecen la pena, inasible, pero que, como la vida, mancha y
luego ya no puedes dejar de preguntarte por esos colores desmayados, ni
por las figuras que tratan de escapar de la instalación, ni por esas
ciudades invisibles, inventadas, habitadas, vacías que integran nuestra
memoria de arena.
El paisaje, cotidiano o ajeno, reinventado o extraño, es siempre un
ready made, una emoción entrecortada, un lugar de silencio, susurro,
luna e ingravidez, porque el/la artista, todo artista es refugiado,
exiliado y pasa de puntillas como ella entre quimeras, espejos y laberintos.
Con Pilar uno pasea descalzo dejando huellas en el papel, en una postal,
en cielos sobre ciudades, en cielos protectores, en objetos, en poemas,
en hojas muertas, en flores del mal, en ventanas que miran lejos, muy
lejos, sin retorno.
A veces la vida es simplemente eso como, ‘Madeleine’, una de sus
exposiciones y una estación de metro de París,
una mujer de pelo rojo que lavaba los pies de su amado y que, con
enorme sensualidad, nunca olvidada, secaba aquellos pies adorados con su
pelo rojizo, con su trenza deshecha,
En Pilar surgen imágenes grabadas desde la infancia que tienen un enorme
poder de seducción…una Alicia que nunca acaba de traspasar el espejo, una necesidad de
encontrar los rasgos dejados, las huellas del caminar. Nos ofrece una
elaboración personal de nuevos signos, nacientes, a partir de los
lugares en los que se han demorado las vivencias para proponérnoslos y
así poder compartir los posos de la intensidad poética prendida con
hilos casi invisibles en esos lugares.
Baile aéreo, iluminado en mitad de la estancia, danza pausada,
mujer-pájaro que vuela entre pasillos, playas, ascensores, invertida
hacia el interior del pozo-espejo, generando misterio, la distancia que
hace necesaria la recreación y la evidencia del sentido de la
instalación que nos llama desde el fondo del abismo; o la de la postura
transgresora, la que opta por la vivencia directa, de una imagen
virtual, por la mirada en el fondo del espejo, mejor o peor que la
imaginada, siempre distinta porque su naturaleza es de otro orden. Hay
una construcción sobre el vértigo en esos trajes o cuerpo suspendidos,
invertidos, que se miran y se abisman .
Lo que queda del devenir, los puntos de anclaje de la memoria, que se
convierten en nuevos seres para dejar su huella en el recuerdo: zapatos
y baile, caminos recorridos por calles, edificios, ciudades, pasos de
baile o de vida.
Pilar Cossío deja siempre la sensación de ser una creadora que pasa al
lado de la obra, que no la hace, sino que la siente o la padece, que
interviene menos de lo que parece. Y de que intervienen más, que la
hacen, los objetos, el espacio, la gente que la mira, y siempre de
manera distinta a la que se pudo prever, como ocurre con esos vacíos,
ese juego de presencias y ausencias donde flotan las criaturas y sus
insignificantes significados o lo inverso.
Hay mucho de ceremonia en sus piezas, de altar dedicado al tránsito del
amor, del duelo, del dolor, repetido y reflejado, multiplicado por ejes
de simetrías, que crean ecos, pulsaciones, y la necesidad de pasar al
otro lado de lo imaginario, para renacer purificado.
Los contornos, las líneas, la doble imagen, lo difuso, el encanto y el
pas du tout, los cuerpos sólo son fragmentos, solo se revelan desde la
ausencia o el ocaso, desvanecidos o en desmayo, en desazón continua.
Sobreimpresión sobrecogedora de todo, levedad, con Pilar somos fantasmas
viajeros, náufragos hacia Itaca, argonautas escapados de los frescos de
una bóveda barroca derruida.
Tiempo y memoria, fetichismo y metáfora. Suite Cossío, collages,
instalaciones, ready-mades, dibujos, fotomontajes, una danza de
psicología y autobiografía de traje de diario y vestido de domingo. Un
relato de sensibilidad, densidad erótica, sutilezas y sensualidad, con
el referente constante de lo urbano, en una suerte de cartografía sobre
lo femenino, la memoria, el imaginario poético y el espacio. Un
movimiento continuo de aire y en el aire, aleatorio y azaroso, un
tránsito vital incesante antes de subir a un tren sin más trayecto que
las imágenes fragmentadas, deshechas y desnudas.
«El verdadero lugar de nacimiento es aquel donde por primera vez nos
miramos con una mirada inteligente», escribió Marguerite Yourcenar. Y
una de esas miradas es la de Pilar.
GUILLERMO BALBONA
Poeta y Periodista



NOTA BIOGRÁFICA / PILAR COSSIO
Nace en Obeso, Cantabria.

 1976 Licenciada en Filosofía y Letras: Universidad Central de Barcelona. España.
1976 Fija su residencia en Florencia, Italia.
1981 Licenciada en Pintura/ Escuela de Bellas Artes de Florencia. Italia.
1981 Estancia en el Cairo, Egipto: Tesis de laurea para la Escuela de Bellas Artes de Florencia, en la Universidad Al-Ashar del Cairo.
( “Frescos Omeyas en el Palacio Califal de Qusayr’Amra”, Desierto de Jordania).
1989 - 1991 Residencia Internacional para artistas en Londres, Seleccionada por la Fundación Delfina Studios Trust, Inglaterra. Junto a los artistas Xomin Badiola y Dario Urzay.
1991 - 1992 Premio de Roma (Pintura). Residencia en la Academia de España en Roma. (Ministerio de Asuntos Exteriores), Italia.
1994 - 1999 Vive en Turín, Italia. Inicia su relación con la galería Paolo Tonin ArteContemporanea.
En el 2000 Se traslada a París, Francia.
2010 Estancia y exposición en Beirut (Libano). Aquí nace su libro “Splendor Solis”. Escrito en Francés y Español y traducido al Árabe.
2011 - 2012 Art Workshops en las escuelas Ibn Khaldoum de Essaouira, Marruecos.
2012- Festival de Jazz de Berchidda, Time in Jazz.
- Abbazia di Spineto,  Sarteano, Siena. Italia.
2012 - 2013 “Ifitry Project”. Marruecos: Residencia Internacional de artistas contemporáneos. Bienal de Casablanca.
Galeria Juán Silió , Santander.
2015 Weiller Project, Paris.
Galeria La Fábrica Madrid (Splendor Solis)
2016 - Viaje y estancia en Beirut. Realización del libro “Splendor Luna”. Libro de artista escrito en Francés, Español y traducido al Árabe por Ziad Chakaroum .


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EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

CL-605

 
Descripción:
Exposición de fotografías de Javier Enjuto García
Durante los últimos años el artista ha transitado frecuentemente por esta carretera CL-605 y fue este ir y venir lo que le fue mostrando paisajes característicos que ofrecían una amplia paleta de color, luz, líneas y sensaciones que los tornaban de cotidianos a interesantes. La idea de esta exposición es transformar los paisajes hasta llevarlos a una abstracción de líneas y colores.


Las obras seleccionadas recorren el paisaje de tal forma que la representación del mismo puede ser objeto de distintas interpretaciones. El objetivo puede igualmente ser de una lectura que invite a la reflexión: ¿puede ser el paisaje descontextualizado y al mismo tiempo, ser reconocido en su forma más clásica? No es que haya o no respuestas que logren satisfacer, simplemente porque la idea es, básicamente, generar las preguntas correctas.


Javier Enjuto García (Jerez de la Frontera 1973) reside actualmente en San Ildefonso, Segovia. Autodidacta en el mundo de la fotografía, ha participado en diferentes exposiciones colectivas como miembro de la AFS, en 2011 en la Casa de Cultura Sánchez Díaz, en INCUBARTE 2012 y en solitario en SEGOVIAFOTO 2015.


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FOTOGRAFÍA Y DISEÑO


PORTADAS DE VINILOS EN LA COLECCIÓN PERMANENTE DE MANUEL TEJADA

(fotografía y diseño)
Comisarios: Agustín Berrueta y Carlos Carro


INTRODUCCIÓN

Encontrarse con un espacio donde habitan miles de objetos que alguien ha ido seleccionando y coleccionando a lo largo de su vida, es una de esas sensaciones escalofriantes que provocan preguntas y emociones que se multiplican por el interés personal y la curiosidad que despierta el tema objeto de la recopilación para quién se ve en esta situación.
En la sala de reuniones Manuel Tejada de la universidad pública de León, fueron depositados los fondos fonográficos de su colección, aparte de otros objetos valiosos como revistas, libros, vídeos, diseños, mobiliario y algún fetiche que comportan un mundo único personal e intransferible, un universo propio, que nos dejó en un acto de extraordinaria generosidad y su permanente actitud de compartir todos los placeres y las emociones que le producían esos motivos, cuyos soportes ocupan este espacio. Una ética que le ha convertido en una referencia vital para los que le conocimos y una estética consecuencia de su tolerancia, falta de prejuicios y espíritu de diálogo que nos lleva a encontrarnos con documentos musicales de estilos y épocas que sabemos filtraba y disfrutaba con la naturalidad de una persona en máximo estado de integridad y permanente inquietud. Una estética producto del estudio, la reflexión y el tiempo que generó una colección singular impensable, sorprendente  y que sólo se entiende desde la óptica de alguien con una visión, sensibilidad y capacidad de asimilación única, que copila un material que daría  para un hilo musical ininterrumpido de años,  cientos de programas radiofónicos, estudios, debates... Una primera idea que surgió (recurrente por otra parte) sobre el posible juego que puede dar este material, se la propusimos a Agustín Berrueta y a Carlos Serrano para que desde su experiencia y su sapiencia en el mundo de la fotografía y del diseño respectivamente, seleccionaran las portadas de los  vinilos de la colección que consideraran más interesantes para realizar una exhibición pública. El resultado es el que podéis disfrutar aquí así como sus criterios de selección teniendo en cuenta que esta muestra a todas luces va a ser diferente a cuantas se puedan haber realizado sobre esta temática debido  a la originalidad y particularidad del material que componen estos fondos, que ofrecen una exposición única, especial y  susceptible de ampliación o de otras lecturas, por poner un ejemplo en este sentido, de la última publicación caída en mis manos sobre este tema, “Días de vinilo”, un magnífico y exhaustivo estudio desde el punto de vista de un erudito del arte contemporáneo y de la edición discográfica de música popular del S. XX y parte del XXI, esta exposición es coincidente solamente en una portada sobre los numerosos ejemplos que analiza el maestro   Panera Cuevas en su impagable libro.


José Luis Tabernero



LA FOTOGRAFÍA EN PORTADA

Alex Steinweiss es el padre del diseño en las portadas de discos desde que, en 1940, realizó la primera cubierta en la que combinó fotografía, ilustración y tipografía. En poco tiempo, la discográfica para que trabajaba aumentó las ventas en un 800%. Aquello dejó muy claro que la portada de un libro o un disco pone en marcha un proceso anímico que nos impulsa a abrir el libro o realizar una primera audición del disco.

En este contexto, la mayor diferencia entre fotografía y diseño gráfico estriba en que la imagen fotográfica (salvo en el manido recurso de limitarse a reproducir el retrato del artista en cuestión), sugiere que hay una historia detrás de ella e invita al espectador a dar rienda suelta a su imaginación. Por ello, para esta selección de portadas, he elegido como punto de partida y nexo de unión la del disco de Richard Swift titulado, precisamente, "The Novelist", en la que el artista se autorretrata al modo que lo hacen muchos fotógrafos: mirándose de frente en un espejo con la cámara en la mano. El fotógrafo es al mismo tiempo testigo y narrador, y puede intentar reflejar la realidad retratando a otros personajes más o menos peculiares que le rodean (Arrajatabla, Combays), o crear una abstracción del individuo centrándose en partes del cuerpo, lo que se presta a una interpretación más psicológica (Journeyman, Speedy J, Ciccone Youth, Tropic Of Cancer). En el extremo opuesto, la elección de paisajes desolados, sean urbanos o naturales, enfatizados por el dramatismo que añade el blanco y negro (Scuba, Timber Timbre, Monolake o la recopilación Fragments From Work In Progress), evoca soledad, produce cierta melancolía e invita a la meditación introspectiva. La introducción de un aparato de uso tan cotidiano y universal como un coche aparentemente abandonado, nos provoca la inquietud y el desasosiego de un desenlace incierto (Yann Tiersen, Dead Pretty). Finalmente, la aparición del elemento humano en escenas que parecen fotogramas de una película (The James Taylor Quartet, Night Trains) reanuda un discurso narrativo más novelístico y nos conecta con el punto de partida.

Agustín Berrueta


DISEÑO

El collage de Peter Blake para Sgt Pepper’s Lonely Heart Club Band de los Beatles, la pintura del hombre esquizoide de Barry Godber para In the Court of the Crimson King, de King Crimson, la composición con el prisma de color del estudio de diseño Hipgnosis para The Dark Side of The Moon de Pink Floyd, o las creaciones de Andy Warhol para The Velvet Underground y The Rolling Stones… son obras que ocuparían un lugar destacado en cualquier lista de las mejores portadas de discos de la historia.

Para la presente exposición, confeccionada a partir de los discos de vinilo de la colección Manuel Tejada, conservada en esta Biblioteca San Isidoro de la Universidad de León, se ha optado por seleccionar portadas que quizás no son tan conocidas y populares, pero cuyas composiciones constituyen igualmente pequeñas obras de arte de 31x31 cm.
El espectador que observe las portadas de la primera parte de esta exposición (en las que la fotografía tiene una presencia principal) puede descubrir una historia que se inicia con el fotógrafo de la portada del disco de Richard Swift. Puede imaginarse cómo con su cámara se dedica a retratar a los niños de los Combays o al personaje de Arrajatabla, a documentar el Londres subterráneo de Scuba, a perseguir fantasmas con Monolake, a buscar paisajes con coches abandonados o a acompañar a James Taylor en una excursión al pasado.

Y puede seguir indagando con sus otras fotografías en la mirada inquietante a través del cristal de Speedy J, la atmósfera tenebrosa de Tropic Of Cancer o la admiración que profesan Ciccone Youth por la figura de Madonna, cuyo retrato fotocopiado una y otra vez ilustra la portada de su disco.

A continuación se encontrará un grupo de ocho portadas que usan la ilustración como punto de partida y final, desde la aparente sencillez de líneas de Mar Hernández para los andorranos Downliners Sekt hasta la intrincada composición digital que el artista Alexander Rutterford creó para el séptimo disco de Autechre, pasando por la abstracción del artista del graffiti Futura 2000 para U.N.K.L.E. o la figura que se quita repetidamente la máscara (¿o se la pone?) del colectivo Pfadfinderi para Moderat.

La estética agresiva y de colores chillones de las portadas de la canadiense Grimes y los suecos The Knife pueden repeler al visitante en un primer momento, pero pasada la sorpresa inicial es fácil que se enganche al bello pop electrónico de la primera y que se interese por el compromiso político y social de los segundos.

Otra serie de portadas se centran en la fuerza del uso de una tipografía como elemento principal. El grafismo de Peter Saville para el primer álbum de New Order es de toda esta exposición quizás la imagen más reconocida. Peter Saville es también el autor de la imagen del álbum Unknown Pleasures de Joy Division, una de las pocas portadas que podrían rivalizar en popularidad con el diseño de la “portada del plátano” firmado por Andy Warhol.

La sencillez de la portada de Shellac, conseguida con dos antiguas máquinas impresoras tipográficas, es la perfecta traducción gráfica del sonido analógico, crudo y directo del grupo. De la misma manera, los paisajes sonoros oscuros y tenebrosos de Demdike Stare se descubren ya desde la portada de tintes ocultistas creada por Andy Votel (diseñador gráfico, músico, DJ, productor, y fundador y promotor del sello especializado en reediciones Finders Keepers).

La cantante PJ Harvey contribuye con sus propios dibujos para dar un fondo sobre el que reposa el texto en negativo de “Let England Shake”, Dizzee Rascal posa con humor junto a las letras que dan título a su disco, mientras que los dibujos, formas y texturas superpuestos unos sobre otros por los diseñadores Non-Format salen a la luz a través de las grandes letras de Asa-Chang & Junray (el proyecto de un percusionista japonés que usa el tabla, instrumento de origen indio, para componer una música al mismo tiempo tradicional y futurista, exótica y profundamente espiritual).

Otros ocho discos se han seleccionado partiendo del tradicional recurso que es estampar una fotografía del artista en la portada. Para Jazzmatazz (proyecto de Guru, uno de los componentes del dúo de rap Gangstarr) se utiliza una estética que nos remite a antiguas portadas del sello Blue Note, pero lo clásico queda de lado en la deconstrucción que se hace de las fotografías de Jamie Lidell y de Jeroen Snik (el nombre real tras Icicle).

Donnis y Midaircondo coinciden en acompañar y al mismo tiempo esconder sus propias imágenes a través de recargadas ilustraciones, mientras que el retrato solemne de Prince Po queda menguado por el uso del relieve, el troquelado, filigranas y tintas metálicas de su barroca portada.

El esbozo a lápiz que (se supone) Burial hizo de sí mismo ilustra la portada de su segundo disco de dubstep postapocalíptico, y la foto en una rave doméstica que ya estaba presente en el primer álbum de Skream (alias artístico del músico y productor Oliver Jones) queda disimulada por el semitono y una estética limpia y atrevida, característica del estudio de diseño londinense GiveUpArt.

Las últimas cinco portadas de la exposición no tienen un nexo unificador muy marcado, pero ¿cómo no incluir en esta muestra el diseño Op Art de William Bankhead para Actress, el atrevido collage de Benjamin John Power para su propio grupo Fuck Buttons, y el impactante apretón de manos de Lazer Sword a cargo del estudio Remote-Location (responsables también del diseño del Night Slugs de Bok Bok y L-Vis 1990)? Lo mismo con la luminosa portada de Jamie XX, una continuación y un contrapunto perfecto a su carrera musical como miembro del grupo inglés The XX.

Para acabar, invitamos a los visitantes a tomar la distancia adecuada, fijar la mirada despreocupadamente, y descubrir la ilusión óptica que se esconde en el patrón creado por el profesor de Psicología Akiyoshi Kitaoka que inunda la portada del disco Merriweather Post Pavilion de los norteamericanos Animal Collective.

Carlos Carro Serrano


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WEB GUSTAVO VEGA

GUSTAVO VEGA
Poesía Visual
"El placer del Ser"


 WEB GUSTAVO VEGA

La exposición consistirá en una muestra antológica de la obra poético visual de Gustavo Vega Mansilla, uno de los creadores más representativos de poesía visual  española con una gran proyección en el extranjero tanto por su propia obra creativa como por sus trabajos de investigación teórica y docente.
La muestra abarca desde los años 70 a nuestros días, consistiendo mayormente en reproducciones de 50x70 cm. sobre lonas de 50x100 cm. Cabe señalar que Vega trabaja tanto con técnicas tradicionales -oleo, acrílicos, etc. sobre lienzo y otros materiales- como con nuevas tecnologías de creación infográfica que reproduce en diferentes medios y formatos.
 
GUSTAVO VEGA
Leonés, nacido en Villaverde de los Cestos, residente en Barcelona, fue profesor, poeta (visual), artista y escritor. EsDr. en Filología Hispánica y Literatura, Universidad de Barcelona; Lic. en Filosofía,  Universitas S.Thoma Aq. In Urbe, Roma; Lic. en Filosofía y Letras (espec. Filosofía), Universidad de Barcelona; y Titulado en Magisterio,  León. SuTesis Doctoral: Poéticas de Creación Visual en España, 1970-1995 obtuvo las máximas distinciones: Sobresaliente Cum Laude y Premio Extraordinario de la Universidad de Barcelona.
 
En su obra coincide la FILOSOFÍA con la CREACIÓN POÉTICA -poesía textual, visual, fonética, acción…- y la IMAGEN VISUAL -plástica y nuevas tecnologías, multimedia- lo que se sintetiza en obras de carácter interdisciplinar: POESÍA VISUAL principalmente. Consisten sus actividades en investigación teórica, práctica creativa, docencia y divulgación.
 
Ha sido PROFESOR en la Universidad de León (Curso "Palabra e Imagen. Poesía Visual"), BCA, Universidad de Barcelona (Curso "Historia del Arte y de la Cultura en España") y en el Col-legi Casp, Barcelona (Cursos "Filosofía", "Historia de la Filosofía", "Infografía. Poesía Visual"...)y ha realizado Talleres de Creación Poética -textual, visual, fonética, de acción...- en diferentes instituciones de España y Argentina.
 
HA PUBLICADO libros de creación: PoÉticas Visuales, Prólogo para un Silencio,  El Placer de Ser,  Habitando Transparencias,  La Fronteradel Infinito, Pintar la Luz / Dipingere la Luce -bilingüe-, DA-SEIN-Alemán-, Visible (In)Visible, Pentri La Lumon / Pintar La Luz -bilingüe-.Un pez atravesó la luna / A fish pierced the moon / 魚は月を横切った -trilingüe-, (Re)Visiones y otros-; Carpetas, plaquettes, vídeos, CD, DVD etc. Ha sido incluido en antologías, multitud de revistas, web, etc.Ha realizadoEXPOSICIONES (50 individuales y participado en 2 centenares de colectivas); así como CONFERENCIAS Y RECITALES en España y en el extranjero –Argentina, Bosnia y Hercegovina, Francia, Grecia, Inglaterra, Italia, Macedonia, Uruguay...- . Parte de su obra se puede adquirir en Amazon (Biblioteca Amazon Gustavo Vega Mansilla).
 
La calle donde nació hoy lleva su nombre: “Calle Poeta Visual Gustavo Vega Mansilla”  y tanto él como sus Talleres de Creación Poética han recibido becas y premios en diferentes ocasiones. De su obra se han hecho eco antologías, estudios y universidades, habiendo sido traducida y publicada en diferentes idiomas –Albanés, Alemán, Francés, Finés,  Griego, Inglés, Italiano, Japonés y Esperanto-
 

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web VINICIO MOMOLI

La pintura como fermento – magma cromático

La historia del arte contemporáneo en Italia tiene dos picos de resonancia internacional. EL primero se produjo con el cambio de siglo, iniciado ya el siglo XX estalla la revolución cubista y con ella el “Futurismo”, a partir del manifiesto de Marinetti, publicado en París. Curiosamente, fueron dos críticos y teóricos italianos quienes crearon denominaciones para encuadrar las nuevas formas de expresión artística surgidas a partir de los sesenta. Germano Celant agrupó en torno a su definición “Arte Povera” a toda una generación de artistas, italianos o no, cuya ruptura con el arte vigente se manifestaba a partir del uso de materiales no habituales, no pictóricos.

El siguiente movimiento fue denominado “Transavanguardia” por Bonito Oliva. Fue a finales de los setenta y supuso una vuelta a la pintura, al uso de materiales y lenguajes pictóricos clásicos. Sin embargo, no fue éste un movimiento uniforme, sino la tendencia de un marcado grupo de artistas que, de forma individual, rompieron con la estrategia “povera” cuyo dominio en el circuito artístico contemporáneo fue absoluto. A esta forma expresiva de entender el arte se ubica la pintura y la escultura de Vinicio Momoli.

No sería justo simplificar el trabajo de Momoli únicamente desde la perspectiva pictórica, en el sentido expresado anteriormente de recuperación. En efecto, su trabajo recupera la pintura como elemento básico y a modo de fermento para desarrollar su creatividad. Aunque no solo de pintura se nutre su arte, por ejemplo, la incorporación de materiales industriales como el metacrilato, la madera, tela y cuerda o el caucho, resultan una interesante simbiosis entre ambas tendencias. Por un lado, la pintura le acerca a la “Transvanguardia” y por otro, los materiales industriales un aire “povera”, cuyo resultado nos acerca a un lenguaje sólido, personal y bien definido.

El uso del color, empastado y compacto, crea masas de pigmento, como emulsiones volcánicas, desde las cuales aparecen, como indicios, pequeñas incrustaciones de color, intenso y brillante, de una incandescencia reveladora, de una tensión plástica que el artista lleva al desgarro, producto de la tensa amalgama plástica.

Obra sin concesiones, la pintura de Vinicio Momoli propone una relectura de los cromatismos y del espacio pictórico. En algunas piezas, la pintura parece suspendida desde una parte del cuadro y en otras, la pincelada, sería mejor decir, el empaste, es solo una sugerente gota de color emulsionada sobre el soporte para establecer un sencillo diálogo de claras connotaciones minimalistas, no por subscripción a esa tendencia, sino por su sencillez y elegancia.

Las novedosas piezas tridimensionales con vocación escultórica, permiten una mirada a 360º, configurando una contemplación espacial en la que el espectador puede desvelar, si envuelve con su examen la obra, visiones diferentes de una misma obra y comprobar como el arte, en este caso de Vinicio Momoli, no solo es una explosión plástica, también dinámica.  
Biel Amer - Crítico de Arte

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"Por los senderos de la tradición. Costumbres y ritos de Castilla y León" (José Alonso Martín)

Descripción:
En esta exposición fotográfica se muestran costumbres y ritos de Castilla y León a través de instantáneas en las que el autor presenta, no solo el paisaje lleno de luz y claridad, sino también el paisanaje y el alma de los pueblos de la región con sus ricas tradiciones.
José Alonso Martín, fotógrafo profesional desde 1982, lleva recorridos con su cámara al hombro, desde hace más de quince años, varios miles de kilómetros fotografiando las fiestas y tradiciones que existen en Castilla y León; algunas de ellas aparecen plasmadas en su libro "Por los senderos de la tradición", editado por la Diputación de Salamanca.

José Alonso Martín
Palabras del autor:
En el mundo rural se suceden a lo largo del año numerosas manifestaciones folclórico tradicionales, que ponen de manifiesto el sentir popular que aflora en sus gentes mediante la convivencia cotidiana y la creencia en una identidad colectiva, al mismo tiempo que reafirma la existencia de la comunidad humana en un entorno a veces duro y sacrificado. Son muchos los pretextos por los que se ponen en funcionamiento todo este tipo de rituales (laborables, religiosos, paganos, gastronómicos, incluso deportivos como la carrera del pavo en Segovia, o la fiesta de las piraguas en Alar del Rey).
Nuestra tierra es rica en este tipo de manifestaciones, a pesar de que este género está cada vez mas mermado en comparación a tiempos pretéritos, debido a varios motivos como son: la despoblación, un cambio de valores y creencias, la modernización de los sistemas de vida… Pero no por ello podemos dejar de ver y disfrutar cada año, que los protagonistas de la fiesta tengan el compromiso de acudir a la cita con unos rituales, que han sido heredados de padres a hijos en el transcurso de los años, incluso siglos, en un legado en el que pueden aparecer fiestas de águedas, mascaradas de invierno, paganos carnavales, o la sentida Semana Santa, que tan reconocida está fuera de nuestras fronteras. He aquí una pequeña muestra gráfica de todo ese sentimiento popular que yo he podido conocer, y que espero que Vd. como espectador pueda ahora disfrutar por medio de esta exposición. (José Alonso Martín)



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WEB OFICIAL de la ARTISTA PILAR COSSÍO pincha aquí


Pilar Cossio
Decía Italo Calvino que «las ciudades son un conjunto de muchas cosas:
memorias, deseos, signos de un lenguaje; son lugares de trueque, como explican todos los libros de historia de la economía, pero estos trueques no lo son sólo de mercancías, son también trueques de palabras, de deseos, de recuerdos». Y en Pilar Cossío hay muchas ciudades y muchos trueques.
El suyo es arte de lugares y no lugares. De fragmentos y tránsitos. De visiones fugaces e imaginarios. Somos restos, collages, pecio, andenes, estaciones, lugares de paso. A Pilar siempre la he conocido así, de paso y a pasos, en una danza de destinos imposibles, azares, viajes y mundos familiares. Por eso quizás nunca se ha detenido.
No existe una foto fija de su creación. Puedo recordar dibujos que
tratan de escapar de su propio trazo, coreografías de manchas, imágenes rotas de sitios que nunca conoceremos. En su obra, como refleja el contenido del libro. caben…
Pequeñas distancias. Travesías. Y trayectos.
La caligrafía de Pilar rezuma una poética de voyeur, de viajera accidental que combina cicatrices con heridas, tatuajes con collages, ciudades con estaciones. Pilar es Turín, París, Florencia, Beirut, Essaouira, Roma, Londres, Santander…Un viaje interior de destinos en el mapa, equipajes de luces y sombras y una cartografía de sueños y deseos, pero también de desiertos, puertos, costas y cafés. En Pilar siempre habita un rastro de jazz, una improvisación alada, como todas las que merecen la pena, inasible, pero que, como la vida, mancha y luego ya no puedes dejar de preguntarte por esos colores desmayados, ni por las figuras que tratan de escapar de la instalación, ni por esas ciudades invisibles, inventadas, habitadas, vacías que integran nuestra memoria de arena.
El paisaje, cotidiano o ajeno, reinventado o extraño, es siempre un ready made, una emoción entrecortada, un lugar de silencio, susurro, luna e ingravidez, porque el/la artista, todo artista es refugiado, exiliado y pasa de puntillas como ella entre quimeras, espejos y laberintos.
Con Pilar uno pasea descalzo dejando huellas en el papel, en una postal, en cielos sobre ciudades, en cielos protectores, en objetos, en poemas, en hojas muertas, en flores del mal, en ventanas que miran lejos, muy lejos, sin retorno.
A veces la vida es simplemente eso como, ‘Madeleine’, una de sus exposiciones y una estación de metro de París, una mujer de pelo rojo que lavaba los pies de su amado y que, con enorme sensualidad, nunca olvidada, secaba aquellos pies adorados con su pelo rojizo, con su trenza deshecha, En Pilar surgen imágenes grabadas desde la infancia que tienen un enorme poder de  seducción…una Alicia que nunca acaba de traspasar el espejo, una necesidad de encontrar los rasgos dejados, las huellas del caminar. Nos ofrece una elaboración personal de nuevos signos, nacientes, a partir de los lugares en los que se han demorado las vivencias para proponérnoslos y así poder compartir los posos de la intensidad poética prendida con hilos casi invisibles en esos lugares.
Baile aéreo, iluminado en mitad de la estancia, danza pausada, mujer-pájaro que vuela entre pasillos, playas, ascensores, invertida
hacia el interior del pozo-espejo, generando misterio, la distancia que hace necesaria la recreación y la evidencia del sentido de la
instalación que nos llama desde el fondo del abismo; o la de la postura transgresora, la que opta por la vivencia directa, de una imagen virtual, por la mirada en el fondo del espejo, mejor o peor que la imaginada, siempre distinta porque su naturaleza es de otro orden. Hay una construcción sobre el vértigo en esos trajes o cuerpo suspendidos, invertidos, que se miran y se abisman .
Lo que queda del devenir, los puntos de anclaje de la memoria, que se convierten en nuevos seres para dejar su huella en el recuerdo: zapatos y baile, caminos recorridos por calles, edificios, ciudades, pasos de baile o de vida.
Pilar Cossío deja siempre la sensación de ser una creadora que pasa al lado de la obra, que no la hace, sino que la siente o la padece, que interviene menos de lo que parece. Y de que intervienen más, que la hacen, los objetos, el espacio, la gente que la mira, y siempre de manera distinta a la que se pudo prever, como ocurre con esos vacíos, ese juego de presencias y ausencias donde flotan las criaturas y sus insignificantes significados o lo inverso.
Hay mucho de ceremonia en sus piezas, de altar dedicado al tránsito del amor, del duelo, del dolor, repetido y reflejado, multiplicado por ejes de simetrías, que crean ecos, pulsaciones, y la necesidad de pasar al otro lado de lo imaginario, para renacer purificado.
Los contornos, las líneas, la doble imagen, lo difuso, el encanto y el pas du tout, los cuerpos sólo son fragmentos, solo se revelan desde la ausencia o el ocaso, desvanecidos o en desmayo, en desazón continua.
Sobreimpresión sobrecogedora de todo, levedad, con Pilar somos fantasmas viajeros, náufragos hacia Itaca, argonautas escapados de los frescos de una bóveda barroca derruida.
Tiempo y memoria, fetichismo y metáfora. Suite Cossío, collages, instalaciones, ready-mades, dibujos, fotomontajes, una danza de psicología y autobiografía de traje de diario y vestido de domingo. Un relato de sensibilidad, densidad erótica, sutilezas y sensualidad, con el referente constante de lo urbano, en una suerte de cartografía sobre lo femenino, la memoria, el imaginario poético y el espacio. Un movimiento continuo de aire y en el aire, aleatorio y azaroso, un tránsito vital incesante antes de subir a un tren sin más trayecto que las imágenes fragmentadas, deshechas y desnudas.
«El verdadero lugar de nacimiento es aquel donde por primera vez nos miramos con una mirada inteligente», escribió Marguerite Yourcenar. Y una de esas miradas es la de Pilar.
GUILLERMO BALBONA
Poeta y Periodista

NOTA BIOGRÁFICA / PILAR COSSIO
Nace en Obeso, Cantabria.


 1976 Licenciada en Filosofía y Letras: Universidad Central de Barcelona. España.
1976 Fija su residencia en Florencia, Italia.
1981 Licenciada en Pintura/ Escuela de Bellas Artes de Florencia. Italia.
1981 Estancia en el Cairo, Egipto: Tesis de laurea para la Escuela de Bellas Artes de Florencia, en la Universidad Al-Ashar del Cairo.
( “Frescos Omeyas en el Palacio Califal de Qusayr’Amra”, Desierto de Jordania).
1989 - 1991 Residencia Internacional para artistas en Londres, Seleccionada por la Fundación Delfina Studios Trust, Inglaterra. Junto a los artistas Xomin Badiola y Dario Urzay.
1991 - 1992 Premio de Roma (Pintura). Residencia en la Academia de España en Roma. (Ministerio de Asuntos Exteriores), Italia.
1994 - 1999 Vive en Turín, Italia. Inicia su relación con la galería Paolo Tonin ArteContemporanea.
En el 2000 Se traslada a París, Francia.
2010 Estancia y exposición en Beirut (Libano). Aquí nace su libro “Splendor Solis”. Escrito en Francés y Español y traducido al Árabe.
2011 - 2012 Art Workshops en las escuelas Ibn Khaldoum de Essaouira, Marruecos.
2012- Festival de Jazz de Berchidda, Time in Jazz.
- Abbazia di Spineto,  Sarteano, Siena. Italia.
2012 - 2013 “Ifitry Project”. Marruecos: Residencia Internacional de artistas contemporáneos. Bienal de Casablanca.
Galeria Juán Silió , Santander.
2015 Weiller Project, Paris.
Galeria La Fábrica Madrid (Splendor Solis)
2016 - Viaje y estancia en Beirut. Realización del libro “Splendor Luna”. Libro de artista escrito en Francés, Español y traducido al Árabe por Ziad Chakaroum .

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