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DAVE RILEY BAND

Entradas 6 €: a partir de media hora antes del concierto en taquilla
50% de descuento: comunidad universitaria previa presentación del carné universitario y DNI
 
Dave Rileynació en Hattiesburg, Mississippi, el 18 de marzo de 1949. Sus padres se trasladaron a Chicago cuando él era un niño pequeño, dejando Riley y cuatro hermanos en el cuidado de sus abuelos. Los abuelos de Riley poseían campos de algodón y trabajaba en ellos. Riley comenzó a tocar la guitarra a los nueve años, pero no se tomó en serio la guitarra hasta que se reunió con sus padres en Chicago en 1961. El padre de Riley era un predicador en la Iglesia de Dios en Cristo. Cuando el resto de la familia se mudó a Chicago, comenzaron una banda familiar llamada "The Riley Singers", dice Riley, "Mi padre empezó a entrenarnos, él y mi tío Sam, para cantar música gospel. Y solían gritarte en ese entonces y hacerte cantar -dijo Riley-.
 
Poco después de la llegada de Riley a Chicago, su familia se trasladó desde el lado norte a un proyecto de vivienda en el West Side, cerca del mercado de Maxwell Street, donde escuchó por primera vez blues en vivo. Riley también recuerda ver Howlin 'Wolf actuar a través de las puertas abiertas de un club local, y aunque sus padres trataron de mantenerlo dentro de la esfera de la iglesia, logró escabullirse y tocar canciones de  Motown Songs con otros niños.
 
Después de graduarse de la escuela secundaria, Riley fue reclutado para el servicio en Vietnam. Después de la formación básica, estuvo brevemente en el estado de Washington, donde asistió a un espectáculo de Jimi Hendrix, un nativo de Seattle, que se convirtió en una gran influencia en el joven guitarrista.
 
Después de su liberación Riley se casó con su actual esposa, Tanja, y después de que ella quedó embarazada de su hijo, Riley dejó la música del alma para tocar el evangelio con el grupo de Tanya, el Mighty Gospel Wonders. Poco después, compró una casa en los suburbios y comenzó a trabajar como guardia de prisión en la Penitenciaría Estatal de Joiliet, trabajo que desempeñó durante unos 25 años. Riley confiesa libremente que la mayor parte del tiempo fue alcohólico y  drogadicto, hábitos que cogió en Vietnam. Pasó la última parte de los años 80 tratando de sacudir sus adicciones y ha estado sobrio desde 1989.
 
Dave Riley se encontró en la década de los 70 tocando bajo, y de vez en cuando tocando con Muddy Waters, Junior Wells, Buddy Guy y Howlin Wolf. En 1973, renunció a su carrera musical en el camino para ayudar a criar a su único hijo, Dave L. Riley, Jr. Ahora que su hijo ha crecido, Riley continúa con su carrera musical. Riley formó su propia banda en 1996 y pronto reclutó a su hijo, Dave "Yahni" Riley, Jr., para tocar el bajo.
 
En 1998 el cuello de Riley se rompió en un accidente de coche con un conductor ebrio, terminando su carrera en la prisión y dejándolo incapaz de tocar la guitarra durante nueve meses. Ahora ha recuperado la mayor parte de su capacidad de juego. Su primer CD, Living on Borrowed Time, es la historia de sus propias tragedias personales. Su segundo CD, Blues Across America ha sido un gran éxito. En este momento está ocupado recorriendo todo el país con su banda. Además de su hijo, su banda está formada por el baterista Sam Carr y del armonicista de  Arkansas, John Weston.
 
http://www.bel7infos.eu/dave-riley-infos/

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DAVID PALANCA, clave

Esencia Barroca
David Palanca Gómez
 
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Suite Inglesa no.2 en La m BWV 807
●       Prélude
●       Allemande
●       Courante
●       Sarabande
●       Bourrée I
●       Bourrée II
●       Gigue
 
Antonio de Cabezón (1510 - 1566)
Diferencias sobre el canto del caballero
 
Jean Henri D'Anglebert (1635-1691)
Preludio en Re menor
 
Antoine Forqueray (1671-1745)
Suite nº 1 en Re menor
●       Allemande La La Borde (Noblemt et avec Sentiment)
●       La Forqueray (Vivement et d'aplomb)
●       La Cottin (Galamment sans lenteur)
●       La Bellemont (Avec gout et sans lenteur)
●       La Portugaise (Marqué et d'aplomb)
●       La Couperin (Noblement et Marqué)
 
 
 
 
DAVID PALANCA
León (1992); David comienza a estudiar clave en su ciudad y completa sus estudios de grado en Zaragoza con la calificación de matrícula de honor, bajo la tutela de Silvia Márquez. En los últimos años ha asistido a clases con profesores como Bertrand Cuiller, Kenneth Weiss, Christophe Rousset, Anna Fontana, Olivier Baumont, Alfonso Sebastián, Aarón Zapico o  Saskia Roures, entre otros.
 
En 2014 fue galardonado con el Primer Premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España en la especialidad de clave (segunda vez en la historia del concurso que se otorga un primer premio de clave, tras Silvia Márquez 1996). También en el mismo año, fue premiado con una mención de honor por parte del jurado y el premio honorífico del público en el concurso internacional “Young Bach Award”. En 2011 obtuvo el Primer premio en el concurso de interpretación Claudio Prieto. Recientemente ha sido seleccionado por AIE para su temporada 2018.
 
Como solista al clave, ha ofrecido recitales por toda España en lugares como el Palau de la Música Catalana de Barcelona, Fundación Juan March en Madrid, Festival de Órgano de Torreciudad, Sala Mozart del auditorio de Zaragoza, sala de cámara Miguel Delibes en Valladolid o Andorra (festival de órgano). Solista con la orquesta sinfónica del CSMA, con la orquesta de cámara de la JOL (Fundación Eutherpe) y con la orquesta de cámara de los cursos de verano de la universidad de Zaragoza y Eduardo López Banzo - Al Ayre Español.
 
Ha participado en el festival Musika-Música como clavecinista con la prestigiosa formación “Forma Antiqva”, dirigida por Aarón Zapico. Entre sus últimas colaboraciones destacan la participación en proyectos como “dúos de amor de Monteverdi” con “Los Mvsicos de sv Alteza”, otros con la “orquesta de cámara del Penedés” bajo la dirección de Enrico Onofri, y su colaboración a dúo con el reputado violinista Manfredo Kraemer. Desde 2017, es asistente de Eduardo López Banzo en sus cursos de canto histórico organizados por el CNDM.
 
En los últimos tres años ha compaginado su actividad concertística y su formación con clavecinistas de prestigio internacional, con  la docencia. Es profesor de clave, música de cámara y bajo continuo en el Conservatorio Profesional de  Música de Valladolid.
 

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CHANGAI BLUES BAND (León)

ENTRADAS (5): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro
VENTA ANTICIPADA. Desde el lunes 15 de enero en: Ateneo Varillas, Varillas 3, 2º Dcha. (de 18 a 22 h.) y Taberna el Cuervo, Calle La Sal, 6 a partir de las 20 h.
50% de descuento (*exclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
 
La "Changai  Blues Band" hace su presentación en el Albéitar
 
Los músicos:
Beatriz Laróm, voz. Luis Miguel Puche, guitarra. Alfredo R. Vidal, guitarra. J. Eduardo López, batería. Carlos Rabanal "Cachapizo", bajo.
La historia:
El grupo nace gracias al feliz reencuentro de tres veteranos de la música en nuestra ciudad, Luis Miguel Puche, Pepe López y Alfredo Vidal han participado desde los felices setenta hasta ahora mismo en muchas  de las más interesantes propuestas de la música en León. Grupos como Asfalto -efectivamente, hubo un grupo de ese nombre en León, anterior al conocido-, Generación 2000, Colectivo 1, Gracoma, el magnífico grupo de blues Mama Chokota, Majataba Hermanos,  Los Gatos Swing, Los Cardiacos y otros muchos han conocido el quehacer de estos músicos.
Con la incorporacion de Beatriz Laróm a la voz y Carlos "Cachapizo" al bajo, el grupo acaba de tomar forma, se consolida.
Beatriz Laróm es una cantante de voz profunda y apasionada. Capaz de moverse con igual autenticidad en los registros de Ella Fitgerald, Etta James o Aretha Franklin, es sin duda una de la voces más interesantes en el panorama del jazz y el blues en nuestro país. Profesora de Sensibilización Musical y canto moderno tiene, a pesar de su juventud, una amplia experiencia en el mundo de la música. En la actualidad es la voz de La Changai Blues Band y colabora en la banda leonesa de funk Red Monkeys.
Carlos "Cachapizo" Rabanal, músico de Villablino -Laciana ha sido desde siempre cantera de muchos y buenos músicos-  ha sido en la última década el bajista de relevantes bandas leonesas del rock al swing: The Funk on Me, La senda D'jango y La Última Legión, entre otras. Habitual en las sesiones nocturnas de jazz del Canal 7 de Castilla y León, es también un reconocido músico de estudio.
El blues es la música que les une, el lugar donde compartir emociones, un particular  "back to the roots" a la leonesa.
El repertorio del grupo tiene como base el blues con toques de R&B y referencias al rock de los 70. Temas de los grandes del género: B.B. King, Etta James, Albert King, Robert  Cray  junto a creaciones de Aretha Franklin, Janis Joplin  y Joe Coker. Música para sentir y compartir con el público de forma directa.
El nombre
La banda toma el nombre del  popular "Changai" el tren que unía Barcelona con las ciudades de Vigo y La Coruña, en un viaje interminable de 36 horas. El sobrenombre se lo había puesto un ferroviario en homenaje al Sanghay Express una conocida película de 1950 protagonizada por la famosa Marlene Dietrich. La retranca ferroviaria españolizó el nombre que ha llegado hasta nuestros días.
El tren ha estado siempre presente en el mundo del blues; en los oscuros días de la esclavitud en EE.UU.,  los trenes fueron el instrumento de huída hacia la libertad. La relación directa de los miembros veteranos de la banda con el mundo del ferrocarril  -hijos y nietos de ferroviarios, Luis Miguel Puche sigue siendo un ferroviario en activo- hizo que la elección del nombre fuera una labor sencilla y gozosa.
La Changai Blues Band inicia ahora su personal rail-moovie. Entre sus proyectos inmediatos está una gira de conciertos por las estaciones abandonadas en nuestra provincia y la grabación de un cd con versiones y temas propios.
La presentación de la banda ante sus paisanos de la mano de El  Albéitar constituye para sus miembros un motivo mas de satisfacción y agradecimiento.
En definitiva, pudiendo compartir el blues, ¿a quién le interesa ser profeta en su tierra?

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LELA SOTO "SORDERA"

CONCIERTOS A.I.E.
 
Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en taquilla
 
Cante: Lela Soto “Sordera”
Guitarra: Nono Jero
Percusión: Luis de Perikín
 
LELA SOTO SORDERA (Cante)
 
Lela Soto es una de las voces jóvenes con más proyección del panorama flamenco actual. Nació en 1992 en Madrid, y es la heredera más joven del legado de La Casa de Los Sordera. Su padre, Vicente Soto “Sordera”, y su madre, Luisa Heredia, bailaora, le han transmitido desde pequeña la esencia y el amor por el Flamenco. Lela es además sobrina de artistas de la talla de José Mercé, José Soto “Sorderita” o Enrique Soto, por parte de su padre, y de Ray Heredia o Enrique de Melchor, por parte de su madre.
Desde su infancia comienza a cantar en reuniones familiares y eventos, donde deja constancia de su hermosa voz y natural afinación. Además de sus raíces flamencas ortodoxas, Lela Soto impregna en su música un flamenco más vanguardista, y en su voz también se aprecian influencias del Jazz, Blues, Salsa o R&B, a través de artistas como Whitney Houston o Beyoncé.
Desde hace unos años, Lela Soto ha sido reclamada por algunos de los artistas españoles más importantes para colaborar en sus grabaciones o giras, destacando: Alejandro Sanz (grabación y gira de “No es lo mismo”), Pitingo (gira de “Soulería”), Niña Pastori (grabación y gira de “Ámame como soy”), Navajita Plateá, Los Cherokee, Diego del Morao, Jesús Méndez o en varios espectáculos y grabaciones de su padre, Vicente Soto “Sordera”, y de La Casa de Los Sordera.
En solitario, Lela Soto ha grabados varios temas que han sido difundidos con éxito a través de plataformas digitales. Ha puesto música a la marca “Ron Dos Maderas” de Bodegas Williams & Humbert y ha participado en el CD Homenaje a Lola Flores editado en 2017 por el Ayuntamiento de Jerez, interpretando “Torbellino de colores”. En concierto, ha recorrido escenarios y peñas flamencas en distintos lugares de España y el extranjero. En febrero de 2016 inicia una gira junto a Vicente Soto “Sordera” promovida por la Diputación de Almería. En el verano de 2016 actúa en los Viernes Flamencos de Jerez y en la Bienal de Flamenco de Sevilla. En noviembre de 2016 se presenta en solitario en Madrid, actuando en la Sala García Lorca. En febrero de 2017 realiza una gira en California, promovida por la Flamenco Society de Estados Unidos. En septiembre de 2017 actúa en el prestigioso World Music Festival de Copenhague (Dinamarca). Lela Soto ha participado en distintos programas de Radio y Televisión, destacando los 3 temas que grabó, acompañada de guitarra y percusión, en el Foro Flamenco de Canal Sur TV, donde interpretó Malagueñas, Bamberas y Tientos Tangos.
En 2017 obtiene el Primer Premio en el Concurso Talento Flamenco 2017 que organiza la Fundación Cristina Heeren.
El cante de Lela Soto lleva la tradición flamenca inyectada en la sangre, aportando al género su dimensión artística y contemporánea de la vida, pues también es una joven de su tiempo, a la que por supuesto no le es indiferente lo que sucede a su alrededor. Sin duda, una voz que nos anticipa el flamenco del mañana, pero que afortunadamente disfrutamos hoy.

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BINA DEVI LAISHRAM ENSEMBLE

Entradas (3 €): a partir de media hora antes en la taquilla del teatro
50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI


DANZA MANIPURI: BINA DEVI LAISHRAM
Manipuri es la danza clásica de la Indiaperteneciente a la región de Manipur en el noreste de este país. Es una danza en la que se pueden encontrar diferentes estilos que pueden ir desde lo suave y femenino hasta lo vigoroso y masculino.
Como en la mayoría de estas danzas, existe un fuerte contenido religioso y de adoración, en este caso asociado al culto Vaishnav del hinduismo donde se narran muchas partes de la vida del Señor Vishnu. Las versiones sobre su origen son variadas, algunas incluso tienen algún componente de leyenda como que los habitantes de Manipur se consideran a sí mismos Gandharvas, que eran músicos y bailarines de las cortes de la antigua India.
A diferencia de otras danzas de la India, en el manipuri no se usan pulseras con cascabeles en los tobillos para marcar el ritmo sino que este se da por el instrumento que tradicionalmente se usa, el pung.
Grupo de  10 músicos y bailarines liderados por Bina Devi Laishram.

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SID GRIFFIN

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro
50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

SID GRIFFIN

Sid Griffin es uno de los maximos exponentes de lo que se ha dado en llamar Americana . En los 80´s su banda The Long Ryders encabezaron el movimiento conocido como "Nuevo Rock
Americano" , editando cuatro magnificos LPs con los que cautivaron a todos los aficionados al genero . Tenian su mirada puesta en lo mejor del rock y el pop de los 60´s y la musica de raices , dando incluso pinceladas de country
y punk . Y sobre todo grandes canciones con las que recorrieron medio mundo.

Tras la aventura de los Long Ryders Sid Griffin se mudo a Londres y alli
puso en marcha a los Coal Porters , banda con la que ha facturado un buen puñado de discos de Bluegrass . Y también ha tenido tiempo para editar cuatro fantasticos discos en solitario , en los que desarrolla su faceta más acustica .
Ecos de Dylan , los Byrds o los mismisimos Flamin Groovies, armado con su acustica de 12 cuerdas o con su mandolina.

Además Sid es un reputado critico de rock , trabaja en la BBC , y ha editado varios libros de Dylan y  Gram Parsons entre otros.

Por si fuera poco tambien tiene su propio sello discografico Prima Records
 

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MERCEDES GANCEDO SOPRANO & BEATRIZ GONZÁLEZ, PIANO

Cooking America!, un recorrido por el continente americano, desde las profundidades pampeanas argentinas con sus ritmos y melodías folclóricas, paseándonos por Cuba a través del compositor catalán Xavier Montsalvatge, que nos imprime con maestría los ritmos latinos de esta región, para terminar con un repertorio contrastante de uno de los maestros de los Estados Unidos más reconocidos, donde los niños y la cocina serán los protagonistas.
 
 
 
MERCEDES GANCEDO,  SOPRANO
La soprano argentina Mercedes Gancedo ofrece este original programa en el que hace diversos viajes de ida y vuelta entre España y Latinoamérica. Obras de autores de Argentina, Cuba, Brasil, Colombia y España para descubrir todo un mundo de influencias y préstamos a una orilla y otra del Atlántico.
 
1er PREMIO I CONCURS DE CANT JOSEP PALET (MARTORELL, 2017)
 
Mercedes Gancedo realizó estudios superiores de canto en el ISA Teatro Colón y fue becada por la Fundación de Música de Cámara. Recibió la beca en la ESMUC para el Máster de Lied Victoria de los Ángeles y continuó su participación durante dos años consecutivos en el festival LIFE Victoria. Continúa su formación en Europa con J. Aragall, E. Giménez, T. Berganza, M. Freni, M. Caballé, R. Pierotti, C. Bartoli, entre otros. Debuta a los dieciocho años con Despina (Così fan tutte), Mistery (The Fairy Queen), Susanna (Le Nozze di Figaro) y Zerlina (Don Giovanni). En España, cantó Gianetta (L’Elisir d’Amore) en el Festival de verano de Calella, Mariana (Das Liebesverbot) en el Festival Castell de Peralada, Berta (Il Barbiere di Siviglia) en Teatro Campoamor, Alisa (Lucia di Lammermoor) en AAOS (Barcelona), Marianna (Il Signor Bruschino) para Òpera de Cambra de Barcelona, Micaela (Carmen) en el Palau de la Música Catalana y Contessa di Ceprano (Rigoletto) en el Gran Teatre del Liceu. Recibe una bolsa de estudios en Competizione dell’Opera (Dresden) y Francisco Viñas, 1er premio en el CIM, premio La Voz de más Porvenir en el C. de Canto de Logroño, 1er premio en el XXI Pòdiums de Musica de Cámara (Cataluña), 1er premio XII Luis Mariano, 1er premio en el Concurso Josep Palet, 3er premio en el C. Pla Balaguer.
 
 
BEATRIZ G. MIRALLES PIANISTA
Comienza sus estudios de piano a los 7 años en la Escuela de Música Boccherini de Boadilla del Monte (Madrid) con la profesora Daisy Pérez Serrano.
Cursa estudios de Grado Medio con las máximas calificaciones, tras los cuales supera las pruebas de selección en diversos conservatorios superiores (Murcia, Salamanca, Zaragoza, Madrid), para ingresar finalmente en la especialidad de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Durante su estancia en este Conservatorio dirige sus estudios la catedrática Pilar Bilbao, cursando además la especialidad de Acompañamiento Vocal a lo largo de dos años bajo la tutela del profesor Juan Antonio Álvarez Parejo. Finaliza el Grado Superior en 2012 con nota media de sobresaliente.
Paralelamente a la formación oficial asiste, durante 4 años, a las clases de piano impartidas por el maestro Iván Cítera. Así mismo, durante dos años recibe clases de la profesora Ofelia Montalbán.
Desde el año 2012 es alumna del prestigioso concertista internacional Leonel Morales Alonso.
Por otra parte, en el año 2013 asiste como alumna invitada al Conservatorio Superior de Música de Friburgo (Alemania), donde, principalmente es instruida en la especialidad de Liedgestaltung (acompañamiento vocal) por el destacado Repertorista Matthias Alteheld.
En 2016 finaliza el Máster de Lied en ESMUC bajo la tutela del maestro Francisco Poyato. Por otra parte, ha recibido Masterclass de profesores como Vladimir Ovchinikov (Rusia), Imre Rohman (Hungría), Vinzenzo Balzani (Italia), Andreas Fröhlich (Alemania), Jan Kadlubisky (Polonia), etc.
En 2016 obtiene el primer premio del Concurso XXII “Pòdiums de música de cambra” de Barcelona, junto a la soprano Mercedes Gancedo.
 
 
 
 
 
PROGRAMA
CARLOS GUASTAVINO
1.     Encantamiento
2.     Jardín Antiguo
3.     Pueblito, mi pueblo
4.     Pampamapa
5.     Cuatro canciones argentinas
·        Desde que te conocí
·        Viniendo de Chilecito
·        En los surcos del amor
·        Mi garganta
 
ALBERTO GINASTERA
1.     Cinco canciones populares argentinas
·        Chacarera
·        Triste
·        Zamba
·        Arrorró
·        Gato
 
XAVIER  MONTSALVATGE
1.     Cinco canciones negras
·        Cuba dentro de un piano
·        Punto de Habanera
·        Chévere
·        Canción de cuna para dormir a un negrito
·        Canto negro
 
PAUSA…
 
 
LEONARD BERNSTEIN
1.     I hate music!
·        My name is Barbara
·        Jupiter has seven moons
·        I hate music!
·        A big indian and a little indian
·        I´m a person too
2.     Four recipes
·        Plum pudding
·        Ox-tails stew
·        Tavouk gueunksis
·        Rabbit at Top Speed
 

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BRIGAN

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro
50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI
 
Brigan nace en el 2009 del encuentro de tres músicos de la región sur italiana de Campania, unidos por el interés y la pasión por la música tradicional de los pueblos del área céltica.
Su disco debut Irish Roots (2010) estaba dedicado íntegramente a la música de la arpista irlandesa T. O’Carolan. En 2011, con la publicación del segundo disco Ti sfondo i bodrhàn – tradizione e contaminazione, nace y se desarrolla la idea de emprender un nuevo proyecto: fusionar la sonoridad y las rítmicas de la música celta y de la música tradicional del sur de Italia.
El trabajo de investigación y estudio de los repertorios tradicionales de gran parte del área celta (Bretaña, Irlanda, Galicia y Asturias) se consolida con la publicación en 2014 de su tercer álbum Transumanza Sonora.
Los numerosos conciertos y estancias en España y Portugal están llevando a Brigan a dedicarse enteramente al aprendizaje y revisión de los repertorios tradicionales del área íberocelta, a través de la investigación de campo, intercambios y colaboraciones con músicos locales. También están estudiando los múltiples instrumentos y lenguajes tradicionales con varios expertos en folklore, en especial con el etnomusicólogo, investigador y constructor de instrumentos antiguos Pablo Carpintero desde Galicia y Alberto Jambrina desde Zamora.
Brigan colabora actualmente con diversos músicos italianos y extranjeros entre los que se encuentran Xurxo Fernándes y Pandeireteiras sen fronteiros, Harry. C (Milladoiro), Ramón Rodríguez Gómez (ex-Coetus), Massimo Ferrante, Giovanni Saviello, Aldo Grillo (Progetto cala la sera), Xulio Lorenzo, Efrén López Sanz, Davide Salvado.
Han tocado en numerosos conciertos y festivales: Forum universale delle culture (Napoli), Festival dell’arpa Viggianese, Festival della Zampogna di Scapoli, Paleariza 2015 (Calabria) Ferrara Buskers Festival 2011, Mercantia (2011-2012), Teatro del Sale (Firenze), Teatro Aperto (Verona), Ernica Etnica 2017, Teatro San Genesio (Roma), Teatro Civico (Caserta), Rassegna Teatrale “Pulcinellamente” 2012 – 2015, Festival “Esoterika” (Roma), Breental Celtic Festival, Fairylands Celtic Festival (Roma), support band di Eugenio Bennato (Teatro Lendi, Caserta), support band del grupo bretone Gwendal e differenti collaborazioni con la scuola di danze irlandesi “Gens d’Ys” di Roma.
In Europa al GallusFest (Svizzera), Festival “TradinEtno” Pazin (Croazia), “Mèra World Music Festival” Romania, Jamboree Club (Londra), “AspenizasFolk” Tui (Spagna), Multiusos de Mos (Galicia), “Celtic Transilvania” Romania, semifinale al “Festival do mundo celta de Ortigueira” (Spagna), e Slovenia, Croazia, Francia, Romania, Portogallo e Spagna.
Ganaron la primera edición del “Universo Folk – Concurso Internacional de Folk Ciudad de Oviedo” (Asturias) en 2013.
 
FORMACIÓN
FRANCESCO DI CRISTOFARO: voz, acordeón, gaitas alistana, sanabresa y gallega, zampogna, pito pastoril, tin y low whistle, sisco de Giugliano, mandolina, bouzouki
IVAN DEL VECCHIO: guitarra clásica, guitarra acústica, guitarra de 12 cuerdas, mandoloncello
GABRIELE TINTO: coros, arpa de boca, panderetas, pandero cuadrado, pandero de Peñaparda, tamburelli, tammorra, castañuelas, vieiras, almirez, bombo, platillos, caja  redoblante, zambomba
SIMONE LOMBARDI: coros, botella de anís, tambor, pezuñas de cabra, bombo

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PARVATHY BAUL (Kerala-India)

Entradas (6 €): a partir de media hora antes de la actuación en taquilla

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria previa presentación del Carné Universitario y DNI



Página web oficial

http://parvathybaul.srijan.asia/




Parvathy Baul (nacida en 1976) es una cantante de música folk Baul y narradora india, además es una de las artistas más reconocidas de la música Baul de la India. Se formó bajo la tutela de los gurús como Baul gurus, Sanatan Das Baul, Shashanko Goshai Baul en Bengala. Además ha estado llevando a cabo sus giras de conciertos, tanto en la India como en otros países desde 1995.

Está casada con Ravi Gopalan Nair y basa su residencia en Thiruvananthapuram en Kerala, desde 1997, donde también trabaja como profesora de música en el "Ektara Baul Sangeetha Kalari" una escuela superior de la música Baul.


Baul nació bajo su nombre verdadero de Mousumi parial, en el seno de una familia tradicional bengalí brahmán de Bengala Occidental. Su familia era originaria de Bengala Oriental y luego emigró a Bengala Occidental, después de la partición de la India. Su padre, un ingeniero que trabajó con los Ferrocarriles de la India, estaba interesado por la música clásica de la India. A menudo llevó a su hija diferentes conciertos. Su madre, una ama de casa, era devota del santo místico de Ramakrishna. Debido a la publicación de su padre en diversos lugares de la región, ella creció en Assam, Cooch Behar. Además dio un examen que le permitió pasar de la escuela secundaria a una escuela superior llamado Sunity Academy, en Cooch Behar.


Aunque ella comenzó por actuar en 1995, en 1997 llegó a Thiruvananthapuram en Kerala, para aprender acerca de las tradiciones espirituales y las actuaciones en teatros locales. Ella conoció a Ravi Gopalan Nair, que era un titiritero profesional de Kerala. Aprendió la técnica de los títeres, utilizado el teatro para las actuaciones de Ravi y en el 2000 viajó con él, para presentarse en el Bread and Puppet Theater en Vermont, Estados Unidos. Luego estudio con el creador de Peter Schumann, conocido por sus actuaciones de títeres, en una de las obras de arte en vivo que era adaptada también en los teatros. Antes de esto, ella trabajó también con otra compañía de teatro durante cinco meses, sus actuaciones se llevaron a cabo en la Expo 2000 en Hannover, Alemania. En Thiruvananthapuram, ella se reunió con Abdul Salam, un fakir Kalandar musulmana, que se convirtió en su gurú. Con él encontró su vocación musical y que le enseñó sobre el significado de lo espiritual en la música tradicional.


Baul, Parvathy (2005). Song of the Great Soul: An Introduction to the Baul Path. Ekatara Baul Sangeetha Kalari.



Imágenes:

MONTSERRAT EGEA (violonchelo) AMAIA ZIPITRIA (piano)

Concierto Juventudes Musicales



P R O G R A M A


N. Myaskovsky. Cello Sonata No. 2, Op. 81

E. Granados/ G. Cassadó. Intermezzo from Goyescas.

J. Brahms. Scherzo en Do menor (adaptación para Cello y piano)

S. Prokofiev. Adagio from the Ballet Cirendella, Op. 97bis

P. I. Tchaikovsky. Pezzo Capriccioso, Op. 62

G. Cassado. Requiebros




Montserrat Egea - Violoncello
Amaia Zipitria - Piano

Montserrat Egea nace en Toledo en 1997. Comienza sus estudios musicales a la edad de cinco años continuando su formación con los profesores María Casado, Asier Polo y más tarde Michal Dmochowski. Ha sido alumna del Centro Superior del País Vasco, Musikene (2015-2017). Desde el curso académico 2017-2018 es alumna de la Escuela de Música Reina Sofía en la cátedra de Iván Monighetti. Durante su trayectoria formativa ha recibido consejos de los maestros María de Macedo, Stephan Forck, Emil Rovner, Enrico Dindo, Peter Bruns, Philippe Müller, Jens Peter Maintz, Wolfgang Emmanuel Schmidt, Ensemble Modern, entre otros.
En 2016, fue galardonada con el Primer Premio en la modalidad de cuerda del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y el premio EMCY.
Como solista, ha actuado con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Musikene y con la Orquesta Sinfónica de RTVE.
En el ámbito de la música de cámara es miembro del Trío Amets con el que próximamente actuará en la Quincena Musical de San Sebastián y en la Fundación Juan March de Madrid. Es miembro de West-Eastern Divan Orchestra desde 2016. También ha colaborado con la Orquesta Schleswig-Holstein.
Ha obtenido premios en numerosos concursos tanto en el ámbito nacional como internacional. Entre ellos destacan Primer Premio en el Concurso Jóvenes Promesas de Violoncello 'Jaime Dobato Benavente' (2012 y 2014), Tercer Premio en el Concurso Internacional Dotzauer Dresden (2009 y 2013). En 2012, Tercer Premio y Premio al Mejor Intérprete de Cuerda en el Concurso Nacional “Intercentros Melómano”.


Amaia Zipitria Zugasti. Nace en Andoain (Gipuzkoa) . Cursa sus estudios en Andoain con Luis Fraca y Myriam Ulanga, en San Sebastián con Gonzalo Trevijano, en Baiona con Mme. Doué y en el Conservatorio Superior de Rotterdam con Barbara Grajewska. Título superior de piano y música de cámara con las más altas calificaciones.
Como integrante de la J.O.N.D.E (Joven Orquesta Nacional de España) desde 1993 a 1998 y colaboradora de orquestas como R.T.V.E, O.N.E, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, etc. ha sido dirigida por grandes maestros.
Pianista acompañante en la cátedra de violín de Zakhar Bron en la escuela Reina Sofía de Madrid, Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares y otros tantos cursos magistrales. Actualmente es profesora de Repertorio en el Conservatorio Superior del País Vasco Musikene y pianista del Orfeón Donostiarra.
Su labor concertística le lleva a auditorios como el Nacional de Madrid  y Barcelona, Zaragoza, Sevilla, Málaga, Oviedo, Euskalduna de Bilbao, Kursaal, etc.,  y fuera de España en Croacia, Italia, Francia e Inglaterra.
Entre sus grabaciones destaca la Sonata nº2 de Jesús Villa-Rojo junto con el violoncellista Asier Polo (NAXOS) y la versión de grupo de cámara de Babar, Poulenc  con componentes de la Orquesta de Cadaqués (TRITO).


Imágenes:

FERNANDO BARROSO (Galicia)

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI



FERNANDO BARROSO (Galicia)


Fernando Barroso es un músico, compositor y productor gallego, nacido en Ferrol en 1979. Doctorado en Química-Física por la Universidad de Vigo en 2010, desde 2011 se dedica exclusívamente a la producción musical y a la participación en diferentes proyectos musicales en Galicia. Ha formado parte de TRIM y de las bandas Riobó y Budiño, y ha colaborado con artistas de la talla de Anxo Lorenzo, Xabier Díaz o Julio Pereira. También formó parte de la mítica banda paratradicional ferrolana Os Cempés durante su última etapa, también co-fundador del trío internacional Assembly Point con Eoghan Neff y Luís Peixoto. Con este último ha co-producido otros trabajos como POP (2013) o TRIM (2014), además de producir discos para otros artistas (Andrés Penabad, RIU, Wanderer...). En 2016 también formó parte del laboratorio creativo NEXO, dirigido por Donald Shaw, junto con músicos de distintos países de América y Europa. Su bagaje internacional a lo largo de estos años le ha llevado a tocar en importantes palcos de todo el mundo, con diversas bandas y proyectos personales, y que desemboca en el inicio de su carrera en solitario, presentando su primer disco Intropía en 2016 y este nuevo trabajo Silence lovers club – Mandolin pieces, con
lanzamiento en enero de 2018. Entre otros galardones ha recibido recientemente el “Premio Opinión ao Mellor Artista Galego 2016”.

Imágenes:

TRÍO ARNICHES (clarinete, viola y piano)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la entrada.


TRÍO ARNICHES
Paula Romero Rodrigo, viola
Jorge Ripoll Ivorra, clarinete
Carlos Sanchis Aguirre, piano


Participantes en los últimos ciclos dedicados a las jóvenes promesas de la música de cámara el Trío Arniches debuta en el Auditorio Nacional y el Palau de la Música, estrenando en este último una obra del compositor A.G. Planells, encargada expresamente para la ocasión.

Reciben su formación como trío de mano de grandes músicos del panorama camerístico como el Cuarteto Quiroga, Kennedy Moretti y Luis del Valle entre otros, recibiendo grandes críticas y valoraciones.
Su repertorio abarca una amplia variedad de estilos y épocas, desde el Clasicismo del siglo XVIII hasta las últimas vanguardias del siglo XX, interesándose además por la música de creación actual. Desde su formación actúan en diversas salas de conciertos tales como la sala Luis Galve del Auditorio de Zaragoza, la sala Luzán de la CAI o la Fundación Juan March de Madrid.

Sus miembros desarrollan una importante actividad orquestal y camerística en formaciones como la Gustav Mahler Jugend Orchester, The World Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Berner Symphonie Orchester o la Schleswig-Holstein Musik festival, y actualmente compaginan sus estudios en el extranjero realizando conciertos en diferentes puntos de la geografía europea.


Programa

Trio en Mi bemol Mayor "Kegelstatt" , W.A.Mozart

- 8 piezas para Clarinete, Viola y Piano (seleccón piezas II y VI) op. 83, M. Bruch

- Deep Web, Adrián García Planells

-Trio para Clarinete, Viola, Piano (1990), J. Françaix



Imágenes:

KEBYART ENSEMBLE (cuarteto de saxofones)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en la taquilla del Teatro

CONCIERTOS A.I.E. CLÁSICOS

KebyartEnsemble

Pere Méndez- Saxo soprano
Víctor Serra- Saxo alto
Robert Seara- Saxo tenor
Daniel Miguel- Saxo barítono


“Un cuarteto no solo sincronizado hasta el extremo y en plenísima forma interpretativa, sino también unos músicos capaces de traspasar la perfección técnica para llegar a la comunicación musical” - Revista Musical Catalana. Palau de la Música, 3 de noviembre de2016.

Creado en ESMuC el año 2014 por estos cuatro jóvenes, fueron inicialmente guiados por Nacho Gascón. También han seguido consejos de músicosreconocidos como Kennedy Moretti, el Cuarteto Casals, Vincent David, Jordi Francés, David Albet, Albert Julià y el EnsembleSquillante.

Inspirados por la riqueza tímbrica, rítmica y estilística de la música tradicional de Indonesia deciden unir las palabras kebyar+art, siendo el Gamelan Gong Kebyar uno de los conjuntos instrumentales de la isla de Bali. Como otras músicas orientales, han influido enormemente en la estética de obras de autores de lossiglos XX yXXI.

Son los actuales ganadores del ciclo “El Primer Palau” que ofrece a los jóvenes intérpretes la oportunidad de debutar en la Sala de Conciertos del Palau de la Música Catalana. En 2016 también han sido premiados con el prestigioso Premi de Música Cambra Montserrat Alavedra - Premio BBVA de música. El año 2015 obtuvieron el segundo premio de la 84ª edición del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y anteriormente han recibido el primer premio en el X Concurso Internacional de Música de Cámara HiginiAnglès.

Durante el periodo 2016 - 2018 realizan una gira de conciertos por España gracias a Juventudes Musicales de España y ya han pasado por Andalucía. Este año también han realizado una gira por Rusia, próximamente actuarán en múltiples salas de Cataluña y grabarán su primer trabajo discográfico. Están programados en la próxima temporada del Palau de la Música Catalana y del Auditori de Barcelona, y seguirán dando conciertos en el extranjero.



TETRAFONÍA

Kebyart Ensemble
P r o g r a m a:

Introducción: polifonía de la Escuela de Notre-Dame (s. XII i XIII)
Vue sur les jardins interdits(1973) – Henri Pousseur (1929-2009)
Cuarteto para saxofones op. 109 (1932) – Aleksandr Glazunov (1865-1936)
Canzona variée
-Thema- Andante
-1ère variation- même mouvement
-4ème variation- à la Chopin, Allegretto
-5ème variation- Scherzo-Presto
      Finale
Estris de llum (2017) - Joan Magrané (1988)
París 1918 – Claude Debussy (1862-1918)/Kebyart Ensemble
-Prélude de la  Suite Bergamasque (1890)
-Menuet de la Petite Suite (1886-1889)
-Little Shepherd de la Suite Children’s corner (1906-1908)
-Golliwog's Cake-Walk de la Suite Children’s corner (1906-1908)

Descripción:
Entre los siglos XII y XIII, la catedral de Notre-Dame de París se convirtió en el foco de una escuela de música que, con sus innovaciones, marcó la historia musical europea posterior. El principal cambio fué que empezaron a escribir más de una voz a la vez, dando paso al nacimiento de la polifonía, es decir, la interacción simultánea entre dos o más líneas melódicas diferentes. Este hecho, aparentemente simple, guió la evolución musical occidental hasta nuestros días. Obras como Estris de llum del reusense Joan Magrané y Vue sur les jardins interdits de Henri Pousseur son deudores de este pensamiento polifónico en mayúscula. El Cuarteto para saxofones del ruso Aleksandr Glazunov es una de las obras icónicas del repertorio original para cuarteto de saxofones que, inspirada en la escritura de cuarteto de cuerda, nos ofrece una música bellísima con reminiscencias de la polifonía tradicional rusa. Para cerrar el programa, vamos a oír una suite elaborada en motivo del centenario de la muerte del célebre compositor Claude Debussy. Esta es una recopilación de algunos de los movimientos de tres de las suites más importantes que el compositor escribió para piano. El propio Kebyart ha hecho la transcripción a las cuatro voces.
En definitiva, cuatro saxofones interactuando y dialogando a la vez. Disfrutemos la tetra-fonía.

Imágenes:

KEBYART ENSEMBLE (cuarteto de saxofones)


CONCIERTO JUVENTUDES MUSICALES

KebyartEnsemble

Pere Méndez- Saxo soprano
Víctor Serra- Saxo alto
Robert Seara- Saxo tenor
Daniel Miguel- Saxo barítono


“Un cuarteto no solo sincronizado hasta el extremo y en plenísima forma interpretativa, sino también unos músicos capaces de traspasar la perfección técnica para llegar a la comunicación musical” - Revista Musical Catalana. Palau de la Música, 3 de noviembre de2016.

Creado en ESMuC el año 2014 por estos cuatro jóvenes, fueron inicialmente guiados por Nacho Gascón. También han seguido consejos de músicosreconocidos como Kennedy Moretti, el Cuarteto Casals, Vincent David, Jordi Francés, David Albet, Albert Julià y el EnsembleSquillante.

Inspirados por la riqueza tímbrica, rítmica y estilística de la música tradicional de Indonesia deciden unir las palabras kebyar+art, siendo el Gamelan Gong Kebyar uno de los conjuntos instrumentales de la isla de Bali. Como otras músicas orientales, han influido enormemente en la estética de obras de autores de lossiglos XX yXXI.

Son los actuales ganadores del ciclo “El Primer Palau” que ofrece a los jóvenes intérpretes la oportunidad de debutar en la Sala de Conciertos del Palau de la Música Catalana. En 2016 también han sido premiados con el prestigioso Premi de Música Cambra Montserrat Alavedra - Premio BBVA de música. El año 2015 obtuvieron el segundo premio de la 84ª edición del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y anteriormente han recibido el primer premio en el X Concurso Internacional de Música de Cámara HiginiAnglès.

Durante el periodo 2016 - 2018 realizan una gira de conciertos por España gracias a Juventudes Musicales de España y ya han pasado por Andalucía. Este año también han realizado una gira por Rusia, próximamente actuarán en múltiples salas de Cataluña y grabarán su primer trabajo discográfico. Están programados en la próxima temporada del Palau de la Música Catalana y del Auditori de Barcelona, y seguirán dando conciertos en el extranjero.



TETRAFONÍA

Kebyart Ensemble
P r o g r a m a


Introducción: polifonía de la Escuela de Notre-Dame (s. XII i XIII)
Vue sur les jardins interdits(1973) – Henri Pousseur (1929-2009)
Cuarteto para saxofones op. 109 (1932) – Aleksandr Glazunov (1865-1936)
Canzona variée
-Thema- Andante
-1ère variation- même mouvement
-4ème variation- à la Chopin, Allegretto
-5ème variation- Scherzo-Presto
      Finale
Estris de llum (2017) - Joan Magrané (1988)
París 1918 – Claude Debussy (1862-1918)/Kebyart Ensemble
-Prélude de la  Suite Bergamasque (1890)
-Menuet de la Petite Suite (1886-1889)
-Little Shepherd de la Suite Children’s corner (1906-1908)
-Golliwog's Cake-Walk de la Suite Children’s corner (1906-1908)

Descripción:
Entre los siglos XII y XIII, la catedral de Notre-Dame de París se convirtió en el foco de una escuela de música que, con sus innovaciones, marcó la historia musical europea posterior. El principal cambio fué que empezaron a escribir más de una voz a la vez, dando paso al nacimiento de la polifonía, es decir, la interacción simultánea entre dos o más líneas melódicas diferentes. Este hecho, aparentemente simple, guió la evolución musical occidental hasta nuestros días. Obras como Estris de llum del reusense Joan Magrané y Vue sur les jardins interdits de Henri Pousseur son deudores de este pensamiento polifónico en mayúscula. El Cuarteto para saxofones del ruso Aleksandr Glazunov es una de las obras icónicas del repertorio original para cuarteto de saxofones que, inspirada en la escritura de cuarteto de cuerda, nos ofrece una música bellísima con reminiscencias de la polifonía tradicional rusa. Para cerrar el programa, vamos a oír una suite elaborada en motivo del centenario de la muerte del célebre compositor Claude Debussy. Esta es una recopilación de algunos de los movimientos de tres de las suites más importantes que el compositor escribió para piano. El propio Kebyart ha hecho la transcripción a las cuatro voces.
En definitiva, cuatro saxofones interactuando y dialogando a la vez. Disfrutemos la tetra-fonía.

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ERIC BLAKELY (USA)

Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI


Eric Blakely ha editado varios trabajos en USA a lo largo de su extensa carrera : " Still life at full speed" , " Payne antologhy " , "Levity" , "Groving into my fathers clothes " o "Uncle Johnes farm" entre otros . En ellos deja ver sus inflencias de lo mejor de la musica americana : pinceladas de country , blues o simplemente buenas canciones con toques pop y rock
Excelente guitarrista , cantante y muy acertado compositor ha desarrollado su vida y su carrera entre Berkely ( California ) , Austin ( Texas ) y actualmente reside en Paris
En el 2009 participo en la gira Kings of Power POp junto a Paul Collins ( The Nerves , The Beat ) y John Wicks ( The Records )
En el 2016 edito con su banda The Bottle Kids el LP " Such a Thrill " y ahora esta a punto de salir , también con esta formación , su nuevo trabajo bajo el titulo "Let me into this action " . Con esta formación deja ver más sus influencias más power pop / new wave , se pueden ver ecos de Big Star, Rapsberries o los mismisimos The Knack.

Imágenes:

MONTSERRAT EGEA (violonchelo) AMAIA ZIPITRIA (piano)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en el conservatorio


Concierto Juventudes Musicales


P R O G R A M A


N. Myaskovsky. Cello Sonata No. 2, Op. 81

E. Granados/ G. Cassadó. Intermezzo from Goyescas.

J. Brahms. Scherzo en Do menor (adaptación para Cello y piano)

S. Prokofiev. Adagio from the Ballet Cirendella, Op. 97bis

P. I. Tchaikovsky. Pezzo Capriccioso, Op. 62

G. Cassado. Requiebros




Montserrat Egea - Violoncello
Amaia Zipitria - Piano


Montserrat Egea nace en Toledo en 1997. Comienza sus estudios musicales a la edad de cinco años continuando su formación con los profesores María Casado, Asier Polo y más tarde Michal Dmochowski. Ha sido alumna del Centro Superior del País Vasco, Musikene (2015-2017). Desde el curso académico 2017-2018 es alumna de la Escuela de Música Reina Sofía en la cátedra de Iván Monighetti. Durante su trayectoria formativa ha recibido consejos de los maestros María de Macedo, Stephan Forck, Emil Rovner, Enrico Dindo, Peter Bruns, Philippe Müller, Jens Peter Maintz, Wolfgang Emmanuel Schmidt, Ensemble Modern, entre otros.
En 2016, fue galardonada con el Primer Premio en la modalidad de cuerda del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y el premio EMCY.
Como solista, ha actuado con orquestas como la Orquesta Sinfónica de Musikene y con la Orquesta Sinfónica de RTVE.
En el ámbito de la música de cámara es miembro del Trío Amets con el que próximamente actuará en la Quincena Musical de San Sebastián y en la Fundación Juan March de Madrid. Es miembro de West-Eastern Divan Orchestra desde 2016. También ha colaborado con la Orquesta Schleswig-Holstein.
Ha obtenido premios en numerosos concursos tanto en el ámbito nacional como internacional. Entre ellos destacan Primer Premio en el Concurso Jóvenes Promesas de Violoncello 'Jaime Dobato Benavente' (2012 y 2014), Tercer Premio en el Concurso Internacional Dotzauer Dresden (2009 y 2013). En 2012, Tercer Premio y Premio al Mejor Intérprete de Cuerda en el Concurso Nacional “Intercentros Melómano”.


Amaia Zipitria Zugasti. Nace en Andoain (Gipuzkoa) . Cursa sus estudios en Andoain con Luis Fraca y Myriam Ulanga, en San Sebastián con Gonzalo Trevijano, en Baiona con Mme. Doué y en el Conservatorio Superior de Rotterdam con Barbara Grajewska. Título superior de piano y música de cámara con las más altas calificaciones.
Como integrante de la J.O.N.D.E (Joven Orquesta Nacional de España) desde 1993 a 1998 y colaboradora de orquestas como R.T.V.E, O.N.E, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, etc. ha sido dirigida por grandes maestros.
Pianista acompañante en la cátedra de violín de Zakhar Bron en la escuela Reina Sofía de Madrid, Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares y otros tantos cursos magistrales. Actualmente es profesora de Repertorio en el Conservatorio Superior del País Vasco Musikene y pianista del Orfeón Donostiarra.
Su labor concertística le lleva a auditorios como el Nacional de Madrid  y Barcelona, Zaragoza, Sevilla, Málaga, Oviedo, Euskalduna de Bilbao, Kursaal, etc.,  y fuera de España en Croacia, Italia, Francia e Inglaterra.
Entre sus grabaciones destaca la Sonata nº2 de Jesús Villa-Rojo junto con el violoncellista Asier Polo (NAXOS) y la versión de grupo de cámara de Babar, Poulenc  con componentes de la Orquesta de Cadaqués (TRITO).

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DOGO

DOGO Spoken Word Show  "Intronautica aplicada"


Entradas (6 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

DOGO vuelve a los escenarios. Justo este año se cumplen 30 años de la edición de su primer disco "Ansia" junto a sus queridos Mercenarios
Muchas cosas han pasado desde entonces: tras unos años de frenética actividad y tres discos memorables vinieron otros tiempos más oscuros e inactivos musicalmente.

Hoy en día Diego Fuentes, Dogo , se encuentra mejor que nunca y ha fijado su residencia en León . Tras alguna aparición esporádica por los escenarios ahora ha montado una banda con la que está dispuesto a sacar brillo a lo mejor de su repertorio. Le acompañan músicos de mala reputación que antes lo han hecho con bandas de la talla de Paul Collins Beat, Peralta, Platillos Volantes, Señor No, o actualmente con Kurt Baker Combo. Precisamente junto a estos últimos pudimos ver a un Dogo en el Monkey Week derrochando carisma, clase y mucho rock & roll caliente.
Esta vez nos presenta el espectáculo  DOGO Spoken Word Show  "Intronautica aplicada"

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COREY HARRIS (USA)

Entradas (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.
50% de descuento: miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI


Harris nació en Denver, Colorado, el 21 de febrero de 1969, y comenzó a tocar la guitarra a los 12 años, después de escuchar los discos de Lightnin 'Hopkins de su madre. Tocó en una banda del rock & roll en la escuela secundaria, y desarrolló sus habilidades de cantante en su iglesia. Hizo estudios universitarios en el Bates College en Maine (donde se especializó en antropología). Después Harris viajó a Camerún para estudiar la lingüística africana; durante su estancia allí, absorbió toda la música africana posible, dejándose seducir por sus complejos polirritmos. Después de regresar a los Estados Unidos, Harris enseñó inglés y francés en Napoleonville, Louisiana, y durante su tiempo libre tocó en los clubes, cafés y esquinas de la cercana Nueva Orleans.

Alcanzó una cierta reputación local que le ganó un contrato con Alligator Records. En 1995, Alligator lanzó el álbum de debut de Harris, "Between Midnight and Day", solo con su guitarra que ilustró su dominio de diversas variaciones en el estilo Delta blues. El álbum incluía versiones de Sleepy John Estes, Fred McDowell, Charlie Patton, Muddy Waters, y Bukka White. El disco tuvo buenas críticas señalando a Harris como nueva promesa en la escena del blues. Ello le permitió actuar de telonero de la ex-cantante de 10.000 Maniacs, Natalie Merchant.

Su siguiente álbum fue 'Fish Is not Bitin', publicado en 1997, un disco en que ampliaba el acompañamiento añadiendo una sección de viento de estilo Nueva Orleans en varias pistas, mientras que enfatizaba sus propias composiciones originales.

En 1999, Harris lanzó el álbum Greens from the Garden que la mayoría de los críticos consideraron su mejor disco hasta entonces. El disco fue un gran éxito y profundizó en el funk y el R & B de Nueva Orleans. El resultado fue un caleidoscopio de estilos musicales negros que le dieron a Harris una atención más generalizada por un público más amplio que lo comenzó a ver como el heredero de Taj Mahal. Con uno de los colaboradores en el disco anterior, el veterano pianista Henry Butler, grabó a dúo un álbum, publicado en 2000, titulado 'Vu-Du Menz', en que se acercaba al jazz y el blues primitivo.

A continuación Harris dejó Alligator por el sello Rounder, y debutó para su nuevo sello en 2002 con 'Downhome Sofisticate', un álbum ecléctico que exploró sus influencias africanas y añadió música latina a su paleta de sonidos. Otros dos álbumes siguieron en Rounder, el maravilloso 'Mississippi to Mali' en 2003 y 'Daily Bread' en 2005, que lo consagraron como uno de los mejores bluesman acústicos contemporáneos.

En 2003, Harris fue un artista destacado y narrador de la película de Martin Scorcese, 'Feel Like Going Home', de la aclamada serie de televisión de la PBS, "The Blues", que trazó la evolución del blues desde el oeste de África al sur de los EE.UU. En 2007, fue galardonado con una MacArthur Fellowship - "Genius award" - de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur. La beca anual, que reconoce a individuos de una amplia gama de disciplinas que muestran creatividad, originalidad y compromiso con el trabajo innovador continuo, describió a Harris como un artista que "forja un camino aventurero marcado por un eclecticismo deliberado".

Siguiendo con su exploración musical, Harris volvió a Jamaica y a las raíces reggae para su siguiente álbum, 'Zion Crossroads', que fue lanzado en 2007 en Telarc Records. Un segundo álbum en Telarc, 'Blu Black', apareció en 2009 con Harris continuando en la órbita de la música jamaicana. En 2013 publicó 'Fulton Blues' en que Harris vuelve a la interpretación de sus formas híbridas de blues en un conjunto interesante de temas.

Corey Harris vive actualmente en Virginia, realizando giras musicales frecuentemente y ensalzando la tradición clásica africana de la música blues; así mismo, ha organizado varios programas en varias emisoras de radio del área de Virginia central.
Corey ayudó a Billy Bragg y Wilco a componer la música de la canción "Hoodoo Voodoo" para el disco "Mermaid Avenue", el cual consistía en canciones cuyas letras habían sido escritas por Woody Guthrie; también colaboró como músico en dicho disco y en el posterior, "Mermaid Avenue Vol. II". Corey recibió, en 2007, un doctoradohonorífico de la universidad Bates College.
 
Corey Harris ha conseguido ser uno de los pocos bluesmen contemporáneos capaces de encauzar del blues acústico del Delta sin buscar solo la autenticidad historicista.​ Junto con Keb 'Mo', Eric Bibb, Otis Taylor, Guy Davis y Alvin "Youngblood" Hart, marcó el renacimiento del blues acústico a mediados de los años noventa. Como instrumentista es un virtuoso de la guitarra acústica de blues, que había sido relegada durante años por la guitarra eléctrica predominante en el Blues de Chicago. Su estilo mezcla una variedad considerable de influencias - de New Orleans al Caribe y a África - en su música.

Corey Harris ha actuado, grabado, y ha viajado con nombres como BB King, Taj Mahal, Buddy Guy, R.L.Burnside, Ali Farka Toure, Dave Matthews Band, Tracy Chapman, Olu Dara y muchos otros. Con un pie en la tradición y el otro en la experimentación contemporánea, Harris es una voz verdaderamente única en la música contemporánea.
Sus grabaciones exploran la fusión del blues acústico con la música de tradición yoruba, rhythm & blues, reggae, música cajún, o el bolero. Estas grabaciones tienen precedentes en las sesiones de grabación de el maliense Ali Farka Touré y el estadounidense Ry Cooder. Y también en las de Taj Mahal con el korista guineano Toumani Diabate.


Discografía

    1995: Between Midnight and Day (Alligator)
    1997: Fish Ain't Bitin (Alligator)
    1999: Greens from the Garden (Alligator)
    2000: Vu-Du Menz (Alligator)
    2001: Live at Starr Hill
    2002: Downhome Sophisticate (Rounder)
    2003: Mississippi to Mali (Rounder)
    2005: Daily Bread (Rounder)
    2007: Zion Crossroads (Telarc)
    2009: blu.black (Telarc)
    2011: Father Sun Mother Earth (Njumba)
    2012: Believe
    2012: Motherless Child (Lutan Fyah)
    2013: Fulton Blues
    2013: Rasta Blues Experience Live
    2014: Fulton Blues (Deluxe Edition)
    2015: Live! from Turtle Island


Imágenes:

GAZAL, presenta el disco: “Mil caballitos persas”

Entradas (6 €): a partir de una hora antes  en la taquilla del teatro

VENTA ANTICIPADA: desde el jueves 15 de marzo en: RET MARUT | BAR EL SIETE | TABERNA BAR "EL CUERVO"

50% de descuento (*esclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del Carné Universitario y DNI


MÚSICA Y POESÍA DE FEDERICO GARCÍA LORCA

www.gazalmusicapoesia.com


Gazal Musica Poesía Española

Gazal Musica Poesía es un dúo musical que crea canciones con poesías de todas las épocas y autores. El canto y la guitarra de Diana Trigueros (Madrid) y las flautas irlandesas de Ignacio Martínez (León), además de los tambores y panderos, acercan el sentido y la sensibilidad de la poesía a todos los públicos.
Presentan el disco Mil Caballitos Persas, con poesías de Federico García Lorca.

Imágenes:

POLAROIDS, presenta el disco: “Los territorios soñados”

Entradas (6 €): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro

VENTA ANTICIPADA:www.facebook.com/polaroids.es/    www.Instagram.com/polaroidsmusic/

50% de descuento (*esclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del Carné Universitario y DNI


POLAROIDS

La banda leonesa presenta  por fin su trabajo grabado en los míticos estudios Abbey Road de Londres a finales del pasado mes de diciembre, lo que les ha convertido en el primer grupo de la comunidad autónoma en grabar en los estudios más importantes del planeta.
Grabado a caballo entre  Londres y España, "Los Territorios Soñados" es un auténtico tour de force para la banda, en el que se despliega de manera exquisita las amplias influencias musicales  del quinteto (desde el britpop de los 90 con ecos a The Verve, Oasis o Travis hasta  el folk más íntimo y acústico de los primeros discos de Bon Iver o  Mumford and Sons).
Distribuido conceptualmente en dos caras -Cara A: Londres, Cara B: León-  el álbum contiene 11 temas producidos por Juan Marigorta (Quique González, Fabián) y Pepe López (Pájaro Sunrise), y cuenta además con la colaboración de los ingenieros de sonido Chris Bolster (Paul McCartney, Oasis, Foo Fighters, Coldplay) y Stefano Civetta (PJ Harvey, Ed Sheeran, Bruno Mars).
El concierto de presentación tendrá lugar en el Teatro Albéitar de León, y durante el mismo se proyectarán imágenes de la grabación en Londres y el videoclip de adelanto del single “Los territorios soñados”, dirigido por Juan Marigorta.

Imágenes:

DIEGO VASALLO GRUPO

ENTRADAS (8 €): a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro

50% de descuento: miembros de la comunidad universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI


DIEGO VASALLO
El donostiarra Diego Vasallo presenta su último trabajo “Baladas de un Autorretrato” un paso más en su reivindicable y estupenda carrera en solitario al margen de Duncan Dhu.
Diego Vasallo es músico y pintor de formación autodidacta.
En 1984 fundó junto a Mikel Erentxun y Juan Ramón Viles la banda Duncan Dhu, con la que ha grabado nueve discos y realizado giras de conciertos tanto en España como en Europa y México durante más de veinte años. En 2001 el grupo paró su actividad hasta 2013, en el que hubo una reunificación para publicar un mini L.P. de canciones nuevas titulado El Duelo (Warner 2013) y se realizaron dos giras de conciertos en 2014 y 2016.
En 1991 inicia un proyecto musical con claras influencias de sonidos 80’s, pop sintético, soul, tecno, y rhythm’blues bautizado como Cabaret Pop, con el que grabó los discos: Cabaret Pop (Warner 1991), Realidad Virtual de Rock’roll (Warner 1992) y Diego Vasallo y El Cabaret Pop (Warner 1995). Bajo este nombre se realizaron además numerosos conciertos con distintas formaciones de músicos.
En 1997 inicia su carrera en solitario ya bajo su propio nombre, publicando seis discos hasta la fecha: Criaturas (Warner 1997), Canciones de Amor Desafinado (Warner 2000), Los Abismos Cotidianos (Warner 2005), La Huellas Borradas (Warner 2006), Canciones en Ruinas (Warner 2010), y el último hasta la fecha, Baladas para un Autorretrato (Subterfuge 2016). Además ha publicado un disco-libro coeditado con Suso Saiz, El Cuaderno de Pétalos de Elefante (El europeo, 2002) y un álbum junto al poeta Roger Wolfe, La Máquina del Mundo (Warner, 2006). En esta etapa en solitario de su carrera, su música se caracteriza por una búsqueda de la introspección sonora y un mayor peso de los textos en las canciones, acercando las sonoridades del folk, el blues y el rock’roll a un universo personal más literario.
En todos estos años ha realizado varias giras de conciertos en España, actuando en numerosas salas y teatros con diversas bandas de acompañamiento. Actualmente se encuentra presentando su último disco Baladas para un Autorretrato.

Video
https://goo.gl/wtp9eK


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LORE AMENÁBAR (acordeón)

Invitaciones: a partir de quince minutos antes del concierto en taquilla

LORE AMENABAR
Nace en Irura en 1995. A la edad de 8 años inicia sus estudios de acordeón y en 2009 pasa a ser alumna de Salvador Parada en el Conservatorio Francisco Escudero de San Sebastián. En 2013 comienza el Grado Superior con Matti Rantanen en Helsinki.
Estos son algunos de los premios que ha conseguido tanto a nivel individual como en música de cámara: Primer premio en el “Concurso de Acordeón de Arrasate” en categoría Infantil (2008) y Junior (2011); primer premio en el concurso de “Jóvenes Músicos de Euskadi” a nivel individual y segundo en música de cámara junto al clarinetista Iván Arostegui en 2013. Además, participó en la grabación de la obra de Francisco Escudero “Fantasía Geosinfónica” bajo la batuta de Iñaki Alberdi en 2010. En 2015 consiguió el cuarto puesto en “Klingenthal Accordion Competition”. Además, en 2016 interpretó la Premier de Helsinki de la obra “Niin kauan minä trampaan” de Paavo Korpijaakko junto al cuarteto de cuerdas de la Filarmónica de Helsinki. Finalmente, acaba de obtener el primer premio en el concurso Juventudes Musicales de España.
Actualmente, continúa sus estudios de postgrado en Sibelius Akatemia con el profesor Mika Väyrynen.


EXPERIENCES
Obras de:
Prière Op. 20 - C. Franck (12´)
Vento Op.58 - J. Kaipainen (12´)
Cuatro Diferencias (I, II, IV) - G. Erkoreka (8´)
Chacona en Fa menor – J. Pachelbel (10´)
Mephisto Maze – V. Kujala (10´)

Imágenes:

LORE AMENÁBAR (acordeón)

LORE AMENABAR
Nace en Irura en 1995. A la edad de 8 años inicia sus estudios de acordeón y en 2009 pasa a ser alumna de Salvador Parada en el Conservatorio Francisco Escudero de San Sebastián. En 2013 comienza el Grado Superior con Matti Rantanen en Helsinki.
Estos son algunos de los premios que ha conseguido tanto a nivel individual como en música de cámara: Primer premio en el “Concurso de Acordeón de Arrasate” en categoría Infantil (2008) y Junior (2011); primer premio en el concurso de “Jóvenes Músicos de Euskadi” a nivel individual y segundo en música de cámara junto al clarinetista Iván Arostegui en 2013. Además, participó en la grabación de la obra de Francisco Escudero “Fantasía Geosinfónica” bajo la batuta de Iñaki Alberdi en 2010. En 2015 consiguió el cuarto puesto en “Klingenthal Accordion Competition”. Además, en 2016 interpretó la Premier de Helsinki de la obra “Niin kauan minä trampaan” de Paavo Korpijaakko junto al cuarteto de cuerdas de la Filarmónica de Helsinki. Finalmente, acaba de obtener el primer premio en el concurso Juventudes Musicales de España.
Actualmente, continúa sus estudios de postgrado en Sibelius Akatemia con el profesor Mika Väyrynen.


EXPERIENCES
Programa
Prière Op. 20 - C. Franck (12´)
Vento Op.58 - J. Kaipainen (12´)
Cuatro Diferencias (I, II, IV) - G. Erkoreka (8´)
Chacona en Fa menor – J. Pachelbel (10´)
Mephisto Maze – V. Kujala (10´)

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III MEMORIAL DIEGO PÉREZ. BANDA DE MÚSICA DE LA SOCIACIÓN DE ESCUELAS MUNICIPALES DE MÚSICA DE LEÓN Y BANDA DE MÚSICA JUVENTUDES MUSICALES UNIVERSIDAD DE LEÓN

ENTRADA LIBRE (Se realizará control de aforo en el acceso)


ESTRENO THE GOST SHIP

José Alberto Pina

bajo la dirección del propio compositor


Programa

 

1º Parte

·         ELS POBLEST ............................................…  Miguel Torrens.

·         GLADIATOR .................................................... Frank Bernaert.

·         PIRATAS DEL CARIBE ..... Klaus Badelt/ Arr. M. Sweeney

*    DIRECTOR

      ALBERTO ESPADAS GARCÍA

 

 

·         CASCANUECES ..... Tckaikosky/ Arr. Kenneth Henderson.

·         BATMAN ........................... Danny Elfman/ Arr. Eric Wilson.

·         CONTRASTO GROSSO ................................. Jacob de Haan.

*  DIRECTOR

JAIRO DEL RÍO GARCÍA

 

2º Parte

·         La Isla de la Luz ---- Alberto Pina

·         The Ghost Ship ---- Alberto Pina

*  DIRECTOR

Luis Martínez García de Longoria

Imágenes:


EL NAÁN

ENTRADAS (8 €): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del Teatro.

50% de descuento: Comunidad Universitaria, previa presentación de carné universitario y DNI

Descarga el DOSSIER del NAÁN  en este pdf

Imágenes:
Archivos adjuntos:

FORMAN'S DRIVEWAY

ENTRADAS (8): a partir de una hora antes del concierto en la taquilla del teatro
VENTA ANTICIPADA. Desde el martes 9 de mayo en: Bar Belmondo. La Buscona C/ San Lorenzo nº1
50% de descuento (*exclusivamente en taquilla): miembros de la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI



Forman’s Driveway es el nombre tras el que se esconde el interior de Mario J. Delgado (Madrid, 1981), integrante de diferentes grupos en la escena nacional y leonesa, donde está afincado desde hace años. Fan efervescente de los setenta y la vida contemplativa de las pequeñas ciudades en las que se inspira su música, Forman’s Driveway es creado en 2011 como proyecto en solitario.

Mario J. Delgado combina elementos electrónicos en sus bases con canciones de corte tradicional basadas en potentes sonidos  de guitarra eléctrica, que beben del blues de los setenta y el alt country independiente de finales de los noventa, teniendo entre sus referentes grupos como: Whiskeytown, Songs: Ohia y la innegable sonoridad en sus guitarras de Hendrix, Ray Vaughan o Peter Green entre otros.
En sus directos se incorporan a las filas de esta formación los leoneses: Alex Modia (Batería), María González Arija (Voz), Carlos Arede (Bajo).

Su Ep homónimo, compuesto por siete canciones procedentes de etapas pasadas, ha sido elegido mejor disco editado Demoscópicos 2017 Mondo sonoro (Castilla y León-Galicia).

- Tradición y vanguardia cohabitan en plena armonía dentro del debut de Mario Delgado al frente de este proyecto en el que en compañía de otros músicos va tejiendo con gran riqueza instrumental  distintas capas sonoras sobre las que deslizar su voz, y cómo sucede en Runnin’Out, conmoverte sin remisión.

https://www.facebook.com/FormansDriveway/

https://soundcloud.com/formansdriveway/

https://vimeo.com/formansdriveway

http://formansdriveway.com

Forman’s Driveway se define con el imposible apelativo de ‘pseudocountryfunkypopstoper’, lleno a rebosar “de canciones bonitas y diversión para todos los públicos”

Imágenes:

CORO de la UNIVERSIDAD de BURGOS & CORO “ÁNGEL BARJA” JJMM-ULE

P R O G R A M A


CORO “ÁNGEL BARJA” JJMM-ULE

J. Gutiérrez de Padilla
Domine ad adiuvandum me

C. V. Stanford
Beati quorum via (Salmo CXIX) op. 38

Texto: S. Groves. Ad. coral: S. LaBarr
Fly
Solista: Caroline Gowen

J. Busto/ P. Neruda
Soneto LXVI

Adap. coral: J. Hairston
Elijah rock

D. Paich -J.Porcaro. Ad. coral: P. Lawson
África (Toto)

Josu Elberdin
Segalariak

CORO de la UNIVERSIDAD de BURGOS

J. Busto/ P.M. Sancho
Hilando el sueño

C. Guastavino/ A. Vázquez
Bonita rama de sauce

E. Sanz/ L. Felipe
Más sencilla

J. Centeno
Da pacem, Domine
Solistas: Lucía Alejos y Susana Saiz

C. Guastavino/ R. Alberti
Se equivocóla paloma

A. Yagüe
Si fueras mía
Solista: Maddie Sapp

J. Busto/ F. Pino
Esta tierra

J. Centeno/ M. Benedetti
Necesito tu voz


CORO de la UNIVERSIDAD de BURGOS & CORO “ÁNGEL BARJA” JJMM-ULE

A. Ramírez/ Ad. Coral: A. Barja/ F. Luna
Alfonsina y el mar

Imágenes:

MARÍA TORO GROUP

Invitaciones: a partir de media hora antes del concierto en la taquilla del teatro.

Descarga DOSSIER con toda la INFORMACIÓN en el siguiente pdf adjunto

Imágenes:
Archivos adjuntos:

Carlos Marín. Concierto de piano


Carlos Marín. Concierto de piano

Carlos Marín (Madrid, 1994) ha sido descrito por la crítica española como un pianista de “poderosa técnica”,  “refinada  musicalidad” y “madurez musical sorprendente” (Mundo Clásico, Roberto San Juan). El programa está inspirado en la fascinación entre Albéniz por Liszt y del compositor húngaro por lo español.

Organizado con Juventudes Musicales de España y el Secretariado de Actividades Culturales de la Universidad de León, con el apoyo deInaem, Injuve, Generalitat de Catalunya-Dept. de Cultura, AIE, la ayuda de Fundación SGAE y la colaboración del Conservatorio Cristóbal Halffter

Más información: www.jmconciertos.com



Imágenes:

CONCIERTO FIN DE CURSO JUVENTUDES MUSICALES

ENTRADA GRATUITA, control de aforo en el acceso


CORO JUVENIL “ÁNGEL BARJA”

Ola Gjeilo
Ubi Caritas
(con improvisación del piano)

Gunnar Eriksson
To The mothers in Brazil (Salve Regina)

Jake Runnestad
Nyon Nyon

Albert Hernández
Goza mi Calipso

Elena Fernández Delgado y Aitor Olivares Garcia, Directores
Antonio Escoriza, piano



ORQUESTA
JUVENTUDES MUSICALES
UNIVERSIDAD DE LEÓN


J. Sibelius
Valse Triste
de la música incidental para Kuolema Op. 44

Coro "Ángel Barja" JJMM-ULE & Orquesta JJMM-ULE
G. F. Haendel
Tres coros de la segunda parte de El Mesías HVW 56
(Arr. W. A. Mozart K. 572)
Behold the Lamb of God
Lift up your heads, O ye gates
Hallelujah

Juan Luis García Diez, Director


CORO “ÁNGEL BARJA”
JUVENTUDES MUSICALES
UNIVERSIDAD DE LEÓN


Arvo Pärt
Bogoroditse Djévo

Josep Vila i Casañas
In Paradisum

Sara Groves (Arr: Susan LaBarr)
Fly

Ariel Ramírez (Arr. Ángel Barja)
Alfonsina y el mar

David Paich & Jeff Porcaro (Arr. Philip Lawson)
África (toto)

Aitor Olivares García, Director


BANDA DE MÚSICA
JUVENTUDES MUSICALES
UNIVERSIDAD DE LEÓN


Emilio Rosillo
Santander (Pasodoble)

A. Malando
Ciclo de Ríos
-Río Negro
-Orinoco
-Chubut

E. Morricone (Arr. Johan de Meij)
Moment for Morricone

Luis Martínez García de Longoria, Director



Imágenes:

CORO MOZART y CORO JUVENIL "ÁNGEL BARJA" JJMM-ULE

P R O G R A M A

CORO JUVENIL “ÁNGEL BARJA” JJMM - ULE

Jubilate Deo - Arild Sandvold
Al Shlosha d’varim - Allan E. Naplan
Ubi Caritas - Ola Gjeilo
To The Mothers In Brazil (Salve Regina) - Gunnar Eriksson
Nyon Nyon - Jake Rubestad
Goza mi Calipso - Albert Hernández


Pianista: Antonio Escoriza
Directores: Elena Fernández Delgado y Aitor Olivares García


C O R O    M O Z A R T

WEB OFICIAL CORO MOZART


The Greatest Show
Música e Letra: Benj Pasek e Justin Paul
Arr: Mark Brymer
Adapt: Dionísio Vila Maior

New York, New York
Fred Ebb & John Kander
Harm. vocal SATB: Mac Huff
Adapt.: Dionísio Vila Maior

It Had Better Be Tonight
Henri Mancini e Johnny Mercer
Arr: Kirby Shaw
Arr. e Adapt: Dionísio Vila Maior

The Mad Hatter
Música: Frank Wildhorn; letra: Jack Murphy
Adaptação: Dionísio Vila Maior

Prince Ali
Alan Menken; Chad Beguelin
Arr: Mac Huff

You Raise Me Up
Rolf Lovland e Brendan Graham
Arr: Mark Hayes

Stand By Me
Ben E. King; Jerry Leyber; Mike Stoller
Arr: Kirby Shaw
Arr. e adapt.: Dionísio Vila Maior

Gospel Magnificat
Patti Drennan
Ao PIANO: Tiago Ribeiro

Lean on Me
Bill Withers
Adapt: Roger Emerson
Arr. e adapt: Dionísio Vila Maior

Amen, Go Tell It
Tradicional | Gospel | Espiritual
Arr: Donald Moore
Adapt: Dionísio Vila Maior

All Night, All Day - Spiritual
Arr: Greg Gilpin
Adapt: Dionísio Vila Maior

Bye And Bye
Milton Biggham
Arr: Lari Gross
Adapt: Dionísio Vila Maior

Les Misérables (Musical) | Adaptação Essencial
Música: Claude-Michel Schönberg; Letra: Herbert Kretzmer; Texto original: Alain Boublil, Jean-Marc Natel; Arr: Mac Huff, Ed Lojeski; Adaptação: Dionísio Vila Maior
 

Director: Dionísio Vila Maior




Imágenes:

ÓPERA CHINA

ENTRADA GRATUITA hasta completar aforo
Imágenes:

FESTIVAL DE ÓRGANO. JUVENTUDES MUSICALES ULE

Entrada libre, hasta completar aforo

PROGRAMA MAR VAQUÉ

-Antonio Vivaldi (1678-1741)
Concierto en la menor*
I.Allegro
II. Adagio
III. Allegro
*Transcripción realizada por Johann Sebastian Bach (BWV 593) a partir del concierto op. 3 n. 8 para dos violines, cuerdas y bajo continuo de A. Vivaldi

-Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Fantasia en fa menor KV 608
I. Allegro
II. Andante
III. Allegro

-Mauricio Kagel (1931-2008)
Ruiseñores resfriados

-Charles-Marie Widor (1844-1937)
Sinfonía n. 5, op. 42 n. 1
I. Allegro vivace
IV. Adagio

-Gaston Litaize (1909-1991)
Prélude et Danse Fuguée


Imágenes:

FESTIVAL DE ÓRGANO. JUVENTUDES MUSICALES ULE

Entrada libre, hasta completar aforo


Programa Pedro Aguiló Jiménez

- Fantasia y Fuga en Sol m BWV 542
 Johann Sebastian Bach (1685 -1750)

- O Mensch, bewein dein Sünde groß
Johann Sebastian Bach (1685 -1750)

- Präludium und Fuge über den Namen BACH
Franz Liszt (1811 - 1886)

- Cantabile
 César Franck (1822 - 1890)

- Estrella de Mar
Gaspar Aguiló (1926 - )

- Prelude et Fugue sur le nom d´Alain
Maurice Duruflé (1922 -1986)

Imágenes:

THE TIBBS

ENTRADAS   (6 €):   a partir de una hora antes del concierto en taquilla

50%  de descuento: miembros la Comunidad Universitaria, previa presentación del carné universitario y DNI

Discípulos del Northern Soul y verdaderos connaisseur de los fundamentos del Funk, The
Tibbs son sin duda una de las mejores bandas de la escena retro Soul europea
.
Echar un vistazo a su discografía da buena cuenta de ello. En 2014, tan solo dos años después
de su formación, los de Ámsterdam publican su primer single en el sello Tramp Records.
“Footprints In The Sand” se convierte así en su primera referencia planchada en negro vinilo.
Ese mismo año el grupo publica una demo a la que le seguirá en 2016 su fichaje por Record
Kicks. El prestigioso sello italiano, que ya cuenta entre sus filas con artistas como Hannah
Williams o Calibro 35, lanza al mercado Takin´Over , exitoso primer Lp que servirá para que la
prensa especializada acabe comparando la voz de Elsa Bekman con la de Janis Joplin. Y es
que escuchar a la cantante de The Tibbs nos lleva a acordarnos de su poderosa voz pero
también de la de su admirada Beth Hart.
Al igual que ellas The Tibbs, con su apasionada frontwoman al frente, son animales de
escenario: Hammond, trompeta, saxo y saxo barítono repletos de Groove regalando tonadas
como “Lies”, avance del nuevo larga duración que van a estar presentando en directo.

Video “Next Time” http://bit.ly/2GvWaJv

Video “Lies” http://bit.ly/2BEF3Bz

Video “Wild Way (Live)” http://bit.ly/2Eoybv7

Video “Washed My Hands (Live)” http://bit.ly/2rQBOaJ

Web http://thetibbs.nl

 



Imágenes:


CONCIERTOS A.I.E. CLASICOS

  • Entrada libre, hasta completar aforo. Recoger invitación a partir de treinta minutos antes de la actuación en taquilla.




  • QUINTETO O’GLOBO

    Formado en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en el año 2015, todos sus integrantes se forman tanto en la Escuela en sus distintos departamentos de instrumento, como en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, con los profesores Hansjorg Schellenberger, Radovan Vlatković, Klaus Thunemann y Gustavo Núñez.
     Han realizado numerosos conciertos por toda España en ciudades como Barcelona, Palma de Mallorca, Segovia, Ávila, Ibiza, Santander y Madrid.
    Durante los cursos 2016-17 y 2017-18 reciben el premio al grupo más sobresaliente de música de cámara de la Escuela Superior de Música Reina Sofía a manos de la Reina Doña Sofía.
    Actualmente está formado por Gala Kossakowski (flauta), Inmaculada Veses (oboe), Natacha Correa (clarinete), Andrea Pérez (fagot) y Jessica Rueda (trompa).




  • PROGRAMA AIEnRUTA CLÁSICOS 2018-2019

    QUINTETO O GLOBO
    Gala Kossakowski, flauta
    Inmaculada Veses, oboe
    Natacha Correa, clarinete
    Andrea Pérez, fagot
    Jessica Rueda, trompa





  •                                                                             I


    Maurice Ravel     Le tombeau de Couperin (arreglo para quinteto de viento de M. Jones)             (15 min.)
    (1875-1937)             
  • I. Prélude
  • II. Fugue
    III. Menuet               
    IV. Rigaudon                           
                                     



  • Henri Tomasi        Cinco danzas profanas y sagradas para quinteto de vientos                      (15 min.)
    (1901-1971)              
  • IDanza agreste
  • II. Danza profana
  • III. Danza sagrada
  • IV. Danza nupcial                 
  • V. Danza guerrera                 
     



                                                                                II


  • Heitor Villa-Lobos      Quinteto en forma de chôros W.231                     (10 min.)
  • (1887-1959)                
                                         



  • Pablo Díaz        Quinteto de vientos núm.1 op.12 *                      (12 min.)
  • (1997)                   
  • I. Andante maestoso
  • II. Fuga. Allegro giusto
  • III. Lento e con molta espressione
  • IV. Ipnotico, allegretto ma non troppo
  • V. Finale. Presto furioso
                                         


      

*Obra dedicada al Quinteto O Globo, para ser estrenada en la gira de AIEnRUTA Clásicos


  • Paquito D’Rivera      A farewell mambo                                     (8 min.)
  • (1948)                                                   



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JUVENTUDES MUSICALES ULE

Entrada libre, hasta completar aforo.



NUNTEMPA ENSEMBLE
-Cristina Arcos Cano, saxofón
-Pablo Treceño Salazar, percusión
-Carlota Arcos Cano, piano

Giras: Centro-Norte (8-17 noviembre 2018)



2º PREMIO VIENTO-MADERA 87º CONCURSO PERMANENTE (MADRID, 2017)
Ensemble formado por tres músicos burgaleses con la inquietud de promover la música contemporánea en España. Habiendo estudiado y tocado juntos en el Conservatorio Superior de Música de Castilla y León, sus caminos se separaron al comenzar sus respectivos master (Polonia, Alemania y Suiza).
Al ir acabando estos estudios, la idea de regresar a España y empezar un proyecto allí dió como resultado esta formación.
Sus comienzos son como foramción de trío pero su idea principal es ir elaborando programas en los que más artes tengan cabida, como danza, teatro, pintura, etc... al igual que incluir la electrónica como un miembro más.



PROGRAMA

S. Steen Andersen: Difficulties putting into practise
P. Schaeffer: Bilude
Y. Klartag: Fragments of profound boredom
T. Hosokawa: Für Walter. Arc song II
B. Hamilton: Interzones
M. Lindberg: Ablauf
A. Esperet: Ceci n’est pas une balle




Imágenes:

JUVENTUDES MUSICALES ULE


NUNTEMPA ENSEMBLE
-Cristina Arcos Cano, saxofón
-Pablo Treceño Salazar, percusión
-Carlota Arcos Cano, piano

Giras: Centro-Norte (8-17 noviembre 2018)




2º PREMIO VIENTO-MADERA 87º CONCURSO PERMANENTE (MADRID, 2017)
Ensemble formado por tres músicos burgaleses con la inquietud de promover la música contemporánea en España. Habiendo estudiado y tocado juntos en el Conservatorio Superior de Música de Castilla y León, sus caminos se separaron al comenzar sus respectivos master (Polonia, Alemania y Suiza).
Al ir acabando estos estudios, la idea de regresar a España y empezar un proyecto allí dió como resultado esta formación.
Sus comienzos son como foramción de trío pero su idea principal es ir elaborando programas en los que más artes tengan cabida, como danza, teatro, pintura, etc... al igual que incluir la electrónica como un miembro más.



PROGRAMA

S. Steen Andersen: Difficulties putting into practise
P. Schaeffer: Bilude
Y. Klartag: Fragments of profound boredom
T. Hosokawa: Für Walter. Arc song II
B. Hamilton: Interzones
M. Lindberg: Ablauf
A. Esperet: Ceci n’est pas une balle

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CONCIERTOS A.I.E. JAZZ

Entrada libre, hasta completar aforo. Recoger invitación a partir de quince minutos antes de la actuación en taquilla.


 PÁGINA WEB OFICIAL DE JAVIER NAVAS



Javier Navas Quartet + Enrique Oliver
 
El cuarteto liderado por Javier Navas supone una visita a un repertorio jazzístico auténtico y lleno de modernidad, agrupación donde el vibráfono de Javier se desenvuelve con mayores dosis de expresión y energía.
 
Desde el año 2014, Javier viene trabajando con una sección rítmica de contrastada calidad musical. Juan Galiardo (Jerry Bergonzi, Joe Magnarelli, Dick Oatts, Dave Santoro, Gregory Hutchinson) al piano. Bori Albero (Chano Domínguez, Lee Konitz, Dado Moroni, Barry Harris) al contrabajo. Y Dani Domínguez (Jorge Pardo, Chano Domínguez, Perico Sambeat, Kase.O) a la batería. El grupo ha creado un lenguaje propio a través de más de cien concietos en estos años, interpretando un amplio repertorio bajo la autoría de Javier Navas; repertorio que se apuntala en 2016 con la llegada de Enrique Oliver al saxofón tenor para completar el front line, convirtiendo al cuarteto en un grupo heterogéneo de cinco miembros.

A través de giras de conciertos y sesiones diversas, todo este trabajo cristaliza de forma natural en la publiación del primer disco de la formación, Finally in my hands (Ambar Records, 2016). Con una excelente recepción de crítica y público, este trabajo permite al grupo visitar gran parte de la geografía española, en más de cincuenta conciertos de presentación (Jamboree Jazz Club, Jimmy Glass, Recoletos Jazz Club, Festival de Invierno de Málaga, Elcercano, Filloa Jazz Club, Nova Jazz Cava) y giras por Aragón, Galicia, Cataluña o Andalucía.

Fruto de esta buena acogida, son seleccionados para la realización de una gira de nueve conciertos en el II Cicuito Andajazz, donde los diferentes profesionales del jazz en Andalucía escogen a distintos proyectos para su presentación por toda la comunidad. Esta gira toca a su fin en noviembre de 2017, dando por concluida la etapa de Finally in my hands.

El siguiente trabajo discográfico, Fresh start (Autoedición, 2018) supone la consolidación definitiva de un lenguaje propio, de una voz personal, tanto en las composiciones como en el propio sonido del grupo. Meses antes de su grabación, el grupo es incluído en el programa AIE Artistas en Ruta para realizar una gira por España en otoño de 2018. Esta gira coincide con la presentación oficial de Fresh start por todo el país, permitiendo al grupo realizar quince conciertos de presentación, incluyendo importantes locales y festivales de otoño (Festival OFF Jimmy Glass, Festival Jazz Abierto de Málaga, Festival Internacional de Jazz de Lugo, Ciclo 1906, Ciclo Auditorio La Bilbaína).



Imágenes:

JUVENTUDES MUSICALES ULE, organiza: MASTERCLASS DE BATERÍA ANDRÉS TOMÁS RODRÍGUEZ

PRECIO: 25€ POR ALUMNO


JUVENTUDES MUSICALES DE LEÓN ORGANIZA:
 
MASTERCLASS DE BATERÍA
ANDRÉS TOMÁS RODRÍGUEZ
JORGE PARDO, ANTÍLOPEZ, MUCHACHITO, LOS DELINQÜENTES, ANTONIO LIZANA, ETC...



INSCRIPCIONES:
Enviar correo electrónico con los datos a leon@jmspain.org
Mínimo 5 alumnos/as - El abono de la matrícula se realizará al comienzo de la Masterclass.



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